时间：2023-08-28 16:54:34
导语：在抽象艺术的主要特征的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了九篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
论文摘要:文章通过比较分析民间艺术和西方现代艺术的艺术观念和创作思想,说明民间艺术和西方现代艺术是在不同艺术观念支配下的两个不同体系的艺术。民间美术与专业艺术家的艺术创作不能以高低优劣来区分,而只是艺术观念和对事物的观察方式不同。
民间美术是百姓“为满足自身的社会生活需要而创作的视觉形象艺术”,具有浓厚的乡土色彩和鲜明的民族特征,与专业艺术家的艺术创作相比显现出一股自然、质朴、清新的艺术气息。这种风格也渐渐被越来越多的职业艺术家借鉴到艺术创作当中。到19世纪末20世纪初,西方现代艺术兴起并逐渐被国人所认识的时候,我们发现在我国传统民间艺术年画和剪纸中很多作品都具有抽象、变形、夸张等艺术表现形式,这与西方现代艺术的表现形式非常相似。该如何来看待我国民间美术中这些所谓的“表现主义”因素?能否据此说明我国传统的民间美术是一种具有现代意义的表现主义的艺术?其实,如果仔细分析我国民间美术和西方现代艺术的造型观念与创作思想,这些问题并不难回答。
英国着名美术史家贡布里希曾说:“美术史是一部视觉方式的历史”,即是说,美术史是人们用不同的方式观察世界、表现世界的历史。艺术形式之所以千差万别,艺术流派之所以纷纭繁杂,根本上是源于人们所持的艺术观念不同和观察世界的方式不一样。我国民间美术中确有很多抽象的、夸张的、变形的作品,如刻画一只母虎,在其腹内剪刻三只小虎以示其怀孕;又如飞鸟身体一侧是一只翅膀,而另一侧则并排四只翅膀,以表现鸟儿飞翔时翅膀不停扇动。这种将多视点、空间结合在一起的造物,有学者将其称为心理空间的表达,也有学者将这种创作称为“写实观念非写实形式的造型"。实际上这些创作都是源于民间艺人头脑中物象的真实再现,民间美术的这种创作思想和古埃及人的艺术观极为相似,古埃及的艺术创作遵循着多种极为严格的程式,其中“概念写实主义”即是指艺术家根据头脑中固有的概念来创作,而不是根据眼睛所观察到的进行创作。古埃及人不十分注重形象的真实和画面的美观,他们概念中的人是该具有四肢和五官的,所以无论是在壁画还是雕塑中,人物之间很少会互相遮挡,即使是非正常的透视和比例也要表现出人的主要特征。民间美术的创作也具有这种“概念写实”特征,他们将绘画或剪纸作为再现某些真实情节和特征的一种手段,单纯朴素地表达他们对生活的观察体悟,再现他们心中的真实,这是一种非常直接的艺术表达,与西方现代艺术在艺术观念上有本质的区别。
关键 词 ：构成艺术 几何抽象 现代陶艺 精神土壤
一、现代陶艺之概念
中国素来以“瓷国”著称，具有悠久的陶瓷文化历史，对世界的陶瓷艺术做出过杰出的贡献。但正是由于这种极为深厚的历史底蕴和根植于国人心中的陶瓷审美模式拖延了中国现代陶艺的萌芽时间，忽略了世界范围内新兴的现代陶艺审美观念，而一些西方国家，如英美和日本早在上世纪二三十年代便开始了近现代陶艺的起步和不断发展。
现代陶艺以其内在的张力、实验性、具象和非具象性的形式美感来承载当代文化精神，是现代人远离城市的喧嚣和冷漠、回归自然的一种最好方式。就现代陶艺的观点来看，陶和瓷都只是媒材，现代陶艺并不泛指所有的陶和瓷的艺术。现代陶艺是艺术家借助陶瓷材料，或是以陶瓷材料为主要创作媒介，远离传统实用性质的观照是，表现现代人的思想个性、情感、心理意识和审美价值的作品形式。它有最重要的两点：一是作为精神性的表现媒体而存在，精神属性是主要特征；二是表现手法技巧不拘一格，造成极丰富而随机的视觉效果，超越传统的技术标准，拓展全新的表现领域。
这些也正是构成艺术在现代陶艺中得以运用的契机。而且艺术本身无疆界，一种风格或主义的确立，必将影响当时一切与艺术相关的领域。正如抽象表现主义对建筑、服装、平面设计等的冲击。陶艺界也就不可避免地迎来了抽象艺术在其界内的发展，立体主义大师毕加索加入陶艺作品创作，从而开启了抽象艺术运用之先河。
二、何谓构成——几何抽象
对于构成，并不单纯指三大构成的知识，它的触角可以涉及到艺术的各个领域。如果非要加个定义，那么所谓构成，就是组装，即把设计中诸要素像机器零件那样，按照美的法则进行组装，形成一个新的适合需要的艺术作品。而直观一点说，就是几何抽象的艺术。
三、解读几何抽象与现代陶艺的融合
顺着构成艺术即几何抽象艺术的发展脉络，去探寻现代陶艺的变化，通过拜读现代陶艺家们的作品，可以从中体味抽象艺术渗透的魅力，窥探现代陶艺是怎样于传统到现代的过渡中接纳和吸收了抽象艺术，从而开启了现代陶艺由具象或实用到抽象或非实用的转换。
19世纪末到20世纪初，艺术观念处于大变革时期，反传统、追求艺术的独立性与纯粹性的运动风起云涌。而立体主义的丰碑人物毕加索更是致力于从描绘自然具体形象向抽象化形象的转化，从他的陶艺作品中便可见一斑。分解与重组，不同视点的并置都是立体主义理念为陶艺注入的新鲜血液。立体主义的理念被他直接运用到陶艺的创作上，陶盘、陶器都只是画布的替代品。虽然在陶艺语言上毕加索还没走向深入，但这种直接的挪用或者甚至说玩票性质的举措却为现代陶艺揭开了新的篇章，是对现代陶艺家们抛开传统束缚探讨新的陶艺语言最早的启发，开始了陶瓷艺术对实用器具背离的萌芽。
上世纪20至30年代是几何抽象艺术的感觉性表现的发现期。1931年，法国成立“抽象一创作”的艺术团体，推动了与自然完全断裂的几何造型艺术的发展，并在1936年把几何造型表现的艺术命名为“具体艺术”。在陶艺界，我们看到的是以美国的彼得·沃克思为首的抽象表现主义风格的兴起。他主张陶艺创作中即兴、自由的发挥，将黏土作为表现情感的载体，随意地叠、刮、戳、压。背离传统，彻底放弃了以往的造型完整和传统工艺技巧美感。甚至，他在作品上总是有意无意留下产生的瑕疵、开裂和斑孔，一目了然地记录着作品创作的过程。这个过程是沃克思用于表述隐喻及记载人与水、火、土的交流和联系的重要手段。没有具象，只有抽象表达，正是先锋派艺术家在陶艺领域对构成艺术的最好回应。陶瓷艺术开始了真正的对于传统的反叛，一切实用的器具已失去意义，几何抽象的表达方式为现代陶艺揭开了新的篇章！
上世纪60至70年代是几何抽象艺术的成熟期，同时也是极少主义成为具有绝对统治地位的艺术流派的时代。在陶艺界,与之相呼应的是极限主义的崛起。其代表人物是美国的布瑞斯·梅森和西班牙的恩瑞特·梅斯特。极限主义需要一套严格的成型工艺技法的支撑，但这并不妨碍陶艺家们对黏土的抽象表现。理性、简洁是其根本。极限主义陶艺家的作品通常采用一种预先构想的理智方式，根据数学体系、几何图形的一些理念来对烧成品进行艺术创作。而真正将这种风格发展得比较好的是布瑞斯·梅森。他的巨大的“+”字型雕塑，尽显气派和庄重；西班牙的恩瑞特是极限主义的又一典范。他的作品造型结构严谨，棱角的平直转折犹如刀切，是严格意义上的硬边风格，精心设计又使其具有精妙的比例尺度，把构成因素发挥得可谓是淋漓尽致。 而极少主义的另一端则是被称为集合主义的构成艺术。艺术家们利用现代材料和“现成物”为素材，提倡基于“单个间的关系”来把握世界。以很多数量相同或相似的作品集聚在一起，经过理性的形式化的组合，使之构成了另一崭新的巨大的艺术形式。
“装置风格”则是“集合艺术”在陶艺领域的又一体现，是陶艺家对单件陶艺或非场域性的作品，在情感观念和视觉艺术氛围整体表达上的乏力和不足的必然选择。但是，这并不意味着简单的堆积或叠加，而需要考虑的除了作品本身的材料、色泽、形态，还包括与作品共生的环境的因素，诸如灯光、布局等。日本的三岛喜美代是这方面的灵魂人物。她擅长布置场面巨大的、极具震撼力的展览作品。其作品甚至超越了普通装置艺术所展示的视觉和观念的范畴。她对材料质感具有敏锐的把握力。报纸书籍、纸箱的酷似，垃圾方体的逼真，都让她的作品无懈可击。而当多个单位造型组成一个巨大的集合体时，自然地产生了一定的造型扩张性，环绕着一股内在的力量，似乎有一种可视的运动存在。陶土的可塑性和亲和性则更将它的视觉冲击力提升到了极致。
关键词：几何 抽象 起源 应用 创新
一、几何抽象纹饰的起源
关于几何纹饰的起源存在着种种推理，更多的观点倾向于几何装饰是来源于人类对自然的感悟，来源于人类自身的劳动实践。人类的实践活动和人类对自然形象的领会对于几何装饰的发生具有重要的作用。几何纹饰的起源很早，早在新石器时代，几何纹饰便在彩陶上大量使用，它是中国以及世界迄今为止发现的最早的艺术之一，在长江以南和东南沿海地区出土的硬陶，器表常拍印一些几何形纹饰。新石器时代的仰韶、马家窑、大汶口和大溪等文化中发现的彩陶上都绘有各种几何纹饰，逐步发展形成了以点线面为构造的几何形系统，具有相当高的艺术水平。
早期的几何纹饰主要是由直线、折线和弧线组成，显得比较单纯和幼稚，但在线的组织和布局上已经显示了装饰者的独具匠心。大致可以分为规则几何形和不规则几何形两种。规则几何形如方形、圆形、三角形、梯形、五角形等；不规则几何形在构成上较为自由，形态变化也相对较多。在艺术的处理上，也已初步的体现出多样统一、平衡对称等特点，能够随着不同的器形作出种种变化，已经注重了实用与美观结合、器形与装饰的统一，做到了整体的协调，表现出一种特有的纯朴、浑厚、爽朗的艺术气质。几何纹饰的大量运用是原始时代陶器装饰的共性特征，也是新石器时代装饰艺术的主要特征。
具体地说，在原始时代的陶瓷装饰艺术中，各种的几何形的装饰包括规则的和不规则的、立体的和平面的形式。几何形纹饰是在原始陶瓷装饰艺术中运用最多的，它变化丰富，特别是新石器时期，尤其是彩陶上的纹饰，原始装饰艺术家们可谓是竭尽其所能。例如由鱼、鸟、蛙等具象形体抽象概括提炼出的基本形，再运用点线面的重叠、交叉与反复组合构造出符合形式美法则的变化多端的几何纹饰，极富艺术美感及特色，从而出现了人类装饰艺术史上的第一个辉煌灿烂的时代。
二、几何抽象纹饰在现代陶瓷装饰设计中的体现
几何抽象纹饰之所以历经千年至今仍在流传使用，成为陶瓷装饰艺术中最为普遍和流行的形式之一，其重要原因之一就是它本身具有其他任何装饰形式都无法比拟的适应性，可以随着被装饰对象的形体的变化而应变自如，同时又不会受到装饰形象的具体特征的束缚，它以简洁、单纯、丰富的想象给人类的生活带来无比丰富的遐想空间。
几何纹饰发展到今天更加丰富多彩，随着现代工业的不断进步，人类文明的进一步发展，陶瓷文化的提升也得到了相应的体现。在现代的陶瓷装饰中，艺术家通过新的组合方式，使几何抽象纹饰这一简单的纹饰更加生动，更加丰富的表达出新的精神面貌，并使之有了更新的运用与创新。
（一）布局上的整体感更强并有了空间意识
现代艺术家们在陶瓷作品中所展现的几何抽象艺术境界既无具象之形，无常形，无定形，又单纯、简约，并趋向了一种纯粹的境界，而且还蕴含着丰富的情感意蕴和哲理意味，达到了形式上的严整与深层次内涵的统一，极大地促进了现代陶瓷艺术向更高的层次发展。
简洁的几何抽象纹饰能给人以更宽广的思考空间，并且蕴含着丰富的寓意，陶艺家白明的陶艺作品在这方面做了很多的尝试和创新。他的这些抽象几何装饰的陶瓷作品大气、大度、大方，带给人一种少有的震撼力，也正如米瑟福所说：抽象艺术的关键乃在发现自我，发现最内在的本质，并借助适当的技法去表现这种隐藏在我们内心深处的东西。
器物上的似花、似草、似流水的抽象意象描绘，看似随意，其实却是精心安排，布局恰到好处，造成明丽、开朗、生机蓬勃的感觉。例如作品《荷叶田田》中的创意从大自然中生发和变化而来，这种抽象视觉符号完全是自由的、随意的、绘画性的，而非工艺性和制作性的，使他的陶瓷作品不同于那些单纯用绘画作装饰的瓷器，既传承了传统的几何抽象纹饰的内涵又赋予瓷器更现代的形式感和表现形式，使之具有一种不可言喻的震撼力。再如作品《青云蔓绕》，表现的是热带植物的大叶舒展、蓬勃的意象。作者没有写实的照搬树叶，而是把枝干简单化处理，将叶子的线条抽象概括成了有舞蹈、摇曳的感觉，很好的传递出了叶子生长的生机感。这种抽象的装饰使作品更加的生动，令观赏者心驰神往，流连于其间，更具有时代精神。
（二）创作中加入了设计意识
原始时代的装饰欲望就像是人类的衣食住行般的存在，体现的仅仅是人类造物的一种本能。而在现代的陶瓷装饰运用中很明显的呈现出的是一种具有现代意向的设计意识。不再是一种传统的装饰语言，也不是一种带有匠气的绘制与描绘，而是成为了一种有个性的装饰语言。以传统的几何抽象纹饰为载体，加入现代的设计思想，使整个装饰表达过程更加的自由、随意和新颖，既具有中国古典文化的温文尔雅，又体现现代人的设计观念和新颖手法，展现了特有的陶瓷艺术魅力和鲜明的个人特色。
（三）成为了一种文化符号，文化现象，具有了文化价值
传统的几何抽象纹饰凝聚了众多艺人的聪明才智，他们的设计中充满了随意性，往往是自己对生活的真实感受，表现的是对现实事物的一种深刻认识后所做出的反映，一种艺术化的处理。这一装饰纹样历经了几千年的积累沉淀，走到了今天早已不仅仅是一种装饰手法，已经为了一种文化，体现着一种文化价值。现代陶瓷艺术家在陶瓷创作设计过程中很好体现了这一点，运用点、线、面的结合，充分表现了纹饰的变化和瓷器材质的品格，使现代陶瓷作品中蕴含着优雅和柔刚结合的文化气质，体现了其文化价值的存在。
总而言之，几何抽象纹饰在现代陶瓷作品中被运用时多表现为，在吸收抽象表现主义传统因素的同时又敏锐的抓住了抽象表现主义与中国传统精神的相通之处，运用现代表现手段对几何抽象纹饰这一中国传统装饰手法进行了更新一层次的传达与表现运用。
关键词：回族装饰纹样；现代设计；中国传统文化
伊斯兰文明是世界历史上最伟大的文明之一，它在建筑及其装饰上建立了独特的阿拉伯风格，为世界艺术的发展提供了很大的影响。公元七世纪伊斯兰教传到中国内地以后，伊斯兰风格的艺术文化与中国的传统文化相结合，形成了中国特色回族艺术文化。随着人类在不同的历史年代、在世界各个不同角落的生存和发展中，通过智慧和创新精神不断推动着社会的全面发展。
正是因为这些时代进步上的变化，如今人们的消费观念除了更加理性、更加重视能够提高生活的质量的产品，更期待满足其自身的精神上的需求，越来越追求民族性与地域性的特色。艺术反映生活，而生活则离不开文化的根，文化是孕育家具的土壤[1]。如何能够从继承和发扬伊斯兰传统文化的精髓，为现代装饰设计注入能量等一系列的研究理论，是穆斯林设计者的必然选择。但目前伊斯兰传统艺术在我国的传承有所缺失，文化元素仅仅体现于伊斯兰风格的传统造型艺术中，忽视了穆斯林在平日生活中文化的传承与应用。
一 中国特色回族纹样的艺术特征
（1）图案题材特征
阿拉伯式的装饰花纹，广义指所有以波状曲线为主要特征的艺术形象及其美学体系。在回族清真寺及民居的装饰艺术中，吸取并发扬了西洋棕叶卷草纹的曲线风格和萨珊王朝波斯纹样的象征性，以其特有的形象，体现了阿拉伯民族的宗教观念及审美趣味。阿拉伯纹样形态种类繁多，变化丰富，包括几何纹、植物纹、书法艺术纹等。回族审美文化中的装饰艺术，如建筑装饰艺术不仅对建筑物起到了锦上添花的作用，而且也蕴含着回族特有的一些审美意趣。
浓郁、繁密、变化的特点，构成了阿拉伯装饰艺术特殊的艺术语言。借用浓郁的色彩对比、密集的层次变化以及纹样组织编排的不同，来构成变化丰富的艺术效果，其主要特点是兼具形象和抽象，而又以抽象为主。建筑和装饰用品是阿拉伯图案艺术的主要载体，而伊斯兰美学则是阿拉伯图案艺术的理论基础。
（2）色彩特征
人类创造美和欣赏美都是要从形式美开始的[2]，形式美中最大众化的形式莫过于颜色了，清真寺的色彩中代表存在的为白色一极，非存在的为黑色一极，中间色为绿色和金色。
（3）外观结构特征
阿拉伯建筑因年代和地区不同而形式各异，清真寺本身就是代表伊斯兰文化的特别建筑艺术，在中原地区，寻找完全相同的伊斯兰建筑艺术是很困难的，尽管寺院建筑的风格、布局、装饰等大都出现了变化，但其建筑仍体现或保留着伊斯兰的原则我国中原地区的清真寺几乎都以穹窿来代表，寺顶中央一座通常是圆顶，穆斯林认为它代表先知。清真寺的穹顶象征了宇宙苍穹的浩瀚与人对真主想象的无极与圆满。另外一个新鲜的阿拉伯建筑形式，是用白色的石膏柱制成的，产生一种如画的效果。
（4）图案寓意特征――在阿拉伯文字中，一个选取的阿拉伯书法纹样就是代表吉祥如意、幸福安康的寓意。
二 目前中国特色回族装饰纹样存在的问题
用现代设计的观点来看中国特色回族装饰纹样的设计，之所以没有广泛的传播开来，主要的缺陷有。
（1）缺乏系统化的设计理论体系
政治上，到了明清时期，由于朝廷对于民族政策的限制，穆斯林面对残酷的政治现实情况，在保持自己的和风俗的前提下，不得不逐步吸取中国传统文化，与儒文化相结合，形成了中国特色的回族文化。[3]从总结的回族纹样的艺术特征来看，对于回族纹样的阐述也大都使用口述或者图片的形式进行传播的，没有系统的素材体系，不便于设计知识的传播和积累所需要的典籍。使得穆斯林在生活环境中得以耳濡目染，从而伊斯兰文化在生活中也能得到很好的传承。设计思想、设计方法、设计材料等都相对单一，雕刻、印刷等这些复杂的工序都难以适应当代快时代的节奏，与现代的简约风格背道而驰，难以被大众家庭所接纳。带有一定宗教色彩的装饰具有很大的局限性，在一定程度上阻碍了装饰艺术的发展。
（2）设计思想保守，设计观念跟不上时代的步伐
回族是由国内外信奉伊斯兰教的族裔在中国大地上经过长期的历史发展中吸收和融合多种民族文化形成的民族共同体。由于历史变革、社会经济状况、政府支持等状况，我国回族文化是不一而论的。从文化环境、民族文化、风俗习惯以及等来讲，文化理念都是遵从中国传统文化，重共性，求稳定。正是因为这些历史变故，出现现在所呈现于世的回族文化。明清时期，朝廷对于民族政策的限制，穆斯林面对残酷的政治现实情况，为了寻找生活的出口，伊斯兰文化必须与中华传统文化相结合，迎合各种时代统治者的愿望意志，才会有旺盛的生命力进行文化的传播[4]。伊斯兰教的地方化和民族化是一个缓慢、渐进过程。为实现该过程，客观上要求它的自我调节、自我完善，以适应在中国的生存和发展。
三 对于中国特色回族装饰纹样的现代化研究的思路
以现代设计为参考依据，吸收中国传统文化的精华，根据现代人的消费理念和审美观念，掌控市场的流行趋势，使得回族纹饰能够不断创新和发展，确保其生命力[5]。回族装饰纹样的研究包含理论研究、技术研究等，应该从以下几个方面来进行改善。
（1）倡导简约的设计风格
简约并不简单，回族装饰艺术应该从文化的角度出发，根据中国传统文化的设计思想提炼出精华，并与现代社会发展状况相联系，立足于市场，走向国际化，形成具有中国特色的回族文化装饰艺术。
（2）装饰元素符号化
从伊斯兰建筑及装饰文化中提取其造型元素，并且加以抽象和简化，并且运用构成的方法进行重组，使其设计更加贴近人们的生活，便于人们的接受。打破原有的宗教色彩规律，不仅仅是黑色、白色、绿的选用，降低宗教给人们带来的庄严感。
（3）材料多元化
不再单纯的依附于砖雕和木雕等笨重的材料，选用现代材料更便捷，比如改良木材、新型木材、有机玻璃等材料的运用。中为西用，古为中用，新时代需要新的文化形式，不仅仅国内需要，国际也需要。不管加强中国特色回族装饰文化的发展，不仅使得回族文化得以很好的传承，还是得中国文化不断多元化方向发展，民族的就是世界的，回族装饰纹样将在中国文化中寻找适合的元素，使得平衡发展，不断创造新的佳绩。
参考文献
[1] 蒋绿荷.家具与民族文化之研究[J].专论与综述.2002，06-0016-04.
[2] 王一川.美学与美育.[M]北京，中央广播电视大学出版社，2001年11月第一版，17页．
[3] 邱玉兰、王振生：中国伊斯兰建筑[J].中国建筑工业出版社，1992年．
一、中国油画的发展
油画诞生于西方，其发展、成熟同样在西方，是一个纯粹的西方品牌。经过几百年的发展，油画经历了古典时期、巴洛克时期、洛可可时期、新古典时期、印象主义时期，以及现代主义时期和后现代时期，及至当代。这些不同时期的不同流派自身都有着鲜明的符号，使得油画这一艺术形式更富时代性和艺术感染力，并广受关注。油画传入中国后，中国的油画艺术家和爱好者积极向西方社会学习借鉴，在汲取精华的同时，更积极从传统中寻找作品新的思路和灵感，努力构建自己的绘画语言和风格。整体来说，中国油画和西方油画最大的区别在于，中国油画最大程度地渗入了中华民族的人文气质与文化心理，有着强烈且独特的时代特征。
二、当代中国油画艺术的三种表现方式
油画是一门造型艺术，线条、明暗、色彩和笔触是其独有的艺术语言，这些元素交织在一起共同构成了不同的表现形式。目前，中国油画的表现形式主要有具象、抽象、意象三种。
（一）油画的具象表现
具象，从广义上讲一般是指写实性较强的绘画形式。纵观世界艺术史，具象一直在其中占据着重要地位，是架上绘画的主要风貌。具象的绘画形式，保留了客观世界各个具体物象的直观状态，画面形象与人的直观所见近乎一致，也就是说，在具象绘画中，地点和日期的存在往往是可以感觉到存在的，而这也拉近了画作与观者之间的距离，观者可以凭借自己的视觉经验轻松识别出具象风格作品所展示的画面物象是什么，然后根据图象的描绘，深入理解艺术家所要传达的思想，所以，具象表现的作品其直达性、真实性更容易为人所接受。具象油画的主要特征是在真实还原具体物体形象的基础上进行艺术性的表达。其构建图像的基本原则是保证真实性和客观性，尊重自然规律和现象，保证对表现对象的艺术加工能够保持对象的真实原貌。同时，在真实性的基础上，艺术家还可以适当创作具有典型意义的艺术形象，以独特的笔触、色彩、肌理的处理表达自己的创作理念、创作风格和感情喜好，或粗狂或细腻，或欢快或沉郁。正是这种独特的个人风格，才使得具象油画与简单直白的绘图技术区别开来，进而通过视觉元素的选用和处理完整地传递感情。
（二）油画的抽象表现
抽象画不描述任何具体事或者物，它们看上去几乎没有主题，主要通过线条、色彩、质地、空间、形状、光、影、体积和色块等元素刺激观者的感官，从而使观者感觉到所描绘事件或者事物。在抽象画的创作过程中，艺术家摆脱了事物固有的形象和状态，意在使观者能集中注意力感受抽象绘画的主题思想，所以，抽象画既可以是间断的，也可以是持续的，其流畅的线条，疯狂的笔触和原始的色彩张力无不给观者以视觉刺激，使观者从现实中脱离出来，随心所欲地驰骋与想象。抽象油画是油画较为流行的一种风格，尤其在当代中国油画作品中，其创作既吸收了西方绘画中的抽象形式美，又吸收了中国传统艺术中的抽象意境美，展现出独特的艺术魅力。纵观当前的抽象油画作品，不难发现，艺术家在进行创作时，常依靠自身熟练的技法提炼、概括出形象的共性及本质特征，然后通过抽象的艺术加工将这些生活中的常见形象艺术化，最终创造出不同于具象写实的艺术形象。总体来说，抽象油画并不赞同那些具有象征性、文学性、说明性的表现手法，其更多的是一种个人化的表达，突出的是人的作用和价值，所以其总是试图以人的存在方式思考并认识客观世界，并逐渐淡化艺术的写实性，进而强化精神性的探求。
（三）油画的意象表现
现代设计讲的“以人为本”，就是古希腊哲学强调的“人本主义”，更是源于中国古典哲学—老庄的“天人合一”“以人为贵”的思想。而古希腊罗马文化与艺术唯美、求实、创新精神的体现就是艺术与技术的统一，实践与理论的结合。清华美院陈汉民先生在设计王府井酒店的标志时，把传统的中国结与建筑墙壁上的装饰融合起来，使我们看到这个标志，既有文化的情结，又具备现代设计的特点，是将传统文化和现代观念结合的典范。世界著名建筑师贝隶铭先生在做中国的香山饭店时，运用江南水乡的青砖灰瓦白墙色调，使现代建筑加上文化情怀，形成了一种共鸣。大众即市场，现代设计不仅仅是设计师的个人问题，不能单凭个人喜好去干事儿，而是要根据大众的需求和认知，寻找融洽的切入点，去满足市场的需求。传统文化的介入应该说对现代设计具有推动作用。我国传统文化艺术中的绘画、书法、音乐、舞蹈、戏曲、园林、建筑、雕塑等，都是经过了几千年的创造和积累，蕴藏着深厚的文化底蕴。由于传统文化艺术源于生活，源于传统，有着纯朴的艺术样式，如漆画、陶瓷、泥塑、蜡染、剪纸等，无论是作品中原始纯净的色彩，还是体现民族风情、人文生活的图案亦或是精湛的工艺技巧，都反映着民族文化艺术的精髓。因此，传统文化艺术成为了现代艺术设计创作灵感的宝贵源泉，特别在视觉传达设计中被广泛运用。
传统文化艺术中的主要特征是对自然形象的“删繁就简”。如我国民间的剪纸，造型多取简洁规整的外形，而造型着重于表现对象的形态特征，设计更趋向平面化。而在中国的传统装饰图案中，就有化圆为方、变曲为直、把自然形态规律化、几何化的手法。这一艺术特征，与现代设计造型观念一致，提倡“少既是多”，“纯化形态”正好与传统装饰上的这一特征相符合。传统装饰艺术在造型上非常注重“形式感”，注重处理点、线、面及各形式要素的关系，很讲究造型排列的秩序感。在平面设计中，图案的纹饰、走兽的斑纹、鸟类羽毛等都借鉴于此。还有现代设计中对抽象造型的追求，是二十世纪现代艺术的主流，然而在传统装饰艺术中，前人已经善于使用抽象的艺术语言来表现对客观世界的感受，如京剧的面具纹饰，早期的岩壁画上抽象的艺术形象，人形和动物形，就是抽象型设计的灵感源泉。在中国现代艺术设计中，许多设计师就考虑到了中国人的传统审美心理，采用中国传统文化艺术中的“喜鹊”“鲤鱼”等有象征意义的图形，招贴海报中传统的水墨，剪纸等手法，通过这种方式在大众的文化心理上达成情感诉求。让国人在其民族文化心理的层次上感到亲切与接近。可见，传统装饰艺术在现代设计中具有重要意义。
我们要在现代设计中将传统文化艺术和现代元素较好的有机结合在一起，就要依据传统文化艺术中形和意的衍生传承。从最早的原始社会一直到封建社会晚期的图形符号的造型艺术，它们的表现形式和造型方式，都随着每个历史朝代的更替而转变，具有鲜明的时代特色和地域特色。比如，传统图形中最有代表性的龙的形象、原始龙古拙、商周青铜器上的夔龙狞厉肃穆、汉魏龙奔腾飘逸、唐龙饱满富丽、宋龙庄严规范、元龙矫健、明清龙繁缛凝重。还有中国其他有代表性的传统图形，诸如纹、云纹、鱼纹、涡纹等，我们都可探寻到其它表现形式在各个历史时期发展演变的脉络。这种“形”的变化是对原始图形的继承，也是对其外在形式的衍生与拓展。每一个广为流传的图形符号背后，往往蕴藏着深层的象征意义，这些意义最初大多源于人们的自然崇拜和宗教崇拜，进而衍生出象征吉祥如意等意义，正是由于人们对美好生活的向往和期盼，对这种好“意”的执著追求，才使“形”得以代代相传。可以说，“意”的历史延伸催生出了“形”的历史衍生。
关键词：构成艺术几何抽象现代陶艺精神土壤
一、现代陶艺之概念
中国素来以“瓷国”著称，具有悠久的陶瓷文化历史，对世界的陶瓷艺术做出过杰出的贡献。但正是由于这种极为深厚的历史底蕴和根植于国人心中的陶瓷审美模式拖延了中国现代陶艺的萌芽时间，忽略了世界范围内新兴的现代陶艺审美观念，而一些西方国家，如英美和日本早在上世纪二三十年代便开始了近现代陶艺的起步和不断发展。
现代陶艺以其内在的张力、实验性、具象和非具象性的形式美感来承载当代文化精神，是现代人远离城市的喧嚣和冷漠、回归自然的一种最好方式。就现代陶艺的观点来看，陶和瓷都只是媒材，现代陶艺并不泛指所有的陶和瓷的艺术。现代陶艺是艺术家借助陶瓷材料，或是以陶瓷材料为主要创作媒介，远离传统实用性质的观照是，表现现代人的思想个性、情感、心理意识和审美价值的作品形式。它有最重要的两点：一是作为精神性的表现媒体而存在，精神属性是主要特征；二是表现手法技巧不拘一格，造成极丰富而随机的视觉效果，超越传统的技术标准，拓展全新的表现领域。
这些也正是构成艺术在现代陶艺中得以运用的契机。而且艺术本身无疆界，一种风格或主义的确立，必将影响当时一切与艺术相关的领域。正如抽象表现主义对建筑、服装、平面设计等的冲击。陶艺界也就不可避免地迎来了抽象艺术在其界内的发展，立体主义大师毕加索加入陶艺作品创作，从而开启了抽象艺术运用之先河。
二、何谓构成——几何抽象
对于构成，并不单纯指三大构成的知识，它的触角可以涉及到艺术的各个领域。如果非要加个定义，那么所谓构成，就是组装，即把设计中诸要素像机器零件那样，按照美的法则进行组装，形成一个新的适合需要的艺术作品。而直观一点说，就是几何抽象的艺术。
三、解读几何抽象与现代陶艺的融合
顺着构成艺术即几何抽象艺术的发展脉络，去探寻现代陶艺的变化，通过拜读现代陶艺家们的作品，可以从中体味抽象艺术渗透的魅力，窥探现代陶艺是怎样于传统到现代的过渡中接纳和吸收了抽象艺术，从而开启了现代陶艺由具象或实用到抽象或非实用的转换。
19世纪末到20世纪初，艺术观念处于大变革时期，反传统、追求艺术的独立性与纯粹性的运动风起云涌。而立体主义的丰碑人物毕加索更是致力于从描绘自然具体形象向抽象化形象的转化，从他的陶艺作品中便可见一斑。分解与重组，不同视点的并置都是立体主义理念为陶艺注入的新鲜血液。立体主义的理念被他直接运用到陶艺的创作上，陶盘、陶器都只是画布的替代品。虽然在陶艺语言上毕加索还没走向深入，但这种直接的挪用或者甚至说玩票性质的举措却为现代陶艺揭开了新的篇章，是对现代陶艺家们抛开传统束缚探讨新的陶艺语言最早的启发，开始了陶瓷艺术对实用器具背离的萌芽。
上世纪20至30年代是几何抽象艺术的感觉性表现的发现期。1931年，法国成立“抽象一创作”的艺术团体，推动了与自然完全断裂的几何造型艺术的发展，并在1936年把几何造型表现的艺术命名为“具体艺术”。在陶艺界，我们看到的是以美国的彼得·沃克思为首的抽象表现主义风格的兴起。他主张陶艺创作中即兴、自由的发挥，将黏土作为表现情感的载体，随意地叠、刮、戳、压。背离传统，彻底放弃了以往的造型完整和传统工艺技巧美感。甚至，他在作品上总是有意无意留下产生的瑕疵、开裂和斑孔，一目了然地记录着作品创作的过程。这个过程是沃克思用于表述隐喻及记载人与水、火、土的交流和联系的重要手段。没有具象，只有抽象表达，正是先锋派艺术家在陶艺领域对构成艺术的最好回应。陶瓷艺术开始了真正的对于传统的反叛，一切实用的器具已失去意义，几何抽象的表达方式为现代陶艺揭开了新的篇章！
上世纪60至70年代是几何抽象艺术的成熟期，同时也是极少主义成为具有绝对统治地位的艺术流派的时代。在陶艺界,与之相呼应的是极限主义的崛起。其代表人物是美国的布瑞斯·梅森和西班牙的恩瑞特·梅斯特。极限主义需要一套严格的成型工艺技法的支撑，但这并不妨碍陶艺家们对黏土的抽象表现。理性、简洁是其根本。极限主义陶艺家的作品通常采用一种预先构想的理智方式，根据数学体系、几何图形的一些理念来对烧成品进行艺术创作。而真正将这种风格发展得比较好的是布瑞斯·梅森。他的巨大的“+”字型雕塑，尽显气派和庄重；西班牙的恩瑞特是极限主义的又一典范。他的作品造型结构严谨，棱角的平直转折犹如刀切，是严格意义上的硬边风格，精心设计又使其具有精妙的比例尺度，把构成因素发挥得可谓是淋漓尽致。而极少主义的另一端则是被称为集合主义的构成艺术。艺术家们利用现代材料和“现成物”为素材，提倡基于“单个间的关系”来把握世界。以很多数量相同或相似的作品集聚在一起，经过理性的形式化的组合，使之构成了另一崭新的巨大的艺术形式。
“装置风格”则是“集合艺术”在陶艺领域的又一体现，是陶艺家对单件陶艺或非场域性的作品，在情感观念和视觉艺术氛围整体表达上的乏力和不足的必然选择。但是，这并不意味着简单的堆积或叠加，而需要考虑的除了作品本身的材料、色泽、形态，还包括与作品共生的环境的因素，诸如灯光、布局等。日本的三岛喜美代是这方面的灵魂人物。她擅长布置场面巨大的、极具震撼力的展览作品。其作品甚至超越了普通装置艺术所展示的视觉和观念的范畴。她对材料质感具有敏锐的把握力。报纸书籍、纸箱的酷似，垃圾方体的逼真，都让她的作品无懈可击。而当多个单位造型组成一个巨大的集合体时，自然地产生了一定的造型扩张性，环绕着一股内在的力量，似乎有一种可视的运动存在。陶土的可塑性和亲和性则更将它的视觉冲击力提升到了极致。
在陶艺这一领域，构成艺术的痕迹还可一一探寻。像日本的八木一夫——陶艺界的泰斗，他的许多作品表现与象征并存。他不断将自己融入黏土之中，感知黏土与生命深处的渊源。这种纯粹的方式和净化的结果让人从他的作品中感到如宗教符咒般的昭示。在《我的自述传》中，他说：“如果要忠实地服从自己的心情创造，应该脱离传统陶瓷工艺过程。(转第97页）(接第113页）我想现代人的心理情感这个世界，如果用古文来陈述，怎么也表达不了。根据这些想法，我走向了所谓超现实立体造型，从此我可以自由自在的自我展开了。”正是这样，他的作品《萨姆先生的散步》将陶艺带入了一个全新的领域，同时也是对构成艺术作了最好的诠释。
而在陶艺创作中，只单纯追求形式美感、讲究比例尺度重理性的作品也不少见。有的将对象进行分裂、破坏、拆散，然后根据需要进行重构和组合，有的更直接将二维的构成因子注入到立体造型中去，这里便不再列举了。
结语
艺术是相互融会贯通的，现代几何抽象艺术在世界美术史中虽然只踞于一种艺术类型的位置，但在现代设计史中却有举足轻重的地位。正因为有了印象派、立体主义到抽象主义等各种艺术发展的脉络，才有了现代陶艺由具象到抽象、由实用到纯粹艺术的转变。现代构成艺术的历史从某一方面来讲，也是陶艺由传统到现代的变迁史。
总之，纵观现代构成艺术和陶艺的发展、抽象艺术的概念和语言，随着年代的变迁、社会的进步、科技的发展，逐渐渗透到陶艺的每一块领域。通过摆脱传统，从单纯的抽象走向了多元化、综合性的陶艺制作。不只对泥土自身特性的挖掘，还采用多种现代手法，加强高科技与泥土的对话，创造出土与火、土与自然、土与人的心灵相融合的艺术。其中构成艺术始终是现代陶艺不可逃离和最眷恋的精神土壤。
参考文献：
[1]白明编著．世界现代陶艺概览．江西美术出版社．
[2]白明编著．外国当代陶艺博览．江西美术出版社．
[3]许以祺主编．陶艺家通讯．
[4]世界构成艺术100年．
[5]（美）阿纳森著．西方现代艺术史．天津人民美术出版社．
关键词：原始彩陶 装饰纹样 现代设计
检 索：.cn
原始彩陶是中国新石器时代最具代表性的文化器物。它的发明和大范围的应用反映着远古人类的生存和生产技术的观念形态，从一个重要方面显示了早期人类与外部自然世界和内部人类社会相互作用的关系和方式。而彩陶的装饰纹样则展示了古人朴素的艺术观念和审美情感。人类的艺术经过数千年的发展与积淀，从质朴的原始艺术发展到今天繁荣璀璨的现代艺术，我们竟然可以在现代的艺术与设计中找到原始艺术的影子，正如道家所云：“返璞归真”。原始彩陶纹样对于物象高度的抽象与概括恰恰可以给予当代设计以灵感。
陶器纹饰经历一个从再现到表现、从写实到象征、从形到线的发展过程，在这个过程中人们不自觉的培育了比较纯粹的美的形式和审美情感。而令我们惊讶的正是在文明还处于萌芽期的时候，人们已经掌握了各种美的形式规律，而这种规律我们今天仍在广为使用。用现代设计术语我们把这种形式规律称为“平面构成”。本文对中国彩陶纹样进行简要的分类，并从现代设计的角度来论述其构成形式，以期对今人有些许借鉴意义。
一、原始彩陶纹样的分类
（一）具象形式
具象形式的意思就是按照物象本来的样子进行客观的描绘，对自然的真实模拟，一般出现于彩陶装饰的早期阶段。先人们通过观察现实生活中的美丽物象并尽可能地再现于陶器上以达到审美目的，另一方面这些物象又包含某种象征含义，寄予精神寄托。古人客观表现物象的写实手法尚处萌芽状态，造型只追求表达物象的基本特征，包括基本体征、动态和比例等，而并不考虑物体的光影、体感，即所谓平面性的造型。形态高度简化，具有一定的理想化和几何化，但仍可辨认出所描绘的是什么物象。原始彩陶纹饰中具象造型主要存在于仰韶文化中的鱼纹和鸟纹，经过变形简化、夸张再造的处理，创造了极有典型特征的艺术形象。如图1，早期的鱼纹相对写实，注重形体特征，用网格表现鱼鳞或偶以弯曲的身体描绘鱼的游动。到了中、晚期，先人们不再拘泥于鱼的表象特征，而是提取眼、口、鳃、尾等部位着重笔墨，夸大鱼的特点且具有动感，造型更加简练、形式感更强。（图1）
（二）抽象形式
抽象形式，是相对于造型艺术中的具象和意向而言的，或许经过具象表现演化而来，但与现实中没有明确的对应关系，不能清晰辨识所绘事物，多以几何形、点、线等手法表现。抽象形式纹样是原始彩陶装饰纹样中运用最多、变化形式最为丰富，也是我们现代设计最有借鉴价值的彩陶纹样艺术形式。纵观人类艺术发展史，从原始艺术的稚拙学步，到西方中世纪艺术的艰难求索，再到古典主义对于结构光影的精确掌握，直至现代艺术追求表现放弃写实的立体主义与构成主义，其发展过程竟然可以从原始艺术中看到些许端倪。原始先民们对于物象的概括、归纳和重组以及对审美的表达在今人的眼中依然具有其独特而璀璨的艺术价值。
抽象形式纹样之所以会成为彩陶装饰中最广泛流行的形式，重要原因之一就是具有其他任何形式都无法比拟的适应性，不拘泥于特定的表现题材又具有彼时人们普遍的审美价值诉求。它亦可以随着被装饰对象的形态变化而变化，同时又不受到装饰形象具体特征的制约。如仰韶文化半坡类型的彩陶钵，腹部描绘两层三角形几何纹，可能是由鱼纹逐渐演化而来。（图2）
（三）意向形式
所谓意向形式，是指装饰的造型虽有所指，但并不拘泥于事物原本的结构形态进行表现，而是抓住所表现的物象的主要特征之后，运用夸张、重构、概括、变形、添加等处理手法，是所创造的形象更具有艺术表现力，既能让人联想到所表现的现实中物象的形态，又给人以丰富联想的空间，因此笔者认为比具象形式的纹样更具有艺术价值。彩陶装饰中的意向形式主要有两种表现形式，一种是完全由原始人想象和虚构创造出来的形象，大多是几种现实形象的重构和组合，如仰韶文化的人面鱼纹。另一种形式也是使用最多的意向装饰即由具象的形象变化而来的形式。这类形象能够相对比较清晰地辨识出被表现的现实中的物象，但又与物体本身的形态并不完全相同，而是运用一定概括、夸张的手法处理之后，使表现的内容具有强烈的识别性和视觉感染力。这与现代艺术的表现方式极为相似。所以说，这类艺术形式既不是具象的也不是抽象的，而在一定程度上是两者的综合。如马家窑文化彩陶中的蛙纹，可以看出原始先民对具象事物的概括、符号化处理以及对点、线、面的熟练运用。（图3）
二、原始彩陶装饰纹样之设计启示
通过对中国原始彩陶装饰纹样的构图及表现方式的研究，我们不难发现原始先民已经初步掌握了点线面、均衡、重复、节奏与韵律感、反转等形式美的表现技巧，完善的运用于作品之中。这些象形纹饰无论从整体表现上还是局部刻画上，所追求的并不通过这些形象来记录或传达某种具体内容，而是通过经主观加工的艺术形象来表达古人的意向和观念，凭借富有动感的线条来传递情感。在客观上达到以图形及其器物在形、色、质上的完美结合，造就了这一神奇的艺术魅力。时至今日，当代的艺术创作中仍然运用这些手法，因此原始彩陶的装饰纹样给今日的人们带来了大量宝贵的经验财富并具有永恒的艺术价值。
（一）模仿与创造
万事万物的创造都源于模仿。人们从模仿飞鸟而最终发明了飞机；从模仿动物游泳的动作而创造出适于自身的游泳技巧。彩陶的器形和装饰纹样设计的经验，可启迪人们通过对生活中自然形态的观察、体验与模仿，找到那些与自己的意识经验与情感表达相关联的形式元素，做适合于表达和制作的形式处理，无论是写实形态还是抽象形态，采用具有典型特征的形象或具有符号性的图形样式，在装饰造型的表意、表情和完整性等方面产生符合自身需要或具有某种共通性的艺术效果，使视觉造型走向从观察模仿到自由创作之路，正所谓“艺术源于生活而高于生活”。
（二）局部与整体
彩陶纹样之所以具有很高的艺术成就，其重要原因之一即作品局部创作的精彩处理与陶器整体关系的统一把握：局部描绘精彩绝伦，视觉冲击力强，吸引住人的目光；整体形态关系和谐统一，给人以亲切友好的视觉体验。彩陶纹饰的单元性、连续性、统一性和平面化的视觉效果，以及它们与器皿结构整体结合而形成的全方位的视觉效果，给人以多维化的视觉体验和创作经验。我们在注意平面纹饰图案自身的整体与局部的对应关系之外，还需注重它们与更大范围空间载体所形成的复合性和适应性关系，注重静态的和动态的观察方式及过程，并需掌握如何处理好平面构图中整体与局部的对应关系以及空间结构中的和谐统一，以达到动静结合、韵律感强的视觉效果。
（三）繁与简
现今人们的生活在节奏越来越快、信息含量越来越多的时代中，艺术形式多样化，既有古典主义追求精确结构光影的复兴，又有加快辨识效率、追求简约处理的设计理念。实践证明，越是高度概括的物象，其创作难度越高。写实追求的是对结构的精确把握，而经归纳概括的抽象图形则需要艺术家具备更加敏锐的观察力和高超的创作技巧。原始彩陶中大量的简洁或复杂的纹饰和图案结构的处理，显示出先民们可以运用简单有限的视觉元素诸如点、线、面以及质朴色彩的搭配组合，产生简洁明快的视觉形式，并很好的表达了其意识观念与情感诉求。这些珍贵的文物资料给予我们今天艺术创作大量的经验启示。
（四）区别与关联
彩陶之中许多看似不相关的形象及符号的组合，给人带来了丰富而奇特的视觉体验。这启示着人们可以运用物与物、人与人、人与物之间的某种关联性，揭示人与自然、生活与幻想、现实与非现实之间的各种相关性和内在联系，使那些本来属于不同类型、不同属性及发生在不同时空的事务，构成某种新的联系，并构成理想的、有序的画面形象，或许可以达到表达主观意识和思想情绪意想不到的效果。
（五）精巧与拙朴
杨振宁先生题“宁拙勿巧”来激励学生踏踏实实学习、兢兢业业做事。原始彩陶图案的线条及色彩风格、手工彩绘的肌理，还是它们与陶器造型所构成的装饰格调与韵味，都散发着一种原始社会独有的质朴魅力和人文情怀：他们彼时虽然没有精深的绘画理论，没有发达的创作工具，但是他们通过对生活细致的观察与沉淀，通过对艺术表现执着的尝试与探索，竟然创造出了如此伟大的成就，这既是长久以来集体智慧的传承，也是每个个体踏实钻研的结晶，展现出大拙若巧大智若愚的辩证关系。这是我们当今的艺术与设计工作者所需要具备的基本的生活理念。
原始先民们用他们的生活经验和朴素的审美情感，创造出了令人惊叹的艺术成就，为后世的艺术创作诸如平面构成设计、表现主义艺术等等带来了无尽的经验和灵感。彩陶象形纹饰的形象体现着与人相近似的情感，促使人们在较为亲切和谐的关系中对世界与人类进行自身的认识。中华民族的造型艺术，从一开始就主动追求创造形象而不满足于记录实体，从简洁、质朴的线条中可以充分的感受到大量的生活积淀和丰富含义，正如李泽厚先生所说：这是一种观念、想象的沉淀。这些形象的创造，较明显地展示了中华民族原始美术在形式和传递情感两个方面的追求，也奠定了中华民族心理、文化相吻合的基本造型观念与造型手法。道家云：大音希声，大象无形。最质朴的东西，往往是这一事物最高之境界。
参考文献
1 李希凡、刘峻骧：《中华艺术通史》，北京，北京师范大学出版社，2006。
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5 蒋书庆：《彩陶艺术简史》，上海，上海人民美术出版社，2007。
“构成”，字面本身有“组织，重合，组装”等含义，“构”的原意是“筑土为木以为宫室”。“构成”从传统的概念上进行理解，可以理解为元素的组合和重组构造，具体指在一定规律的基础上进行有效的分解、组合。构成是一种造型活动，是逻辑思维与形象思维相结合的一种构成方法。“构成”包括两方面的要素，第一要素是指形态上的要素，即点、线、面、体、色彩、材料、技法和技法运用的法则等；第二要素即心理要素，具体指人通过视觉和感觉器官来引起心理上审美的认同感。其中，构成艺术主张把形态和色彩等因素作为构成的主体，几乎不存在具体的对象。然后直接追求造型的纯粹、简洁、抽象，从而给人打造形态、色彩造型空间的时间感、空间感、运动感、节奏感等。这种美学创造不受到时间和空间的限制，给人以绝对的视觉享受。因此，我们说构成艺术是一种通过研究形态、空间、色彩来表达某种意图的艺术。构成艺术赋予了所倾注的对象以特征，其中审美特征是构成艺术的主要特征。人们长期以来在生活实践中逐步总结出了一定的审美特征，而任何造型都要服从与这种总结出的自然规律，这就要求构成艺术需要兼具个性与共性之美。既能够在建筑中体现个人独到的见解，又要体现社会文化的潮流。由于人与人的经历不同，因此对于每个人的感受也不一样。在构成艺术创作中会具有鲜明的个性表达，而共性特征是千百年来的积累。只有遵循共性特征，才能得到更多人的认同。两者之间是相辅相成，互相依存的。其次，构成艺术的审美特征体现了真、善、美的思想内涵。在构成艺术的应用过程中，设计师们常常喜欢把真、善、美的情感寄托融入其中。通过真体现人们生活中最贴近心灵的部分，通过善唤醒大众共同的心声，借助“真”、“善”获取“美”的升华。再次，构成艺术的审美特征是内容与形式的完美结合。点、线、面、色、材质是表，而真、善、美是内涵。只有合理的将两者进行融合，才能在建筑中创造出大家喜爱的艺术品。
二、构成艺术在建筑设计中的运用探讨
随着构成艺术广泛应用于建筑中，在现有的建筑中涌现出了大批优秀的代表，这些具有构建艺术审美风格的建筑为城市、为地区增添了美丽的风景。下面，将分别从构成艺术的点、线、面、色四方面深入探讨构成艺术在建筑设计中的运用规律，为将来的建筑提供重要的参考资料。
1.点在建筑设计中的运用
在几何当中，点不仅是最基本的组成部分、也是最重要的组成部分。在构成艺术中，点是最小的单位，也是建筑形态构成中最基本的单位。没有点就成不了线，任何物体都是从点开始积累起来的。我们把形态比较小的形态统称为点，无论点的形状如何，无论处于哪个位置，在建筑设计时都作为点进行布置和设计。点在建筑结构中虽然不起眼，但却是不可缺少的构成要素，它常常起到画龙点睛的作用。通过点的点缀和衬托，使人们充分的感受到具体的膨胀和扩大效果。因此，点在建筑设计中的运用，作为一种造型原色，可以有效的产生位置效应、集中效应、方向效应和动静效应，是建筑设计中不可缺少的元素，在不同的设计环境中呈现不同的特色。
2.线在建筑设计中的运用
在几何学中，线是由一个点任意移动所构成的图形。相对于“点”在建筑设计中的活跃程度，“线”则显得沉稳了许多。线可以说是生命创造的符咒，利用线可以有效的进行空间的分割和链接。线主要承载的是建筑的长度和方向，有时也是宽度的体现。线按照不同的形状和性质可以进行区分，如直线、曲线、水平线、斜线等。不同的形式、不同的状态可以给人打造不一样的空间，从而形成了建筑或者明朗、或者庄严、或者静止、或者生动的形象，给予了建筑以生命力和审美情趣。比如在我国传统的建筑中，点和线的紧密结合就成就了一种历史悠久的建筑形式。歇山顶、庑殿顶等建筑形式，就是合理利用线的艺术形式。不仅利于采光，而且利用雨天的排水，从心理上给人轻盈轻快的感觉。
3.面在建筑设计中运用
相对于点和线来说，面在建筑设计中的影响力随着面积的增大而提升。面的特点是具有长度和宽度，在一定情况下具有厚度，在视觉上面给人的冲击总比点或者线大很多。面可以根据形状分为几何形的和自由形的，几何形有直线形和曲面形，而自由形的还可以分为任意形状和偶然形状，一系列的几何形状给人不同的视觉感受。于是，建筑设计师门利用面这种独特的特性进行设计。他们利用自由形状来实现张力给人强烈的视觉冲击，利用曲面造型的多样化给人以无限的想象，同时带给人艺术的美感。例如我国的奥运赛场鸟巢的设计，就是运用线与面的结合，给人以与众不同的视觉空间和想象。
4.体在建筑设计中的运用
在建筑设计中，体是立体造型的最基本的表现形式，也是在诸多的构成艺术元素中最具代表性的元素。体通常具有长度、宽度和深度的三维立体空间的形态，通过立体空间表现建筑的视觉效果。在建筑师的手下，常常将体按照一定的规则进行组合。然后通过链接、渗透的各种手法，体现各种各样的艺术造型，这些艺术造型给人带来动感、张力、稳定等不同的空间感受。比如垂直的方向的形体可以给人以庄重向上的感觉，适合设计雄伟的建筑；而水平方向的形体给人以平静坚实的感觉，适合设计住宅；具有倾斜性的建筑具有活动和动感，适合建筑一些公共场所。比如埃及金字塔的建筑，方锥体的形式给人高大、庄严的形象。
5.色彩视觉心理在建筑设计中的运用