陈设艺术设计自人类进入文明社会就悄然诞生，伴随着人类对美感持之以恒的追求而不断发展壮大。古埃及宏伟的金字塔、中国的秦砖汉瓦、印度的佛像造像、古巴比伦的空中花园、罗马的大角斗场透过历史的沧桑，穿过时间的长河向后世的我们展示那个时代，那一群人独特的审美水平和塑造美的能力。陈设艺术设计并不是像普通大众脑海中认为的那样，只是简单的物品摆设与空间设置。它是一门复杂晦涩的学科，要求设计者利用物品的空间位置与物品与物品之间的相互关系，进行主观上的情感表达，物品的摆放位置，融入的是设计者的思想感情，表现的是设计者的艺术构思，将光影、色彩置于同一于一个空间之中，展现出特殊的视觉效果，给人以美感。通过陈设艺术设计，可以拉近人与环境之间的距离，使人与环境融为一体，促进人与人之间的和谐融洽。正是这种将生物科学、设计技巧、艺术追求和社会文化结合在一起的设计科学，才能完美的向我们展示设计的美感。由于划分的标准不同，我们可以将设计艺术划分为不同的种类，但是其中最为常见分类是物质性陈设与精神性陈设两种。物质性陈设是指一些有着使用价值满足我们物质生活的物品。比如我们使用的各种家电，阅读的各种报刊杂志、各种家具摆设等等。作为一种生活必需品，家用电器存在于千家万户中，有着不可替代的重要地位。随着时代的进步，社会的发展，我们越来越重视家具家电的造型设计，希望家具家电的造型和设计、摆放能满足自己的审美追求，表现自己的价值追求，成为把自己的内心展示给他人和自我享受的一种手段。我们身边既有床、鞋柜、衣柜、桌子这样实用性很强的家具，也有一些装饰性极强的摆设性家具。我们不难看出，陈设艺术设计就是立足于我们现实生活的实际，将各种环境因素合理、科学的搭配起来，既保证他们作为生活必需品的实用性，既不影响我们的自我使用体验感，妨碍我们的日常生活，又能让他们体现自身的美感，美化我们的生活空间，愉悦我们的心灵，融洽我们的关系。报纸、杂志和各类书籍作为一种精神媒介，既让我们得到了与外界沟通交流的机会，不断学习新的知识，丰富我们的精神世界，同时将他们合理摆放，放在合适的位置上，又能为我们的生活空间抹上水墨的颜色增添一种文化韵味，让人不禁产生一种书香门第的感觉，平添一种典雅与宁静，使我们的心灵得到荡涤，得到解放。我们必须清楚地认识到陈设艺术设计是一个复杂的混合体，并不是简简单单的传统意义上的艺术装饰和摆设，也区别于传统的环境设计和造型，它更为重视的是陈设设计的合理性与科学性，拥有科学理论的支持，在理论的基础上将各种空间设计学科知识运用到室内陈设与摆放的设计当中，在此基础上为我们全方位的表现设计者与用户的思想感情的融合、自身的文化内涵与精神追求，空间享受，构建良好的生活环境，使人与空间更好的融为一体。
二、新中式空间
在将探讨陈设艺术设计应用与新中式空间之前，我们有必要对新中式空间做一个全方位的了解，理解他的概念，掌握他的基本特征，在此基础上才能够进行真正的有意义的学术探讨。新中式空间脱胎于中国传统文化，随着人们对传统文化的再次认同而兴胜开来，他将中国社会的传统文化内涵、精神追求、审美情趣完全的呈现出来，同时，兼收西方现代化的设计元素、艺术理念，体现出一种独特的现代美感，新中式空间将二者完美的结合在一起，传统与现代相呼应、典雅与动感相连接，具有独特的美感。与中国其他时代的空间风格相迥异，新中式空间将中国新时代的新特点、新精神、新理念、新追求以及新的思维模式包含起来，并进行一种有益的衔接，它将中国传统文化元素融合到现代空间设计中，使设计的效果既体现古典文化元素，又能符合现代空间设计审美标准，既体现中国古代的典雅，也呈现出现代社会的时尚，以此来适应新的社会和人们的需求，满足不同用户的空间诉求。新中式空间体现出的是一种积极乐观的人文情趣，要求设计者有着天马行空般的想象力、不拘一格的创造精神以及一种与时俱进的锐意改革进取精神，只有满足这样的条件，才能够创造出激情四射的新事物、新韵律、新美感。新中式空间作为一种新的空间模式，将中国古典的空间设计做了更为深刻的改变，与此同时融合经济学知识，将市场与审美结合，重视社会的审美诉求，并在此基础上不断修正自己的发展方向，从而具备了更为顽强的生命力。新中式空间着眼于当下，但又关注于未来，不单单局限于满足当代人的审美情趣与价值追求，而是希望能够对未来保有一定的影响力，引导社会形势，提升社会整体的审美水平，开拓人们的视野。从空间风格来看，新中式空间并不是简单的复制、野蛮的照搬，而是将中国传统空间、西方现代设计艺术结合起来，取其精华，去其糟粕，对二者进行科学、理性的继承与发扬，将核心点放在对空间的情感描述之上，在古典与现代的结合处，为我们传递古典空间的人文精神与现代化的用户体验，将中国固有的审美情趣与时代结合，创造出适合于中国人自己的环境空间。新中式空间的出现绝非偶然，有着深厚的文化土壤，以儒家为代表的中国哲学思想，强调“仁、和、贵”，将这种传统文化思想融入空间设计当中，无论是在办公空间设计、商业环境设计还是家庭装修设计上，结合用户的思想、性格和用途，通过对空间的整体设计，体现出仁义、和气和富贵的元素，使这些元素在无形当中体现出来，令用户感受到中国古典文化的典雅气质。这并不像西方哲学一样，将思想抽象形而上起来，用抽象的方式加以表现，这种形式往往使人感觉设计空间的冰冷和无厘头，虽然时尚但不见得温馨。打破这种形式，而采用另外一种方式，将自己的思想感情与精神追求，转化为一种生活模式，因此可以说中国的古典哲学思想就存在于我们的血液当中。从宏观的角度来看，传统文化的内核对中国艺术设计的影响无时不在、无处不在，蕴含在中国的红墙绿瓦、小桥流水、北方的四合院、南方的园林中的设计精神正是植根于中国传统文化，正是因为有着传统文化的支撑，他们才能跨越历史长河为我们展现出一种独特的美感。新中式空间的出现正是这种古老哲学思想的重现，是对传统文化继承与发扬。将我们身上固有的文化内涵、精神境界、道德情操完美的表现出来，完美释放我们的内心情感。为了避免新中式空间落于窠臼，缺乏创新的能力与时代感，就需要我们将新的设计思想、新的装饰材料融入进来。只有做到兼顾传统与现代，才能避免空间表现的苍白、乏力，创造出独特的审美情趣与文化内涵。
三、表现手法
近些年来，随着人们环保意识的增强，开始追求一种更为健康舒适的生活。对空间设计与陈设艺术提出来越来越高的要求，渴望在自己的生活空间中引入自然清新的因素，在紧张的工作之余，发泄心中集聚的压力，获得一种心灵上的放松与和缓。基于这样的需求，设计师越来越重视将自然因素引入到空间设计与陈设艺术中，将绿色植物、流水、游鱼等自然事物放到室内，让游鱼在水中畅游，让绿色植物点缀我们的生活，动静之间，情趣盎然。为我们在喧闹的都市营造一种宁静、安逸的生活环境，带来一种桃花源般的内心体验。计算机技术的快速发展、互联网的迅速普及，让我们能接触到更多信息、获得更多生活经验，触摸到各种文化思想，身处信息漩涡中的我们，每时每刻都在接受不同文化的洗礼，当各种不同的思想文化、精神内涵、生活方式与自身所处的生活环境，受教育程度，社会背景，职业种类相碰撞之时，会发生强烈的化学反应，诞生出越来越多的设计风格，始终保持一种不确定性与可能性。这种可能性不断引导者陈设艺术设计向着更加多元化的方向发展。陈设艺术设计在新中式空间的呈现主要利用两种表现手法，第一种手法就是用当代时代性较强的手法来展示古典的文化情怀；第二种表现方式是在传统文化的基础之上，充分发挥古典文化的影响力，对现代设计艺术的表现手法、现代化的装饰材料、有时代感的家具融合进来。通过这两种表现手法，将陈设设计艺术在新中式空间中表现出来，利用陈设设计艺术将新中式空间的独特文化气质充分的展示出来，又不放弃传统的家居风格与古典的设计手段，将西方现代化的气息与舒适感带入进来，从而营造出一个既有文化氛围又有良好用户体验的家居空间。陈设设计艺术在新中式空间中的应用，是建立在中国古典传统法文化的基础之上，吸收五千年来古代先人的智慧，追求一种中国特有的“道法自然”、“天人合一”的精神境界，利用现代多元化的陈设手段，吸收多样化的表现艺术手法表现出来，这种结合并不是简单地复制，而是在继承的基础上不断地做出突破，不局限于过往，不止步于现在，追求一种创造能力。我国的陈设设计与其他设计艺术有着本质的区别，他成长于中国几千年来深厚的文化土壤，有着独特的文化底蕴，不会像古埃及、古巴比伦那样走向灭绝，有着强悍的生命力。古典文化所赋予我们的价值取向与人生追求，促使着我们不断出发，去探寻新的事物，去创新，去找寻合适自己的设计体验，陈设艺术设计在新中式空间中的应用正是基于此。
四、结语
“围”与“透”虽然被应用到了现代艺术设计中，但是实际上“围”与“透”根本的来源还是中国传统的中国画，在传统中国画中“围”与“透”作为一种重要的艺术形式，巧妙地运用就能够让画面变得更加生动、明亮、意境空灵。而环境设计中的“围”与“透”主要就是讲求将环境进行分隔和过渡让环境在具有一定的空间感，又有足够的通透感，并且现代材料的不断发展，让分隔和过渡时能够有更多的选择，但是“围”与“透”运用的技巧要熟练还必须要对“围”与“透”的理念进行更多的研究。所谓的“围”与“透”，更多时候就是让空间灵活的分隔、过渡、组合，从而实现一定的虚实结合的效果增强美感，让空间互相独立的同时又能够互相交融，不仅仅是增强美感也在一定程度上增强了环境空间的实用性。“围”与“透”来源于中国画的艺术构图方式，在中国画构图中讲究布局章法，而应用到实际的环境设计中就是讲究对空间的合理安排，让空间的组合排列有一定的秩序，有一定的节奏，从而让环境能够产生像绘画般的艺术效果。尤其是室内设计中的“围”与“透”设计，就是要让当以一个室内设计能够形成一幅画的效果，在让单一环境空间实现虚实结合、动静自如效果的同时再与周围的环境以及空间更好地进行组合、堆叠，从而增加“围”与“透”这样一种表现形式的巨大魅力。
2.环境艺术设计中“围”与“透”的应用
2.1环境艺术设计中“围”与“透”的好处
（1）增强含蓄美
实际上现代空间设计中的“围”与“透”还是传统的绘画设计、园林设计与现代建筑设计的一种结合衍生体。在古代建筑设计与周围环境布局中就讲究一种含蓄美的表达，讲究整个图幅的收放自如，利用环境来创造环境，从而也就带动了室内设计的发展，逐渐让建筑与环境相容的表达方式出席那在了室内的设计中，同样利用空间的组合来让室内设计能够有更强的艺术表现力。创造出的“围”与“透”相容的环境实际上也就有了一种“曲径通幽”的含蓄之美，同时再利用各种衬托手法，各种各样的对比手法来增强这样一种设计的东方美。
（2）虚实结合
“围”与“透”的应用也是来增强室内设计的一种虚实结合之美，通过空间设计的虚实结合来体现环境的变化，在设计中增加一些“透”创造出一种虚空间的感觉，从而放大整个空间给人的感受，增大空间的实际大小；同时在过大空间中巧妙地利用“围”来对空间进行有效的分隔从而又把空间独立开。巧妙地在环境设计中应用“围”与“透”就能够提高空间的虚实效果，让空间富于灵动。
2.2环境艺术设计中“围”与“透”的表现
（1）空间的对比
“围”与“透”应用过程中常常会利用到不同空间之间的对比，对比是多种多样的，可以是空间的大小对比，也可以是空间的排列对比，也可以是空间的色调对比，高矮的对比等等，通过对比就能够自然体现出空间的变化与通透。
（2）空间的过渡
当然“围”与“透”的设计中最重要的还是空间的过度，不同空间之间的过渡就是透的重要表现形式，利用不同的过渡手法和材料来创造一个“过渡空间”，有利于空间之间的组合，也有利于空间的对比。
（3）运用分隔
“围”与“透”设计中，空间的分隔就是创造“围”的效果的，只有利用空间的分隔才能够让空间布局更加的实用合理，也能够有更强的美感。运用分隔更加重要的作用就是让空间之间出现一定的独立性，就像建筑与周围环境，必须要有相应的分隔以区分室内与室外等。
（4）虚空间的加入
在“围”与“透”中“虚空间”的应用也是必不可少，往往会通过玻璃透光，增强亮度，甚至是利用镜面等方式来扩大室内的实际空间大小，可以自如的通过这样一些方式来增加环境的大，也可以让空间有一定的缩小效果，从而让空间与环境之间出现一定的分隔，增强室内感等。
3.结束语
在空间环境中，人往往拥有一块空间，这块空间不仅仅提供了休息的环境，同时也提供心理上的安全感，人们往往不太习惯太高的房屋，人们喜欢站在柱子旁边，这些都是人下意识的找依托感，通过这些空间引起的心理变化，能够很好的处理空间高度以及与周边事物的设计。不同的空间形状往往给人不同的心理感受，如低矮的空间设计，会让人有一种压抑感，动态变化的空间会让人产生一种不规则感觉，圆形空间设计则会使人米欧式方向，空间形态变化很多，所引起的心理也存在很大的差异，只有充分掌握这些联系才能设计出美观的展示空间。
2.基于环境艺术设计心理学的展示空间设计
在展示空间设计中，基于心理学角度分析，需要充分利用围和透的关系。若是一个空间的设计没有采用任何一种透视方法，必然会给人一种压抑的柑橘。若是空间的设计仅仅是开场，就无法充分发挥出内部空间的特征，使用功能无法得到发挥，因此在展示空间的设计中需要把握好围和透的尺度，根据具体需要表现的事物来进行设计。
2.1空间流动性、引导性设计
展示空间本身属于一种三维空间，人不可能一眼看到全部设计，需要在走动中看到各种设计，也就是需要注意看到各个设计部分。在这个走动的过程中，属于一个连续的过程，人们所看到的信息也是一个连续的过程，因此在设计中就需要保证空间变化的连续性，保证每个空间展示的效果都是连贯性的，保证人能够得到好的视觉效果，保证人在行走的过程中感到空间的协调一致性，同时又富有变化，增强人的感受。展示空间在设计中原则上需要保证采用有序性原则，人在参观展览中，具有非常大的流动性，一般是靠右走，走捷径，不走回头路，这就要求空间设计拘留流动性和引导性，合理安排空间布局来安排观众参观，引导人的驻足。
2.2空间长短和色彩的设计
在展示空间设计中，长短因素是影响人们心理的主要因素之一，一般而言在展示空间设计中，高潮部分需要偏向于后部，前面的空间设计让人们产生一种期待感，增强空间的表现效果。在建筑空间的设计中，若是需要强调高潮部分的重要性，满足人们乘兴而归的想法，可以适当加长观赏浏览的空间设计，针对一些比较特殊的物品，在展示空间设计中，高潮部分就需要放在前面，引起人们的新奇感。在展示空间设计中，色彩同样是影响人们心理变化的重要因素之一，色彩具有很强的视觉效果，能够引起人们的注意。心理学研究表明人们在观看事物中，总是先看见色彩，然后再看见物体。在色彩的设计中涉及到了公众色彩心理问题，这是因为对于人而言不同色彩所引起的直觉效果是不同的，同时也受到、社会规范等的影响。如红色在美国象征着健康欢乐，在我国象征着信心、传统等，因此在展示空间设计中需要考虑到色彩对人们心理的影响。
2.3垂直和水平空间的设计
[关键词]电影艺术；电影语言；空白
我们知道，任何艺术作品都不可能面面俱到，而只能将最关键、最本质的部分表现出来，那些非本质的、次要的部分或轻描淡写，或遮蔽略去。而这些轻描淡写，或遮蔽略去的部分就形成了空白。由此可见，空白是艺术作品共有的一种特性，具有本体论意义。对于艺术作品而言，空白不是有与无的问题，而是大与小，多与少的问题。艺术作品必须留有一定的空白，空白与不确定性是衡量艺术高低的一个重要尺度。正因为空白的重要性，艺术家都尽力不将一切和盘托出，而是有所保留。
英国美学家克莱夫・贝尔把空白与艺术的联系说得很透彻。贝尔认为没有“简化”，艺术就不可能存在，也不可能有美。在他看来，真正的艺术都是通过“简化”的手段得到的。没有“简化”，艺术不可能存在，因为艺术家创造的是“有意味的形式”。贝尔的“简化”就是砍掉不相干的细节。从表面上看，作品因简化出现了空白似为“缺失”，令人遗憾，但实则留给读者丰富的想象空间，作品的意蕴挖掘权交给了读者，作品与读者之间形成最大的意义张力，作品意蕴的天地被大大拓宽。这样看来，空白实际上拓展了作品的意蕴。“诗贵含蓄”讲的就是这个道理。
艺术作品必须凝练，它极忌写全，否则便索然无味。罗丹曾言，“表达思想不必形体完整”。他提倡大胆的简练，反对毫无表现力的烦琐。艺术创作就是要露一爪以显云海神龙，画一角以写全殿之华。这体现了艺术创作中以简胜繁，以少胜多，以不全写全的辩证法。那种一览无余的“墨贯”只会冲走想象，挤去内蕴，即当作品的空白不在或被充盈之后，欣赏者就没有了想象的余地，也就没有了艺术欣赏的再创作，艺术作品的意蕴自然会瘦得像个瘪三，毫无美感可言。由此观之，空白并非缺欠，恰恰相反，它其实正是美的构成要素，是艺术创作中为了实现意蕴美而应有的形式品格。“景愈藏，境界愈大；景愈露，境界愈小”之所以被画界奉为圭臬，就因为它深刻阐明了境藏与意蕴之间的辩证关系。这一画论同样适用于其他艺术。根据格式塔心理学，当不完全的形呈于眼前时，会使审美者产生强烈的追求完整、追求对称、希冀和谐的愿望。也就是说，审美者会被激发出“补充”或“填实”空白的冲动力。读者随之人于作品中而成为创造者，参与作品意义的建构，这种创造大大超过作者的思想，空白自然也就有了更大价值的美感。
提起空白艺术，人们首先想到的是中国的国画，然后是中国的诗歌，其实，空白是艺术作品的共有特性。随着德国接受美学双璧之一的沃尔夫冈，伊瑟尔在其代表性论文《本文的召唤结构一不确定性作为文学散文产生效果的条件》和重要理论著作《阅读活动――审美反映理论》中提出空白理论，西方学界开始研究小说、诗歌中的空白艺术，但对于空白同样丰富的电影，东西方学界却未曾给予关注。本文认为电影也是空白的富矿，其空白同样值得关注。
电影理论家马尔丹认为，电影是“一门艺术，也是一种语言”。电影究竟是什么样的语言，又是什么样的艺：长呢?对此，不同的电影理论家和评论家有不同的理解，但笔者认为，作为以视听为手段的电影，其视觉传达靠的是画面，其听觉传达靠的是声音，因此，电影就是画面和声音的结合体，或者可以说、电影语言就包括画面语言和声音语言，电影艺术就是这两种语言的艺术。
电影作为一门艺术同样无法做到事无巨细展露无遗，也就是说，电影语言中一定有空白，这是一种客观存在。我们知道。电影的故事时间，即电影叙述的故事所经历的时间跨度要远大于电影文本时间，即电影的放映时间。于是，对于传达思想无关紧要的部分势必略去，从而留下空白。同时，空白也是电影艺术实现美学追求的一种手段。与其他艺术一样，电影艺术也需要审美主体的介入，因为没有审美主体的参与，艺术只能以“自在”状态存在而无法进入“自为”状态，即无法进入审美阶段，自然无法：突现观众与银幕文本的对话与交流，电影会因无法取得好的接受效果而成为失败之作。
如何使艺术从“自在”状态进入到“自为”状态，这需要一个审美中介。空白就是这样的中介，它形成伊瑟尔所言的“召唤结构”，激发读者(或观众)参与文本的意义建构，于是，文本与读者(或观众)之间的对话与交流便开始了。空白正是通过破坏文本表面的可连接性来实现文本的潜在连接，并由此获得审美效果，因而留白十分必要与重要。在电影语言中，无论是画面语言还是声音语言，留白都很普遍。《大红灯笼高高挂》中当主人公颂莲疯了后，陈府大院又娶进第五位太太，电影到此戛然而止，留给观众一个很大的空白。这位太太的命运将会如何?可谓人殊言殊，但空白无疑留给观众想象的空间。由卓别林自导自演的《凡尔杜先生》中当凡尔杜哄骗他的另一个“老婆”李吉亚从银行提取巨额现金回到家，晚上休息时两人的说笑声被音乐所遮蔽，之后音乐转成刺耳的喧闹，后来渐渐沉默下去。究竟发生了什么?声音之后留下的空白同样给观众留下了想象的空间。无疑，空白在给观众留下想象空间的同时，也使银幕文本有了隽永的韵致。
2014年10月24日至26日，由广西艺术学院主办，广西艺术学院造型艺术学院与广西艺术学院造型艺术创作研究中心联合承办的“我们的城市――公共艺术教育国际论坛暨公共艺术学科建设年主题活动”，集教学成果展览、学术理论研究、艺术案例探讨和行业跨界互动为一体，成为当代高校公共艺术教育与研究的重要发轫之举。活动本身旨在通过“我们的城市”作为研究课题，为各位艺术家提供一个学术研讨平台，就当下我国城市公共文化与公共艺术教育、公共艺术创作的相关议题进行具有高端性质的对话与交流，为促进现代化城市建设的良性循环，提升公共文化建设的可持续发展，起到学术性的指导作用。
此次艺术活动的重点表现在如下几个方面：
一、活动主题指向鲜明
10月24日上午，广西艺术学院音乐厅。在造型艺术学院院长黄月新的主持下，召开了“我们的城市――公共艺术教育国际论坛暨公共艺术学科建设年主题活动”开幕式。来自于社会文化艺术界的名家、学者出息了开幕仪式，开幕式正式拉开了论坛系列活动的序幕。会上，广西艺术学院P思副院长代表学校发表了热情洋溢的讲话，向出席本次论坛活动的各位专家学者表示热烈欢迎。她提出，广西艺术学院是省部共建、多学科协调发展的综合性艺术院校，学院正在以博士点申报为新起点，努力将学院打造成为国内一流的综合性艺术院校，并力求突破学科界限，实现跨越式的艺术发展模式。P思副院长希望通过本次研讨会，加快公共艺术学科的建设，促进该校相关学科的发展。本次活动的学术主持人、中山大学视觉文化研究中心主任教授冯原，作了关于论坛主题的宣讲，针对什么是“公共艺术”的问题，他形象性地阐述道：我们刚刚走进会议厅大门的时候，每个人脖子上都挂着由主办方赠送的绣球，这是一种表达情意的礼物，如果把绣球放大150倍，它就是一件雕塑作品。当“绣球”成为一个放置在城市空间里的雕塑形象时，其文化内涵表达的就是这个地区及这个地区的人他们对待事物的感情方式，这实际上就是公共艺术。现代性的创造思维，让绣球成为了一个特定的文化符号，因此它同时还具有了双重性；在座的每一位专家、学者的本身，也孕育了双重性，因为本次论坛无论讨论的是公共艺术还是教育，实际上都与外面的世界存在密切的相关性。所以，未来世界文化的发展轨迹将会随着公共艺术和教育模式的进步而得到充分的发挥。他所阐述的观点，引起了参加活动的专家及广大与会者的极大兴趣。
本次论坛以“我们的城市”作为主题，定位鲜明而准确。近年来随着中国城市化进程的不断发展，公共艺术成为城市形象和城市文化生活的重要组成部分，主办者以“我们的城市”作为本次论坛主题，就是想将公共艺术置身于城市空间即代表公共艺术所处的宏观空间给予讨论。将公共艺术置身于城市空间中予以讨论，代表了公共艺术所处的宏观空间，而“我们”这一表达将嘉宾、师生、听众、艺术家、媒体等不同身份的个体置身于讨论之中，多元地建构起对城市公共艺术的解读，集中展示具有实验性和学科交叉性的公共艺术教学与研究领域的探索与发展。
二、多领域跨行业互动
本次活动邀请了德国艺术家塞巴斯蒂安-库恩（SebastianKuhn）、澳大利亚注册建筑师、规划师约瑟夫-米洛斯拉夫（ZLYJosephMiloslav）、中国传媒大学传播研究院副院长陈卫星、上海同济大学建筑与城市规划学院副院长李翔宁、北京大学翁教授剑青、中央美术学院副教授孙璐、天津美术学院造型艺术学院院长景育民、深圳大学设计学院副院长邹鸣、南京艺术学院设计学院公共艺术系主任季鹏、中山大学视觉文化研究中心主任冯原、江南大学设计学院教授周阿成等数十名国内外城市文化学者、建筑师、雕塑家、公共艺术研究专家及教育工作者出席。
本活动在学术成果凝聚方面也投入了巨大精力，邀请了多家专业媒体，如《雕塑》杂志副主编徐永涛、《美术观察》编辑部主任陆军、《设计之都》编辑部主任张晓飞，以及《中国艺术时空》 《榜样》《艺术探索》等杂志的编辑、记者等，共同捕捉、整理会议活动过程中的理论宣传与学术亮点，并形成文案纪要。同时，主办方把论坛活动整理并推出记录专辑，系统全面地将活动会议纪要与研讨成果汇总起来。
与会专家学者们借助活动主办方提供的“我们的城市――公共艺术教育国际论坛暨公共艺术学科建设年主题活动”研讨平台，从历史、文化、建筑、园林、雕塑、媒介、科技、哲学等多个领域，结合南宁的城市地域特征、当代公共艺术的文化属性、现代城市的未来发展需求，就当下城市公共文化与公共艺术教育、公共艺术创作相关议题进行了高端对话与研讨，以期引发社会和公众各界的关注，形成与之相关的学术理论成果展示，为现代城市公共文化建设的健康发展，起到积极的促进作用。
三、推动院校间学科建设与交流
为配合本次论坛活动，广西艺术学院南湖校区美术馆举办了“六院校公共艺术院系教学及作品交流展”。参展院校有中央美术学院雕塑系、中国美术学院上海设计学院、南京艺术学院设计学院、江南大学设计学院、汕头大学长江艺术与设计学院，以及东道主广西艺术学院造型艺术学院。在广西艺术学院邓军书记、P思副院长、赵焕春副书记、韦俊平副院长等人陪同下，与会专家、学者们参观了展览。邓军书记在致辞中，对此次交流展在该校与五大院校的共同努力下顺利开幕表示祝贺，希望作为校内外公共艺术文化交流重要项目之一的此次交流展，能让更多人了解公共艺术的教学历程与成果，并欢迎各界朋友多到广西艺术学院访问和交流。
这6所艺术院校都是近些年我国较早开辟公共艺术专业，并在此领域取得了突破性进展的高等院校，这些院校培养了大批公共艺术专业人才，承担了公共艺术与工程项目，建设了一批具有知名度的公共雕塑作品，获得了不少奖项，取得了良好的社会反响。利用此次国际论坛的机会，这几所在公共艺术领域开展教学与实践颇有成效的艺术院校，得以集中展示各自在公共艺术领域总结出的丰硕成果。展出作品主要的内容包含公共艺术方面优秀的教学案例、课程设置、师生方案设计及作品。在这个展示公共艺术发展成果的平台上，各大院校之间借此良机相互交流、学习借鉴、增进友谊。
四、理论研讨严谨切实
论坛研讨会分别由中山大学冯原教授与广西艺术学院刘新教授作为学术主持人。国内外的艺术家、建筑师、规划师、文化学者、媒体人士广泛参与，围绕“当下城市公共文化与公共艺术教育、公共艺术创作相关议题”，结合对公共艺术的建设、个人的感受以及公共艺术教育建设等方面，就当下城市公共文化与公共艺术教育、公共艺术创作相关议题进行了深层次的对话与研讨，会上还特别提到，发展城市公共艺术要注意保护当地历史文脉，注重与生态环境发展相调和。
中山大学传播与设计学院冯原教授，在论坛主旨演讲中，由“现代性的二元结构”展开，从阐述被称为“二元结构”的自我与他人的相关性开始，回顾了公共艺术发展的起源，并从公共艺术的古典性到现代性、后现代的三元结构以及文化与政治的二元对立关系等方面讨论了公共艺术与城市的“二元结构”问题。
中国传媒大学传播研究院副院长陈卫星，以“公共空间与艺术再生产”为主题，从城市的一种符号功能代表的文化异域问题开始，由一个logou微缩空间到一个雕塑的空间，再到一个政治空间，谈到了城市空间与文化起源意义上公共艺术的拓展理由。他认为城市空间是人对自己社会关系的界定，外观上最早的文化意义的起源跟宗教、崇拜和神话的关系，最终把对公共艺术的讨论归入了思想史的范畴，将西方的思想家对于“公共性”概念的判断，做出了清晰的划分和判断。
北京大学公共艺术研究专家翁剑青认为，中国的公共艺术发展从经济、技术、文化、城市空间建构上，仍处于从量的时代走向质的时代及从权力文化向公民文化迈进的过程中。文化的生产、艺术的生产都同属于一种话语权的生产。公共艺术Public Art的概念是在私人领域和公共领域的一种对话和交流，是一个时代的进步。他提出了3个很重要的关系：第一是公共性和个人，每一个人都决定着一个国家和城市的水准；第二是公共艺术的责任，公共艺术家必须肩负着创新的使命；第三是学科、专业的融合，公共艺术不是仅属于雕塑家来完成的任务，它应该属于多种不同的学科共同参与、融合，以至达到联合完成的一项工作。
天津美术学院公共艺术学院教授景育民，以自己创作的艺术个案，就项目实施中的各个环节作了陈述，就我国公共艺术发展现状做了阶段性回顾，针对存在的问题进行了理论分析，并提出了许多建设性意见。尤其是当代高校公共艺术教育环节，公共艺术学科的发展问题，他结合自己多年的研究经验，做出了策略性的开拓与实施的解决方案。
上海同济大学建筑与城市规划学院副院长李翔宇从城市空间的角度作为切入点，提出了关于当代中国城市和建筑等24个关键词。就建筑学领域的功能属性、学科属性、形式属性、社会属性等4个属性，提出它们与公共艺术之间共通互补的理论依据。他认为建筑是公共艺术的一种，但建筑又有自身的特殊属性。
汕头大学长江艺术与设计学院张宇作为一个设计师与艺术家的身份，把公共艺术放在一个社会生活方式里面进行考察。认为公共艺术存在的空间就是一个生活空间，因此导致了公共艺术之所以存在的一个基本条件。他给出了一个基本结论，即公共艺术家必须要有责任感，在当前的社会、政治环境影响下，艺术家的创作或创意要富有使命感。
深圳大学设计学院副院长邹明以北京地铁4号线公共艺术项目为例，介绍了相关对接、运作与实施情况，提出了“海纳百川”“和而不同”的艺术理念，同时结合《希望升腾》《五彩生活》等具体作品，就材质、空间、造型等阐述了自己的独到体会。进而提出公共艺术需要跨界来实现，艺术家要寻找到自我与社会之间的连接点。
广州美术学院艺术与人文学院樊林以有关20世纪德国法西斯纳粹屠杀罗姆人、莫斯科苏联二战纪念广场上反映战争灾难的具体案例，就历史事件、因果关系与公共艺术的内在联系，结合“奥斯维辛集中营”“9. 11国家纪念馆”的有关情况，强调公共艺术教育的当代感受和体验，探讨公共艺术创作中的“去叙事化手段”，从而为当代高校公共艺术教育提供了一个教育上的参照点。
中央美术学院副教授孙璐结合近些年在金属铸造方面的研究，以最近在山西完成的公共艺术项目为案例进行了介绍。谈到了艺术家在与政府就艺术项目对接过程中出现的问题，与项目执行者、环境负责人以及批评家的关系，以及作品完成后观众的不同反应等方方面面的问题，并就当前的艺术项目操作与实施细则提出了不少建设性意见。
《雕塑》杂志社副主编徐永涛以“创新” “标杆”“示范平台”对本次活动予以较高评价；对公共艺术的定义、范围与功能意义做了一定探讨；针对当前我国高校中教学课程设置与培养方向，提出了对高校公共艺术发展思考的建议；结合当前国家对公共艺术学科划拨、文艺发展导向、南宁打造国际都市、东盟十国中心定位而发展文化软实力等方面，解读了公共艺术发展的特别机遇；并对关于广西艺术学院公共艺术未来活动方向，提出了可持续性、品牌性发展的建议。
广西艺术学院造型艺术学院院长黄月新认为，公共艺术离我们之间的距离并不远，公共艺术是指公众的艺术，而非私人的艺术；换言之，这种艺术需要包含公共的目的而非私人庭院或宅院，而是作为一个公共环境的存在，它为公众提供的是一个文化空间形态或艺术生成作品。过去的雕塑，壁画、景观艺术在公共艺术中一直扮演重要的角色，现在公共艺术全面进入公共生活，公共艺术的话题就不再局限于雕塑和壁画，人们更强调了对公共空间、公共权力、公共文化等多种层面的研究。
南京艺术学院代表设计学院公共艺术系主任季鹏以“实验性的公共艺术”为题，介绍了南京艺术学院设计学院在公共艺术教学与实践方面的成绩、计划，涉及南艺设计学院在实验性和学科交叉性的公共艺术探索与发展，同时汇报了一些经研究得出的相关实验性实践理念，同时展示了部分带有试验性质的优秀作品。
此外，广州美术学院陈克、江南大学设计学院周阿成、安徽工业大学艺术与设计学院宋益民、《美术观察》杂志陆军等与会嘉宾均作了发言。与会专家们在介绍了各自的公共艺术教学成绩与研究情况后，就当下城市公共文化与公共艺术教育、公共艺术创作等相关议题进行了对话与研讨。讨论过程中，大家集思广议，气氛活跃，表示要以实际行动为现代城市公共文化建设、高校公共艺术教育的健康发展共同努力，促进公共艺术研究领域在研究深度方面的拓展，对当下我国城市公共文化与公共艺术教育、公共艺术创作等相关议题，开展深入、细致、有效的研讨。此举将会引发社会和公众的关注，对公共艺术学科领域的改革发挥影响力，促进现代城市公共文化建设的健康发展。
五、艺术讲座指向性强
本次活动中，主办方特别邀请了德国艺术家塞巴斯蒂安・库恩和中山大学研究生导师冯原，推出了系列讲座活动，以互动与交流的方式，为本次论坛活动增添了活泼的元素。该学院公共艺术学科建设及公共艺术人才培养的质量与水平，有助于推动中国公共艺术实践与国际公共艺术研究领域的接轨，进而在合作与互动中共同进步。
其中，来自德国的知名艺术家塞巴斯蒂安-库恩，举办了名为《Parallax视差》的艺术讲座。他以丰富的案例与独到的思维理念，结合理论探讨与实际作品案例分析，为观众们带来了新颖的视觉效应与创作感受，他的报告受到该校师生们的热烈欢迎。
中山大学教授冯原的《山货与海味：世界性与地方性的当代变奏，以上海世博会的空间编码为例》讲座，以2010年上海世博会的空间编码为对象，演示了不同地域与文化形态下人们的艺术观照与审美。冯原提出：如果从国家意识出发，人们会很自然地把自我的认知等同于国家或国家形象，并把国家之外的舞台等同于世界。而这种把某个国家的内部性等同于某个地方、并把一种外部的总体性等同于世界的想象性关系，有一个历史性的演进过程。上海世博会既展示了中国的新形象，也展示了这个世界的最新面貌。而这一展示性的结果，其实就蕴藏在上海世博会的空间格局之中。透过对上海世博会的空间格局的分析，对世博会的历史演变过程和上海世博会空间编码的对照式分析，将会为我们理解当代的国家形象定位具有启示性，揭开地方与世界、自我与他者之间的历史性关系，中国是如何在他者的影响和对照下定位自我，以及清楚地找到了支配这一历史定位的脉络。
六、艺术个案别致新颖
10月25日，在相思潮校区老宅开幕的“张宇――公共艺术作品暨文献展”，以“莲说”为主题，将鲜艳盛开的莲花植根于陶瓷大缸中，与周遭灰暗、陈旧而具有历史沧桑感的老宅形成鲜明的对比，展览形式极为新颖，可谓别开生面。这是张宇继中山市小榄镇永宁北村大街中山市177号民居场景展、在香港完成沙田“城市艺坊”项目之后的又一次现场展。他的一系列展示计划均以民居作为展览空间，打破了一贯在美术馆观看作品的传统规则。展览以府第、老宅为历史文脉遗存的标记，以古代特有的传统民居建筑文化审美观念和科举入仕等理想追求，与现代城市生活时尚作对比，展示岁月之沧桑变化。观众穿过具有后现代风格的“时间隧道”，亲身步入老宅，进而领略和感悟到传统文化的意蕴。本次文献展展示了张宇在教学实践过程中，同时完成的公共艺术作品，展出内容受到了专家学者们的一致好评，成为本次论坛活动的亮点之一。
在相思湖校区美术馆举行的“视界造境――张燕根公共艺术研究生教学10周年汇报展”，展示了造型艺术学院副院长张燕根十年来在研究生教学过程中的文献资料，包括教学示范创作及研究生作品。张燕根在公共艺术创作、理论和实践方面都进行了深入探索，对造型、空间、材质方面均有一定造诣，形成了独特的艺术面貌和成熟的教学体系。运用到教学中，帮助学生形成明确的公共艺术创作方面与理念，并获得了良好的教学效果。在他所展出的作品中，每个学生的艺术风格各不相同，都具有自己的特点和个性。展览以展板、实物、影像结合的方式，综合反映了张燕根的教学成果及水平，还原了他在研究生教育方面的教学面貌以及个人对艺术的追求、感悟，展览内容丰富感人。
七、活动意义重要，发展无限
本次论坛活动是南宁市拓展国际影响、加强国内艺术院校学科建设的举措之一，是高校公共艺术教学领域在传统教学体系结构调整过程中的一个突破。活动融文献展览、作品展示、专家座谈、专题演讲于一体，理论结合实践，对加强广西艺术学院公共艺术学科建设及提升质量与水平的公共艺术人才培养方面，起到学术带头作用，从而推动广西艺术学院与综合艺术院校间在很多领域的进一步合作，此论坛活动的成果将对广西艺术学院公共艺术学科发展带来长远的影响，同时也将为我国高校公共艺术教育起到一个标杆性的示范作用。
关键字：符号美学；卡西尔；继承与创新；艺术构建
卡西尔作为著名的哲学家和艺术学家以其所构建的符号美学论对世界艺术学的发展做出了突出的贡献，其在哲学上的深刻造诣使得他能够从哲学理论体系的角度去认知和思考美的产生过程以及美的本质。卡西尔认为艺术是人们为了调和文化冲突、实现文化交融所创造出来的有机的感性符号，并认为美是一种最直观的人类经验，而不是一种神秘的存在。此外，卡西尔还认为艺术作为展现美的重要媒介是具有独立人格的存在，是具有生命的，而不是阶级、伦理的附属物，是人人可以分享的普适性情感体验，这一观点对现代大众艺术的形成具有重要的指导意义。[1]本文通过对卡西尔符号美学理论的理解，并从卡西尔符号论中剖析艺术与美的符号本质，结合现代艺术理论的特点和发展方向探讨卡西尔符号美学论对现代艺术构建的指引和激励，最后结合卡西尔所提出的艺术具有生命的观点进行“自主论”语境下的艺术构建剖析，以求从文化整体性的角度来剖析卡西尔符号美学理论对现代艺术发展的指导意义。
一、卡西尔美学理论的继承与创新
卡西尔作为一名哲学家所提出的文化哲学理论是其后期研究的理论基础，符号论美学就是在这一哲学基础之上建立起来的。卡西尔在《人论》一书中通过各种碎片化的文化符号来揭示人的定义，将人类的语言、科学、宗教、艺术等归结于人类符号活动的产物，[2]指出文化是通过人类活动创造形成而不是从自然中直接获取的。卡西尔美学理论继承了其文化哲学理论中的文化符号说。卡西尔文化哲学论主要包含了语言论、神话宗教论、科学论、艺术论、历史论等几个方面：卡西尔语言论通过对经典理论的剖析提出关于语言起源的推断，并强调对语言发展规律的科学把握和未知语言的探究，增强了语言符号研究的普适性；神话宗教论最大的创新就是提出了关于神话纯粹虚幻性的反对意见，认为神话与宗教密不可分，并新颖地提出宗教的内涵不是强制和约束，而是先进人类思想的集中，并在这个创造过程中形成了丰富多彩的符号文化；艺术论中指出“艺术”是人们为了调和文化冲突、实现文化交融所创造出来的有机的感性符号，并认为美是一种最直观的人类经验，而不是一种神秘的存在。这一观点从侧面否定了已被广泛认可的“亚里士多德艺术摹仿论”，认为艺术不仅仅是为了描写物质空间中的事物，也不是单纯地为了表现创作者的情感和意志，而是通过物质与情感的结合，寓意于象，通过直观形式来营造物质空间中的美学世界，表明艺术的本质是象征与符号的统一，是美学层面的现实事物再解释。卡西尔文化哲学中的这种艺术观正是符号美学论形成的理论基础；卡西尔文化哲学中的历史论从研究对象、研究方法等方面提出了打破常规的新观点，创造性地认为历史事实是具有功能论意义的，而不是传统理论中的本体论意义和认识论意义，认为历史是蕴含在客观事物中并包含历史信息的符号，强调历史并不是被记忆的，而是通过各种符号重建，实现再生，并为人所熟知。此外，卡西尔在继承历史客观性理论的基础上提出历史的“客观拟人性”；卡西尔文化哲学中将科学符号看作人类文化最高成就的标志，并认为科学是对事物发展秩序的的追求而不是对事物表面相似性的追求，科学的产生和发展都遵循着某种原则。在此基础上，卡西尔认为科学的发展并不是创造新事物的过程，而是创造新符号的过程，这种新的符号只不过能够描述更高层次或者具有更丰富的含义。卡西尔美学理论就是通过对经典美学理论的深入分析，结合极具创新性的哲学理论和符号学知识而创造出的符号文化体系，从新的角度解释了美学的存在价值和意义，思维新颖且具有历史突破性。
二、从卡西尔符号论看艺术与美的符号本质
康德作为西方美学理论史上具有承上启下意义的关键人物，对美学理论的发展做出了突出的贡献，以审美判断力作为理论核心，并认为审美判断是艺术家与受众之间的精神桥梁，更是自然和自由衔接的媒介。卡西尔继承了康德的美的自律性学说，强调艺术的人格特点和独立性，并通过艺术构型、艺术审美、空间中艺术符号与其他符号的融合等角度来剖析艺术与美的符号本质。卡西尔认为艺术是具有自由的、是独立的，每种艺术都具有自我创造的独特规律，且不受其他因素的控制和束缚，这一观点再次批判了亚里士多德关于艺术对自然的摹仿的说法。此外，卡西尔也反对艺术就是天马行空的创作一说，这两种绝对都是对艺术的狭隘认知，纯粹的摹仿和纯粹的创新并不是艺术产生的初衷，伟大的艺术作品往往是在这两个极端之间掌握着张弛有度的平衡，从而在极富艺术表现力的同时又不失情感表达。艺术之美必须以某种“符号”为媒介而得以展现，[3]比如绘画艺术需要色彩与线条，园林艺术需要建筑与花木，音乐艺术需要旋律与节奏等等，因此，艺术是以物理符号的形式在现实世界中为人们构造出审美体验和艺术空间。研究对象或艺术符号的完整性是卡西尔美学理论的显著特点，强调对象的动态性和功能性，拒绝静态的研究艺术符号，认为只有在有机的动态空间中才能更好地发现和理解符号的情感与美，然后通过创造性的思维解放和开放性的情感抒发实现符号的艺术性升华，从而获得独特的情感表达和审美体验。总的来说，卡西尔理论认为艺术是发现客观形式、创造性构建形态、发散性超越现实的过程。艺术与美的符号本质还体现在艺术作品的典型特征上，比如艺术作品的普遍可传达性，不同的受众都可以从艺术家的作品中形成自己特有的情感重构，从而获得对艺术的审美体验；艺术形式的多样性和审美体验的丰富多彩构成了艺术符号的丰富性特征，卡西尔认为审美体验是比日常感官体验复杂得多的过程，存在着千变万化的结果和无限的可能性，这就是艺术最大的魅力所在；艺术的存在依附于客观的载体，通过对形式的升华实现艺术的情感表达，就奠定了艺术符号的真实性。俗话说艺术源于生活，正是艺术真实性的体现；艺术是一种区别于日常情感交流的独特审美体验，虽然也是一种情感体验，但这种情感体验是历史重现与情感重构过程中的自我情感升华，而不是直接的情感交互，这种差异性体现出了艺术符号的特殊性。艺术审美必定与艺术作品的历史、文化、价值等相结合，因此艺术符号与其他文化符号、物质符号是密不可分的，交织在一起的。
三、卡西尔符号美学理论对艺术构建的指引与激励
卡西尔在充分总结先辈成果的基础之上，科学地创立了独树一帜的符号美学理论，开创了美学研究的新篇章，为西方美学发展开辟了新的方向，为美学研究和艺术构建指引了方向。[4]首先，卡西尔符号美学理论指出艺术是一种符号化的现实形式，但并不是空洞的形式化存在，应该是能够为人们带来领略自然、感受生活的符号化体验。现代艺术家们在进行艺术创作时应当将艺术作为被赋予直觉和情感的形式，即艺术创作是情感客观化的动态过程。艺术家不能只被动地接受自然和单纯地记录、复制事物，而应该创造性地进行一定程度的思维解放和情感赋予，从而帮助人们发现隐藏于客观事物外表之下的自然情感，使之具有情感内涵或文化意义。但是，也不能矫枉过正，让情感主导形式，应该用形式的量来控制情感的度；其次，卡西尔符号美学理论对于艺术真实性的认知能够帮助艺术家们提升对艺术的理解，使得他们在创作的过程中能够更好地把握住艺术的精髓。卡西尔符号美学理论指出，艺术作品的真实性是纯形式上的真实性。因为他认为通过现象看本质并抽象出一般规律是科学的任务，艺术应注重通过多样化的形式的构造来表达实在美的体验。因此，艺术的真实性应该是审美的真实性，而不是功能和效用的真实性；第三，卡西尔符号美学理论对艺术审美本质的论述明确了为艺术构建的目的和方向。任何艺术审美过程的第一步就是对艺术载体的客观欣赏，通过对客观艺术形式的美学构造和情感综合从而都找出完整的审美体验。何为美？就是一种感官上的愉悦，美感就是对这种愉悦的敏感和体验。卡西尔还强调审美的动态性，艺术家通过情感的形式化，帮助受众从事物本质向形式本质过渡，这就进一步体现出艺术构型的重要性，艺术构型的成功与否决定着艺术作品是否能被人接受，是否能引起共鸣。因此，卡西尔认为，艺术作品要想取得成功，必须借助色彩、线条、旋律、节奏等艺术符号来进行艺术构型，即艺术家要从内在情感和外在形式两个方面去塑造作品；最后，卡西尔美学理论对艺术功能性的阐述和艺术作品的社会责任指明了道路。卡西尔在其符号美学理论中指出，艺术审美既不是单纯地为了，也不是与生活脱节为了艺术而艺术，更不是毫无责任感的情感宣泄，除了构建丰富多彩的现实世界，更要具有文化传播功能和社会教育功能。艺术不能是空洞的形式存在，应该在自然空间中承担着特定的使命。卡西尔在哲学史和美学史上的贡献是十分显著的，其对现有艺术理论的批判对西方美学的发展有着划时代的意义，其作品也受到了全球范围的追捧，并激励了许多优秀的学者参与到符号美学的研究中来，为符号美学的发展奠定了坚实的基础。
四“自主论”语境下的艺术构建剖析
卡西尔符号美学理论中强调艺术作品的自主性，人为艺术是一种具有“生命”的事物，强调艺术品不是单纯的物质复制与仿造，而是富于活力的动态生命存在。并将人的日常生命活动定义为借助各种符号所进行的辩证的文化活动，同时在内在情感世界也存在着辩证的交流活动，而艺术作品的构建同时受到这两种活动的约束，从而同人类一样具有自主的“生命内涵”。因此，艺术构建的本质应该是一种自主性生命活动。文化形式实质上是人类意志和精神的表达媒介，各种精神和意志的表达一部分通过外在形式实现，一部分通过内在思想交流实现，共同构成客观世界的文化传播过程。这个过程存在于客观生命世界和虚拟精神世界的交界处，作为一种特殊媒介实现客观世界和精神世界的交流，因此生命是现实世界中的辩证文化活动。生命在活动空间中不是沉默寡言，也不是喃喃自语，而是同其他生命体进行着沟通，这种沟通既有现实可获取的语言交流，也有精神层面的心灵对话。[5]不同的符号之间由于这种沟通的存在而形成有机的生命共同体，从而构成动态的生命空间体系。在进行“艺术生命体”构建的过程中自主性不能作为肆意妄为的借口，进行自主创作的前提是“自律”，即懂得使用空间中具有普适性的法律来进行主动的自我约束，在理性自律的前提下就能获得精神和物质上的“自由”，从而就可以充分发挥艺术作品独立自主的“艺术人格”魅力。归根结底，艺术的外在形式是艺术家的内在心理特征所衍生出来的和规律性的物质样式，艺术家们在日常生活中形成的潜移默化被约束意识形成了艺术创作过程中的先验性自我约束倾向，这一观点进一步证明艺术构建过程同时受到外界物质空间和内在精神世界的双重约束，而这种内在的“自律”和外在的约束共同构成了艺术构建的自由空间；艺术之所以为艺术，必然有其具有艺术性的特征。艺术构建的过程中虽然受到内外因素的制约，但在作品的艺术性上却有着空前的“自由”，艺术家通过外在形式的组合、变换赋予作品文化内涵和精神诉求，以展现其所要传达的精神实质，在此基础上可进行艺术性的大胆创新。自律、自主、自由都是相对的，同时也是相辅相成、互相制约的，共同为艺术的构建设定合理的“空间”。艺术符号作为艺术构建的基本单元，在选择上具有较大的自主性，但不合规律性的符号搭配往往不能被大众所接受，最终可能造成曲高和寡的尴尬境遇，创新虽然是艺术发展的原动力，但一味求新却忽视审美与美的衔接，必然造成艺术作品构建的失败。因此，在合规律性的前提下，充分研究艺术作品的价值诉求和文化内涵，掌握好物质形式与抽象美之间的度，方能构建出张弛有度、情感丰富的艺术作品。就美术而言，画家和经验丰富的画匠在绘画技法上其实没有太大的区别。画匠的大部分工作是临摹，他可以临摹出相似度高达99%的名家作品，但他却创作不出价值连城的艺术作品。而画家所进行的是艺术的创作，将不同的艺术手法、情感寄托、文化底蕴等糅合到一起，通过各方面的细微变化构造出不同的艺术形态，从而创作出具有“生命”的“活的”艺术作品，会“说话”的艺术作品，通过画作打开观众与艺术家之间的精神窗口，实现精神层面的情感共鸣。艺术作品的唯一性是艺术作品之所以珍贵的重要原因，即使是同一画家的两幅相同画作，因创作的宏观环境、微观情绪等不同所表现出来的艺术性和情感也不同。因此，艺术构建是艺术符号的自主选择与糅合的过程，是艺术家合规律性的自由创作。
参考文献：
[1]谭莉.论苏珊•朗格的符号论艺术哲学思想[D].济南:山东大学,2007:36.
[2][德]卡西尔.人论[M].甘阳译,上海:译文出版,2004:43.
[3]原凌雪.符号论视域下的艺术与美——卡西尔符号论美学思想探析[D].济南:山东师范大学,2009:15.
[4]王志德.苏珊•朗格美学思想与卡西尔文化哲学整体观之理论渊源[J].艺术百家,2013(6).
一、?h境艺术设计专业中开设雕塑课程的必要性
环境艺术设计是指对于建筑室内外的空间环境，通过艺术设计的方式进行整合设计的一门实用艺术。环境艺术所涉及的学科很广泛，包括建筑学、城市规划学、人类工程学、环境心理学、设计美学、社会学、文学、史学、考古学、宗教学、环境生态学、环境行为学等学科。
而雕塑不仅与人类社会发展有着直接的联系，也与人类生活及生存有着直接的联系，能够折射出人们的生活形态、社会现状及发展趋势。总之一件优秀的雕塑艺术品在特定的空间环境中不但能给人们带来视觉上的享受，也能很好的启发人们对哲学、历史、文学及社会现状等方面的认知，从而影响并提高人们的文化修养，促进文化发展。所以雕塑与国画、油画、壁画、装置等息息相关，同样被纳入艺术学科，并在美术教学中占据重要位置，使雕塑教学在环境艺术设计专业中的实践成为了一种必然趋势。
近年来我国不管在经济方面，还是城市化建设方面都得到了跨越式的发展，使教育事业得到进步，相应是教学机构也得到完善，人们对文化水平提高的重视度越来越高，已经不仅仅只重视基本的文化素养的提高，还不断通过教学来提高艺术文化素养，从而促进城市建设发展水平，最终提高公众的文化素养和审美要求。雕塑作为一种具有影响力的艺术文化形式，得到大众的重视和关注，将雕塑教学融入到艺术设计教学是必然的，实践于环境艺术设计更是重中之重，使雕塑艺术发展成为一种必然趋势。
二、环境艺术设计专业中雕塑教学功能的应用
（一）雕塑教学锻炼学生空间思维能力功能在环境艺术设计专业中的应用
空间思维能力是环境艺术设计中很重要一种设计能力，培养空间思维能力直接关系着环境艺术设计教学效果，也关系到该专业学生及其他相关人士的环境艺术设计品质，所以一直以来是环境艺术设计专业老师及学生的重要教学内容之一。在传统环境艺术设计教学中很多老师的授课教学相对偏向于理论，虽然在很大程度上提高了学生的理论知识和鉴赏水平，但对于学生的设计方法、空间思维能力并没有起到较好的培养效果，不能满足当下对高综合能力、高空间思维能力及高创新能力人才的需求。而雕塑教学课程的开设能够锻炼学生的造型能力和设计扩散性思维，最终培养和提高学生的环境艺术设计空间思维能力。
（二）雕塑教学学生潜能挖掘功能在环境艺术设计专业中的应用
环境艺术设计专业进行雕塑教学时，雕塑能够很直观的展现出艺术空间形态之美，从而激发学生对环境艺术设计的想象力，通过雕塑联想到环境艺术设计中的多种立体空间造型，如空间界面（室内外墙柱面、地面、顶棚、门窗等）的造型设计，还能够挖掘出学生的形态、色彩、自然光、人工照明、家具、饰物等设计潜能，使建筑物室内外空间环境呈现出独有的空间氛围及艺术设计风格，以满足人们功能使用和视觉审美需要的同时，充分发挥出城市美化的作用。
三、环境艺术设计中雕塑教学实践分析
（一）加强雕塑在环境空间设计中理论与技法教学力度
众所周知，雕塑课程本身具有很强的实践性及创新性，其中不仅有动手能力培养，还包括了造型能力及设计能力培养，因此在环境艺术设计专业教学中要同时结合雕塑理论和技法教学，以拓展学生设计理论基础知识水平的同时，提高学生空间思维能力，最终培养学生环境艺术设计应用能力。具体措施如下：
第一，增加雕塑实践性课程和雕塑实践课时，让学生在实际空间中进行雕塑设计与制作实践，并在此过程中鼓励学生开拓视野和提高创新意识，以培养学生环境艺术设计的思维能力；第二，老师要加强对学生的雕塑技法训练，从而为环境艺术设计奠定良好的应用技法及空间造型基础；第三，老师可以利用多媒体技术中的图像、文字及视频等功能，将重要的雕塑理论知识、雕塑案例及环境艺术设计专业知识技能教学相结合，以具体形象的方式展现给学生，以激发学生兴趣的同时，让学生了解到雕塑与环境艺术的密切关系，使学生在雕塑学习过程中锻炼自己的环境艺术设计空间思维能力。
（二）执行实训-理论-实训教学方案
第一，老师要在课前掌握学生在现实生活当中对雕塑在环境空间关系的了解程度，然后选择最具有针对性的雕塑教学内容作为实践课程教学的题材，并结合环境艺术设计实践课题项目进行教学；第二，将课题实训与理论教学模式相结合，增强学生对环境雕塑艺术设计的具体应用能力；第三，提高学生的学习积极性，可以以课程汇报展览的方式，展览自己完成有趣的雕塑作品。
（三）在“交流”中学习、总结
第一，可以邀请相关的雕塑家、公共艺术家、环境设计师等进行讲座式的教学和学术上的交流，以提高自己的专业水平；第二，环境艺术设计包括环境景观、雕塑、建筑、公共艺术设计等方面内容，在教学过程中，要注重和其他学科交叉式的教学，能达到更好的教学效果。
（1）北京大山子地区798工厂在中国LOFT空间正在迅速发展中，我们北京的798艺术中心是比较典型的，这里聚集了一批文化创意产业的人，艺术家把艺术品直接放置在LOFT里面。LOFT的空间提供了一个很随意，休闲，最大限度地激发想象的空间，所以最好的空间实际上是文化创意产业从业人员的创意能够迅速激发出来，最快的诞生。廉的租金，把一些厂房租下作为工作室或展示空间。在“798”艺术家们就像滚雪球一样越聚越多。典型的现代主义包豪斯风格的工厂，整个区域规划有序，建筑风格独特，许多艺术家前来工作和生活，慢慢今天的798艺术区就形成了。出版社、艺术画廊、雕塑家、当代艺术家纷纷进入北京大山子地区798工厂，出现出版、设计、演出、艺术家工作室、展示等文化行业，同时时装、精品家居、餐饮、酒吧等服务性行业也聚集于此。在不知不觉中，中国顶尖的当代艺术与文化正凝聚于北京大山子地区“798”空间。工厂，画廊，工业生产，艺术创作，秩序规范，率性随意———这就是今天的798。
（2）昆明“创库”昆明创库又称上河车间，原来为昆明机模厂生产车间，坐落于云南省昆明市西坝路101号，空置后建立了20多个艺术家的工作室和展览、休闲、餐饮空间，成了非常有特色的昆明艺术家标志性的建筑。昆明创库是由空置厂房改建的艺术主题社区，在社区内广告人、艺术家、商人、策展人、学生、工人、艺术爱好者……各取所需。在这里不仅可以购买大众艺术品，还有更附传统性的艺术品、民间技艺和实验性当代艺术、戏剧、电影、舞蹈、音乐、演讲等演示和交流。展示当代实验艺术在这个由艺术家开辟的上河车间已经成为越来越重要的一项活动。西方文化与传统文化的交织融汇、现代艺术与传统艺术的冲突与交融、时尚休闲的消费空间与简洁实用的创作空间交织汇聚，相互影响，形成了这一地区既有活力又富特色的社区。创库内的各种画廊、设计室、酒吧、文化传播公司等机构或企业，都因其各自不同的展运作模式和定位而互为补充。艺术家自觉地把自己变成公众艺术中心和公共生活的一部分，与当代城市生活的关系越来越紧密，还促使市民和企业开始关注艺术，激发当代艺术的活力，以提高其形象和完整性力度。
（3）重庆“坦克库”“坦克库•重庆当代艺术中心”，由四川美术学院购买一个废弃的军事仓库改建而成。这是一个公益性的艺术机构，既保留了城市发展的历史印记又对城市的未来发展提出了有益的可行性的探索，体现了文化与艺术、经济的发展关系。该艺术中心通过举办一系列学术论坛、艺术展览和交流项目吸纳艺术基金会的资助。艺术中心为创意专业人士、艺术家和艺术团体提供了一种新的理想的栖息地，对促进中国当代艺术的发展提供了一个新的模式，拓宽了公众对当代艺术的了解和沟通渠道,扩大了社会对当代艺术的理解,丰富了相关机构和私人收藏家的中国当代艺术资源,提供了非常多的信息和良好建议，促进艺术和文化的健康发展。
我们过去的对空置工业建筑的改造往往是大修大补,甚至直接被“夷为平地”或局限于纯粹的外观建筑的改造。拆除和重建都浪费很多资源,而且破坏了历史和文化底蕴。空置空间可以通过室内设计艺术的方法“变废为宝”，原来的自由空间只需要些微的调整来适应新的功能需要的同时，又能保持原来的历史和文化。通过对比国内外空置工业建筑再利用的系统的理论和成功经验的实践差异找到目前我国在这一领域的距离和不足以及值得我们借鉴和注意事项。分析空置工业建筑改造和再利用的发展与我国经济、政治、文化和社会阶层等各方面之间的相互作用，试图找到一些适合中国国情,探索可持续发展空置工业建筑的可能性和有效性的应用和发展的过程。空置工业建筑使用价值、历史价值和景观价值其研究有着重要的意义。此外，尽管国外许多空置工业建筑改造的成功案例,可以成为我国空置工业建筑改造和再利用的参考,但毕竟国内外人文环境、时代背景和所有的细节都不同。研究的方向不仅要考虑建筑具有历史意义还要注意到它正在形成于一个新的文化环境中,城市文化发展也是有重要意义的文化产业。
由于艺术类教学的特点，并非只有教室才是教学的唯一选择，宽大的走廊、开阔的中庭、教学楼旁的草坪、走廊、平台、大厅也是实际功能意义的空间，都是可以供学生讨论、学习和交流的空间。具体来说，首先要有一个较大的交流空间，这个也是整个艺术楼的中心汇合处，这个空间较大，可安排咖啡厅、座椅、电话、书刊、布告栏等简单交流设施。其次，可在同层或不同层人们经常碰面的地点设立讨论区，如楼梯口可给予学生停留、交谈、娱乐相对独立的空间，可摆放一些桌椅；最后，走廊也是休息与交流的好地方，在不影响走廊宽度的情况下，可以安排一些长椅、展览框，或者自动售卖机，供来往学生休息、观赏和使用。这样，在不增加面积或减少面积的情况下给学生提供了交流的空间。此外，通过绿色植物的绿化、艺术作品或座椅的摆放作为隔断，将交流空间进行划分，这样增加交流区域的节奏感，形成开放和半开放、单独和群体、动态和静态的空间节奏感，更有利于学生交流，也增加学生的审美情趣。从整体上，通过节奏、排序、光线、渗透及层次划分，避免单调，形成变化效果，从而增强艺术感染力。
2.以人为本，鼓励交流
我们可以联想到西南联合大学，之所以在那个时代创造出令人羡慕的成绩，除了令人津津乐道的大师云集、自由之学风等，还有被人忽视的一点——因为身处暂时简陋的校舍条件，恰恰创造了一个自由、平等、密集的交流环境。学生过的是集体生活，和老师共处一个院落，“住也在那里，上课也在那里”。处在同一空间中的师生就会产生社会往，相互照面并体验到他人的生活感受，由此因灵感和激情的碰撞而共同创造出一个愉快、积极的交往空间。因此，未来艺术类高教空间，应该以人为本，以促进师生间的交流为主线，营造更多的公共空间；应该打破以往的、原有的以老师为中心的静态、单调的教学布局模式，更多地放入互动的教学布局模式。建筑大师约翰•波特曼对公共空间的成功运用给我们的艺术类高教空间设计以启迪，他在建筑理论上提出“建筑是为人而不是为物”的设计指导思想，值得深思，使我们在未来的艺术类高教空间设计中的考虑要更多地从人出发，建立更多的鼓励交流的公共空间。比如，在课堂空间布局设计中应多考虑师生互动和学生间分组讨论等，使之成为适合师生进行各种交流的场所。课余活动聚会、联谊交流等可从一个空间向另一个空间延伸。所以，现代教学空间应该把聚会、展览、展示、课程设计、交流融为一体，从而形成一个共享的空间。设计大小不同的空间，私密和半私密的空间，自修和讨论的空间，教学和休息的空间等。而采用完全开放式的结构，将艺术展馆融入到教学设施中来，改变目前艺术展馆和教学楼相分离的局面，也不失为以人为本，鼓励交流的创举。
3.注重艺术类高教空间设计的效用和可变性
作为教学的组成部分，艺术类高教空间最终还是要落实到其功用性中来，而不是仅将其视作增加教学设施的审美格调。首先要满足教学空间的需要，立足艺术类高教的特点，更大程度上满足讨论式学习、自主性学习、实践性学习对空间的要求；其次要满足展示的需要，比如与城市建设衔接，建立公益性文化展示平台、艺术场馆等。最后，要满足学习、交流的需要，如设立小型艺术类图书馆，提供阅读空间，引进商业化的咖啡吧，提供交流讨论区。另一方面，也要考虑到艺术类高教空间设计的可变性。建筑的使用年限动辄几十年，但对建筑的使用却常随时代而变，教学楼的设计应以“可变功能”的概念代替“固定功能”概念，使建筑最大程度上接近其最高使用价值。在现代整体式教学楼中，艺术类高等教育空间的灵活性问题尤为重要，未来艺术类专业学科不断变化，艺术类高等教育空间应具有灵活性、通用性，如减少隔墙、扩大空间，以适应学科间的不断调整、发展、更新等方面的要求。如中国美术学院象山校区，就是在以群楼的方式来适应未来多学科的分院独立教学管理方式。
4.注重艺术类高教空间设计的人文精神传达
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