关键词 即兴伴奏 表演 思考 创新 实践
中图分类号：J624.1 文献标识码：A
钢琴即兴伴奏是一门实践与创新相结合的表演艺术，作为一门新兴并独立的学科课程，它不仅有丰富的音乐内涵，更是各种演唱和演奏的合作伙伴，它能提高演奏者的音乐修养和演奏水平，同时也有益于提高演唱者的乐感，它的魅力在于与他人合作过程中的独特魅力。它是中学音乐教师必备的基本能力之一，高师院校音乐学院担负着培养中小学音乐教师的任务，随着音乐教育改革的深入，全国各高师院校都把如何将理论与实践相结合起来以提高学生的综合能力作为课程改革的重点。根据自己多年以来的钢琴学习以及声乐钢琴伴奏的实际经验，对目前钢琴即兴伴奏课程的教学现状作一个简单的分析和总结，目的是为了能给更多的教师和学生更好的方法和途径，从而使钢琴即兴伴奏教学更好的开展。
1明确钢琴即兴伴奏课程在高师钢琴教学中的重要地位
专业音乐院校钢琴专业主要以培养钢琴表演人才为主要教学目的，对学生弹奏和表演的能力都有很高要求，相比之下，高师院校音乐学院教育专业主要旨在培养未来的中小学音乐教师以掌握一定的弹奏技巧为基础，更多的则是对歌曲的即兴编配能力和熟练的运用钢琴从而更好地从事音乐教育工作。
即兴伴奏教学不但能协助学生掌握良好的钢琴技术和丰富的理论知识，还能进一步神话伴奏对音乐作品的理解。只有全面领略的音乐作品的内涵，才能丰富自身的艺术修养。对于肩负着中小学音乐教学的使命的高师音乐学院学生来说，全面掌握即兴伴奏这门课的知识和技巧，具有举足轻重的作用。
2钢琴即兴伴奏的学习中应注意的问题
只有掌握了一定的钢琴弹奏技巧，通过一段时间的专门训练后，才可以掌握一定的即兴伴奏本领。
即兴伴奏所必须掌握的条件之一就是钢琴技巧，当然，这需要区分钢琴弹奏技巧与钢琴伴奏技巧之间的本质区别。前者是以体现乐谱内容为主的技法练习，而后者则是以自身创新性的伴奏完成。
在即兴伴奏的同时要注意提高自己的审美与创新意识。因为钢琴即兴伴奏没有绝对的标准，作为未来的人民教师，高师音乐学院学生应该需求更好的音响伴奏效果而不是一味地追求钢琴的技巧技法。即兴伴奏学习需要勤学苦练，即兴伴奏的练习与掌握贵在长期持之以恒的坚持下去。
3钢琴即兴伴奏教学应重视的几个问题
3.1钢琴即兴伴奏应该和钢琴基础教学训练同步进行
首先应该区分高师音乐学院和专业音乐学院的本质区别，专业音乐学院旨在培养钢琴演奏人才，学生大多都拥有良好扎实的基本功。而高师音乐学院音乐教育专业的学生一部分在入学前没有接触过钢琴学习，如果短时间内让他们掌握一定的钢琴技巧，着实有些困难。因此，在即兴伴奏的教学中，除了教授学生练习曲和乐曲之外，还应该加强各种音阶、琶音、和弦的训练，从而巩固学生钢琴基本弹奏能力。
3.2谨慎仔细的选择伴奏音型
钢琴即兴伴奏的终极目的是让学生在短时间内对声（器）乐曲的快速反应能力。所以，在钢琴即兴伴奏的教学中，首先应该让学生了解各种伴奏音型的运用，然后熟练掌握不同题材及不同风格的歌曲的音乐语言。任何一种音型都能弹奏出不同的音乐形象，每一种旋律都可以选取不同的伴奏音型，这就需要我们要有灵活的创新性的思维方式，运用多种方法来完成伴奏音型的配置。
3.3根据不同的曲目需要来编配伴奏
比如在一般的课堂教学或者群众合唱时进行伴奏，应考虑用可以使歌唱者快速熟记歌曲旋律、节拍的伴奏形式，伴奏织体多以节奏鲜明，手法简单的音型为主。如果为独唱、独奏伴奏，就可以适当地多运用一些丰富的和声、织体的音型。总之，视伴奏曲目情况而定。
3.4加强钢琴即兴伴奏的实践性
即兴伴奏的最终目的是培养学生对不同曲目的快速应变能力，这种能力也只有在实践中才能提高和完善。所以在教学中教师可以鼓励学生大胆尝试，用创造性的思维为歌曲或乐曲伴奏，这样不仅可以让学生把平常所学的理论知识运用到实践当中，还可以增加他们上台锻炼的机会，更好地培养学生良好的心理素质和应变能力。
钢琴即兴伴奏作为高师音乐学院学生的一项必不可少的技能，在教学实践中已经越来越明显的体现它的特色与价值。在今后的学习中，值得我们不断地去探索与研究。
参考文献
关键词：民族乐器；艺术；民乐
中图分类号：J632.21 文献标识码：A 文章编号：1006-4117（2012）03-0321-01
二胡确实是我国最主要的、最具表现力的乐器之一。历史进入了20世纪20、30年代，在我们民族音乐历史上一位天才大师刘天华的出现，把二胡艺术一下子提升到空前的地位与品格，使它成为我们所有民族乐器中的佼佼者。刘大师驾驭以来，他的十首二胡名曲，自诞生以来的八、九十年中，是每一个学胡的人（不管是院校科班或者自学）必修之课。但真正能深刻理解与领悟刘氏作品的内涵与精髓，并能较完美地加以演绎表达，尤其是对刘氏作品诞生的历史背景、创作意向、艺术手法等作深入了解与把握，然后再去演奏，这样的人往往为数不多。
新中国成立以后二胡演奏的发展趋势来看，演奏技术确实日新月异。用突飞猛进四个字来形容一点也不为过！但是，演奏技术是一回事，对音乐的理解与对音乐内涵的演绎则又是另一回事了。特别是近三十年来，似乎越来越向着一味追求与提高技术的方向倾斜，自然这些也是由各种考级、比赛等方面因素所至。但问题是，技巧的提高是否与整体演奏作品理念结合在一起，实在是很难说的了。唯技巧而技巧，纯粹是为了技巧而练习的现象非常普遍。音准在二胡的演奏中起着非常重要的作用。一个二胡演奏者，掌握音准是至关重要的。那么，业余自学二胡的朋友在无人指点的情况下，如何才能过好音准关呢？
一、要培养自己敏锐的、能够辨别各种音程、音高感觉的“音乐耳朵”。为此，必需加强视唱练耳的训练，提高辨音的能力，多接触一些固定音高的乐器（如钢琴、手风琴、扬琴等）来配合训练。平时多听音乐。
二、习奏前要认真校对好内外弦的音准。在校音时，音量放开，拉全弓，使弦、琴码、琴皮通过琴筒的共鸣，发出合乎二胡音响规则的振动频率。不可轻浮、急躁、碎弓式地无规则地校音（当然舞台上例外。但也要迅速、巧妙地运用自然泛音或内外弦的同音来校对）。音校准后，左手应弹性地压压琴弦（尤其是刚换的新弦），以防止演奏中途再跑弦。切忌患“恐惧症”一边演奏一边担心音不准。这样既影响演奏情绪，也会造成耳朵对音的错觉。
三、加强各调练习曲的训练。有的自学者只重视D调（1——5弦）练习曲的练习，一旦转其它的调音准就成问题了。因此，要加强各种调的音阶、琶音、换把等练习曲的训练，使习惯于半音的中指与无名指，锻炼成既能按准半音又能按准全音；从有意识的练习，到无意识的自然演奏。
四、乐曲和练习曲的训练，按自己的实际情况，做好时间上的分配。譬如，当精力充沛，有饱满的练琴情绪，同时又有解决某乐段因技巧而引起音不准现象的信心，这时就可用大部分的时间来训练它。反之，情绪不佳，或者练琴时间过长已感疲劳，就不能单纯为了音准去训练较枯燥的某乐段。
五、双手配合对掌握音准具有重要意义。左右两手是个统一体，两者在训练和掌握音准时应互为作用。如果只注重左手训练，偏废右手的弓法训练，忽略双手配合，也会导致音不准。
六、对快速难度较大的乐段，要采取各个击破的慢练手法。慢练，是为了更好地拉准每个音符，并逐步达到原速度要求的极好的训练方法。但慢练，绝非是漫不经心地拉，而是由开始的“慢”到最后的“快”，有目的的过渡练习法。有的自学者，为使别人不易察觉，音不准的地方，便盲目加快速度。这种从思想上降低对音准的要求，对二胡演奏极为有害。
七、自学者有条件的话，要尽可能多参加一些集体性练乐活动，如重奏、齐奏、合奏，给歌唱演员伴奏等。这样能加强乐感，丰富音乐想象力，增强对音乐的立体感，对训练和掌握音准极有好处。
八、每当演奏到高八位和缓慢的地方，要将心胸气息适当上提。心胸气息，是指习奏者的呼吸系统的功能作用。将心胸气息适当上体，并保持其稳固性，对发音准确具有一定的把握性。
九、自学者不要遇到高八位和较难的乐段或初次登台演奏，心里就紧张害怕。这样会使肌肉僵硬，阻碍各关节的协调运动，平时能拉准的音，此刻都会因紧张而毛病百出。
KEF X300A
X300A是KEF近期推出的一款精巧的桌面级Hi-Fi音箱，它的体积小巧，造型简洁，气质上和Mac颇有些搭配。值得一提的是，X300A也搭载了KEF著名的Uni-Q同轴技术，每个音箱均由两个有源功放驱动，尤其适合与电脑以及各种手持设备连接播放。在KEF众多重大创新之中，Uni-Q点声源同轴共点单元显然是其中的至上杰作，其非凡出众的清晰音效与离轴扩散性能开创了扬声器技术的新纪元。经历20余年的不懈创新和持续发展，Uni-Q 同轴共点单元在各方面的音质表现有目共睹。音响效果逼真自然，仿佛将表演现场全然呈现在听众的面前。无论端坐房间中央还是蜷身室中一隅，都能领略真切动人的录音旋律。Uni-Q 令这一切成为现实的奥秘就在于，与传统扬声器截然不同，Uni-Q 将塑造聆听体验的关键声音集中于空间中的同一源点，并由该点均匀有致、源源不断地放送整个音域的声音。
X300A每个扬声器内置两个AB类放大器，一个专门处理高频（HF）信号，另一个负责处理中频和低频（MF/LF）信号。而高性能环形变压器则抑制噪声和电磁干扰。X300A使用96kHz/24位输入和数字扬声器之间连接，可保留从输入源到输出端的每一个字节信息而不丢失信号而造成失真。为避免电脑、智能手机或MP3播放器内部的数字转换器产生的信号抖动，X300A使用独特的高品质数模转换器（DAC），所有这些成就了声音表现的精准质素。
B&W MM-1
B&W具有悠久的音响制造研发历史，在Hi-Fi界可谓大名鼎鼎，即便是为电脑匹配的音箱，也如此不同凡响。与本文中的其他几款造型较为传统的音箱相比，B&W MM-1的造型简约且更为时尚。MM-1的接口全部隐藏在箱体底部，其内置音频声卡，直接通过USB接口连接电脑即可使用，非常方便。声音效果表现出众，三频均衡，低频味道浓郁，适合聆听多种风格的音乐。为操控方便，还提供了便携遥控器，方便人们日常操控音箱音量，以及曲目选择等。为了获得高保真音效，MM-1采用了两个驱动器，一个专门处理低频音和中频音，另一个专门处理高频音。作为一款典型的近场扬声器，B&W的工程师对MM-1 做了些电子功能方面的调整，确保最佳收听点就落在听众所在的位置——离电脑屏幕的距离不到一米。
在MM-1身上还融入了B&W的高端技术，如将高音扬声器与管背设计结合，诞生了有名的鹦鹉螺 （Nautilus） 扬声器，它能抑制共鸣，产生更纯的高频音。这一技术也同样运用于B&W为专业录音室提供的音箱中。
ADAM Artist3
在广州音响展和上海SIAV音响展上，ADAM Artist3都留给我了我非常深刻的印象，这款来自德国的小型桌面Hi-Fi扬声器不仅造型优雅，更拥有令人难忘的音色。Artist3是目前为止ADAM Audio尺寸最小的音箱，适合各种小空间，而音质要求高的环境。最新的高品质X-ART高音单元，是ADAM Audio特有的设计，振动空气的速度比以往常见单元快四倍。ARTist全系列产品都是用来X-ART高音单元。为了配合这个高音单元，ADAM还设计了更加复杂的低音单元、电子分频器以及精密的内置放大器。ARTist3具有不少于4种不同的输入接口：RCA、XLR、3.5mm小型立体声接口以及1个USB接口。有了这些接口，ARTist系列产品就可以连接到任何模拟或数字系统中。ARTist3的立体声链接可以根据连接方式的不同，通过两个音箱中的一个或者两个旋钮控制音箱音量的大小。这个功能重新定义了现在正流行的主从设置功能，每一个音箱都可以被设置为主音箱或者从属音箱。有了这个功能，系统调整就变得容易多了。你只需要将信号送到一只音箱，然后通过这只音箱连接到下一只音箱，系统就搭好了。ARTist 3使用了4.5英寸低频单元。这种低频单元所使用的碳纤维振膜，是一种质量很轻，但是非常坚韧的材质，可以提供纯净无染色的声音。此外，ARTist 3的每个单元都内置独立的25W功放。
YAMAHA HS-50M
众所周知，YAMAHA的NS-10M Studio几乎是专业录音棚的象征。大至世界级的录音棚、小到个人工作室，国内外几乎每一个专业的录音棚中，你都能见到它的身影。可以说，NS-10M是音箱中的一个不可思议的神话。话说上世纪80年代初期，书架音箱非常流行。各厂商都在推出自己的书架式音箱，于是这时YAMAHA也同样推出了一对叫做NS10的书架音箱。当时它就而是一款欣赏用的民用书架音箱，而并不是专门为录音师设计的。然而，这时有的录音师发现，NS10这对音箱有一个奇妙之处——只要在这对音箱上面把声音调好听了，放到任何的音箱上听都会有很好的效果！消息一传出，这款音箱立即脱销，音乐人纷纷开始购买这款价格极其便宜的音箱。这个消息被YAMAHA的工程师得知后，他们立即开始继续研究和生产改良的NS10音箱，并最终推出了NS-10M STUDIO这款专门为监听设计的音箱。
回到HS-50M，这款小巧的音箱同样继承了“白盆”的特征，采用了一只具有 NS10M经典设计风范的白色聚丙烯低音喇叭锥体和低衰减的橡胶环绕填充材料，并具有100%的电磁屏蔽功能。它的外壳采用了MDF材料层压而成，能够最大限度地降低共鸣效果。功率为70瓦的HS50M，配置了5英寸的低音单元和3/4英寸的圆顶高音单元，采用的是低音反射型箱体，能够为用户提供非常清晰的低频响应和非常平滑的超过20 kHz的高频响应。此外，还配置了平衡的XLR输入端口、1/4英寸的耳机插口、电平主控旋钮以及专门用来根据不同场合对低频、中频、高频等进行相应处理的“trim（修整）”开关等。
真力 8020A
[关键词]练习曲 声乐教学 作用 运用
声乐是一种特殊的语言表达方式，是由声音结合语言来表达人的思想感情，刻画艺术形象的一种综合艺术形式，是音乐与文学的完美结合。随着声乐的不断发展，声乐学习的普及率也越来越广，歌唱技巧也越来越成熟，这些都离不开发声练习曲的运用。练声曲（vocalise），即用一个或者多个元音演唱。无词的声乐练习曲或者音乐会 演唱的练声曲，它不只是训练学生掌握准确的音高和节奏的结构关系外，更十分重视培养学生歌唱的基木技能和音乐感觉。更高一级的专门声乐练习曲包含各种声乐技巧和演唱风格，能更加全面地拓展歌唱技能和歌唱综合知识。
一、练习曲在声乐教学中的作用
声乐练习曲是从各方面出发，遵循符合歌唱发声的训练规律来编写的，让学生在做发声练习的同时，发现调节声音的方法和歌唱的技巧，掌握从基础的发声状态转换为技巧性的歌唱状态再到艺术的歌唱，在声乐教学中有着举足轻重的作用。
1、使演唱基础更牢固、演唱方法更科学。著名声乐教育家金铁霖曾说：“要达到艺术性歌唱的嗓音技能发声训练通常要经历自然――不自然――新的自然三个阶段的变化发展”。这就说明歌唱发声技能必须经过专门的、科学的、系统的训练才能逐渐获得。在声乐教学过程中一个重要的步骤就是做歌唱前的发声练习，发声练习为歌唱的顺利进行做预热。专门的声乐练习曲具有很高的科学实用价值，如《孔空声乐练习曲》特别强调中声区的练习，在小字组的c音至小字一组的f音范围内来进行，依据中声区特点采用不同的调，练习曲强调音乐旋律的流畅性，自然平稳的气息运用，以及声音的连贯性。在中声区为歌者打下坚实的演唱基础，为演唱较高难度的作品做准备。《瓦卡伊实用声乐练习曲》是专门针对意大利语比较常见的基础发音技巧，并且用非常经典的诗歌来填词，做到实用性和趣味性相结合。《西贝尔36首初步练习曲》《派诺卡夫24首声乐练习曲》都是从发展学生的基础声区开始，选用小音程、平稳节奏的旋律关系来编写，可以锻炼歌唱生理机能，增强气息的控制能力，协调共鸣和音色的调控能力。
2、拓展学生的演唱技巧。人们常把学习声乐比喻为盖高楼，发声基础练习就是高楼的地基，歌唱的技巧运用相当于给楼房装饰不同的风格。在实际的声乐教学过程中，容易出现只注重单方面的技术练习，忽视整体协调的综合训练。只用一些简单的音阶模进的初级练习曲来训练，这种练习曲往往是技术含量很低，而且缺乏完整的乐思，造成学生的演唱水平提高缓慢，驾驭作品的能力也不强。在歌唱过程中不能长时间地做单一的练习，而是要把相联系的各方面协调起来，有的放矢才能使歌唱完美地展现在大家面前。《斯皮格高级声乐练声曲集》这部作品根据人声的五个声部来编写，包含男高音、女高音、男中音、女中音、次女高音五本教材，根据五个声部的人声特点，非常有侧重来编写的具有综合的声乐技巧的练声曲。它是从著名歌唱家的日常训练练习曲和著名声乐教育家指导书中选出，并经过科学的、系统的编排，注重细节，专门为有较好演唱技巧的学生使用。如用多种节奏型和不同风格曲调的练声曲来训练歌者的声带的灵活度和持久力进而获得头腔共鸣。
3、可以培养学生正确的声音观念和歌唱风格。掌握科学的发声方法，在艺术练习的过程中要善于领会正确的声音观念是学习声乐的前提。要用心感受自己的歌唱状态，善于分析和调整自己的发声状态，从而在歌唱中建立正确的声音观念，形成良好的歌唱习惯。《音乐会练声曲集》汇集了世界各国著名作曲家的最经典的声乐练习曲。无论从气息的运用、声区的统一、高音的训练、旋律和节奏的特点、乐思的构成等方面都有着较为完整的编写。这些声乐练习曲都是有针对性的，而且是循序渐进式的，对学生建立正确的声音观念和歌唱风格起着至关重要的作用。作品融汇了美声唱法的多种技巧，并且具备完整音乐风格的创作，对各种节奏型、表情符号、力度和速度记号、装饰音的使用等都有详细的标注，让学生在做歌唱发声练习的过程中有明确方向。这些作品歌唱性极强，需要把人声当作一种乐器，通过高超的技巧，演奏一首首无词的乐曲。经过长期有效地进行掌握各种技巧的训练，更能发挥学生自身的歌唱潜能，从而使学生拓展声乐演唱技巧，为今后演唱不同技术难度、不同风格的歌唱作品打下坚实的基础。
二、练习曲在声乐教学中的运用
歌唱发声练习的目的就是通过科学的、系统的训练掌握各种发声技巧，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，从而达到声情并茂的演唱。
1、练习曲在发声技巧教学训练中的运用。呼吸是声乐艺术的基础，是歌唱的原动力，“谁懂得呼吸，谁就会歌唱”说明呼吸在歌唱中有着极其重要的地位。行腔气息一定要贯穿到底，气息要吸得深，控制力要持久。这样才能适应舞台上又演又唱。用哼鸣做练习曲可以获得高位置头腔共鸣，哼鸣主要是依靠呼吸在共鸣腔体中的运动来产生，最后把声音安放在头腔中。声音中音质的好坏、不同音色的变化，很大一部分取决于共鸣运用是否得当，决定音色的重要因素。用跳音做练习曲可以增强小腹的收缩力和支撑力，锻炼声带的闭合，对于高音的站立和延长有很大的帮助，并且使音色富有音质和清晰的颗粒性。连音练习可以使声音的连贯优美，只有连贯的声音才能唱出动人的旋律来。连音和顿音相结合的练习曲，这样有利于歌唱状态的统一，顿音突出的是“点”的训练，连音更趋向于“面”的练习，这样以点带线、以面串点、点线结合使声音的位置统一，并保持气息均匀流畅。声音灵活性的练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求，以达到更积极的身体、喉咙、气息的配合。
2、练习曲在音准、节奏教学训练中的运用。音准对于歌唱来说十分重要，音准是基础，是歌唱技术和艺术表现的前提条件。《阿勃特声乐练习曲》在音准训练的过程中结合上述因素来进行训练，对各种旋律下的音准尤其是变化音高的音准训练，提供了非常详细的练习曲目。节奏是构成音乐的第一要素，是音乐的“骨骼”，没有节奏就没有旋律，没有变化的节奏就更没有风格各异的音乐旋律。练习不同的节奏和节奏型对今后演唱各种风格的作品有着很大的帮助，例如在《斯皮格高级声乐练习曲集》包括一些较高难度的节奏，如附点节奏、一字多音的节奏、包含装饰音的节奏、切分音、三连音等等。这些练习曲既有很强的针对性因此只有把节奏唱好，才能准确的表达这些音乐，才能完全的表达出对于歌唱音乐所要求的真情实感。如附点节奏的演唱，附点一定要短促，声音要干净。三连音在演唱的过程中是很容易演唱成“前十六”或“后十六”节奏型，失去了三连音在作品中的音乐戏剧化。在练习曲中巧妙地利用其他混用的节奏型进行搭配，通过这样的对比练习，为声乐初学者学唱各种节奏型提供了非常好的的音乐素材，又为演唱者娴熟地准确地掌握节奏有着重要的作用。
关键词：钢琴；触键；技巧；演奏
伴随着手指如精灵般的跳动，创作的不仅仅是一首首优美的曲子，更是一个个情感与灵魂的表露。钢琴作为“乐器之王”与小提琴、古典吉他并称为世界三大乐器。不仅仅因为他悠久的历史，更是因为他对技巧的严格要求。只有高超灵活的技巧，才能更好的控制钢琴、融入钢琴。钢琴家只有有技巧的去演奏钢琴曲，才能赋予它真正的灵魂，钢琴演奏作为一门独特的艺术有着很强的技巧性。著名钢琴演奏家霍夫曼曾经说过这样一句话：演奏必须取得曹工钢琴的，这个操纵权就是技巧。自从十八世纪末，钢琴随着社会的发展，他的基本构造与性能已经基本定型，钢琴曲的优美旋律已经不像以前那样受到钢琴制造工艺的巨大限制。钢琴的触键技巧已成为钢琴演奏的决定性因素。同一首曲子、同一架钢琴不同的人弹奏却可能产生不同的风格与情感，在钢琴的演奏和学习中，触键技巧作为最基本的因素却成为了最复杂的问题。
随着社会的不断发展，钢琴的触键技巧已逐渐发展为弹奏训练中的一个基本体系，那么如何去掌握并灵活运用这种技巧呢？手指是一个钢琴演奏家的全部生命与灵魂所在，正是由于手指的灵活跳动赋予了钢琴曲灵魂与生命。也正是由于手势上的深厚功底，将一个个单调的音符组成了一首首或跌宕起伏，或优美动听，或狂风暴雨，或柔美动听的曲子。
1 力量因素在触键技巧中的“重量”
力量给予了生命足够的爆发力，但是这个看似简单的问题却是保证良好触键的基础和关键。本来手指作为身体上最灵活的部位，却成为了初学者的噩梦，手指的灵活运用对他们来说是那样的遥不可及，手指在庞大的钢琴面前却是那样的笨拙。这不仅仅是因为手指力量与身体的复杂联系，更是由于演奏家对每个音符力量的选择。一首简单的曲子，可能因为一个手指不小心用力过大或过小彻底破坏了他的美感。手指力度不是一朝一夕能够练好的，初学者在练习钢琴曲时，弹奏的声音可能听起来很虚，手指手臂也可能很容易疲劳。因此，只有脚踏实地的不断练习，才会掌握好自己的手指力度。钢琴的弹奏更加讲求力度的均匀传递，只有在弹奏时保持手指下力的均匀，和旋才会听起来更加饱满动听。力量是钢琴演奏的基础，在触键技巧中占据着不可或缺的地位。
2 从高抬指和贴键训练中看触键技巧
在世纪的钢琴弹奏中，影响弹奏的各种因素其实是相互矛盾却又相互依存的。对于钢琴演奏者来说，高抬指和贴键都是不可或缺的训练，高抬指提高了手指的独立运动性，也提高了手指力量的爆发力和耐力，更加强了手指、腕、臂和身体的协调配合。在初学阶段他有着自身无法替代的价值。可能人们在观看钢琴家演奏时会发现，很少有人去高抬手指，讲求的更多的是松弛随意，更多的是在贴键弹奏，这是因为贴键弹奏虽然和高抬指相互矛盾，但他却是高抬指的升华和发展。手指力量在满足了弹奏所需要的爆发力和独立性之后，就不再需要刻意的去高抬指。贴键演奏会使弹奏者的手指跳动更加灵活有力，圆滑流利，更节约了一些不必要的动作和力量，给人们行云流水般的感觉。只有在不同的训练中，在不同的矛盾中才能创造出完美的乐曲。
3 身体的协调配合对音乐的影响
对于钢琴演奏者来说，身体的协调配合就是手指、腕、臂以及腰部甚至整个身体的协调配合，很多钢琴家在演奏时，整个身体都会随音乐跳跃起来，以满足各种力量的需求。弹奏过程中的基本坐姿和都将对音乐的演奏产生巨大的影响。朗朗作为首位冲出中国的国际著名钢琴家，是所有音乐家的榜样，他的演奏想必大家一定看过不少，他的演奏不仅是音乐的表演，他的整个身体都会随着音乐去跳动，仿佛整个人已经融入了音乐。看似毫无章法的跳动，却把身体的协调运用发挥到了极致，演奏过程中无论是过度紧张还是过度放松，都会对身体的协调产生巨大的影响。“钢琴诗人”肖邦和“钢琴之王”李斯特都曾试图去解放手臂和手腕，探索一种更加完美的演奏方法，希望仅仅通过手指的灵活跳动去演绎出完美的音乐，但最终都以失败而告终。无论何种水平的钢琴演奏者，只有做到身体与钢琴的完美配合，才能创造出音乐的灵魂。
4 让触键技巧成为一种习惯
一个行为决定了一种习惯，孰能生巧，自古至今都是一个不变的真理。钢琴演奏讲求的不仅仅只有天赋，更需要的是后天你的不断努力。有哪个钢琴家的童年离开了枯燥烦闷的练习却创造出了后来的成就，又有哪个钢琴家不是凭借不断的努力创造了演奏的升华与积淀。只有让演奏成为你生活的一部分，成为你的习惯，你才能更好的融入钢琴。只有在不断练习中你才能发现自己的不足，才能有机会去创造属于自己的风格。习惯是一个看似虚无缥缈的东西，但他却决定着你的钢琴之路能走多远。
5 结语
钢琴看似简简单单的黑白双键却有着不简单的内涵，看似简简单单的触键技巧却包含了沉重的汗水，没有真正的天才，也没有完美的触键技巧，只有刻苦的学者，用自己的汗水去换取完美的演奏，用自己的人生去创造曲子的灵魂。钢琴演奏是完美的音乐升华，不是简简单单的去创作，无论学习还是演奏都离不开触键技巧，也都离不开演奏者的真正投入，离不开汗水与灵魂的交融。
参考文献：
[1]徐迁乔.技术与音乐：乐而得兼―――做好一个钢琴演奏者[J].四川戏剧，2007（02）.
[2]关越寒.钢琴演奏中的基础技术训练[J].北方音乐，2011（03）.
关键词：萨克斯管 演奏法 技巧与运用
1 萨克斯管
萨克斯管与其他西详管乐相比应该是一个较年轻的成员,自从发明至今才有160年的历史。虽然萨克斯传入中国的历史较短,但是,如今它的传播和使用远远超越了其他乐器。因为它的音色优美动听，深沉而平静，轻柔而忧伤，富有感情,在寂静无声的时刻没有任何乐器能发出这种奇妙的声响。萨克斯管造型独特美观、功能丰富、应用广泛,特别是演奏技巧的创新与发挥,更是彰显其个性化的完美风格。萨克斯管不但能出色地演奏古典音乐，更善于演奏爵士音乐、轻音乐，人们提到爵士乐时，第一个想到的乐器便是萨克斯管。爵士乐的最大特点是即兴演奏，在演奏中使强弱拍倒置，采取连续切分音的手法，使节奏变化无穷，音色富有戏剧性,既激烈狂躁又安静深沉，既滑稽又富于伤感。因此，即兴演奏就成为萨克斯管演奏者所追求的演奏特点。
在当今的音乐发展中,只能演奏古典音乐风格的人已经不能完全满足社会发展的需求。在此，我以多年教学萨克斯管的经验和体会,和大家一起分享萨克斯管出色的演奏技巧给我们带来的极大乐趣,这些都是经过多年,甚至几代演奏家们的辛勤努力,并在实际运用中得以肯定的实用技巧。
2 演奏技巧与运用
2.1 气声奏法。顾名思义，也就是大家所说的气奏法。这在古典类的曲目中很少听到,但是在爵士乐和流行音乐中却是一种最基本的演奏方法。这种方法能产生温暖的音响效果,如泣如诉，非常感人,听起来感觉声音有内涵、有深度，是一种能够充分展现音乐艺术灵魂的音乐，它可以充分展示近似人声的优势，在宏观、微观效果上能达到情感的极致，但是，这种声音只是在低八度音区里有实际的音响效果。这种技巧的演奏方法最主要的一点是嘴型的松弛,就是下巴下唇向下拉,感觉好像下唇快要离开吹嘴,与此同时演奏者还要给予充足的气柱支持,不能像正常演奏一样，还可以变换你的口型。大家不难发现古典音乐演奏者与爵士音乐演奏者的口型是有很大区别的,在这里古典音乐演奏者的口型我们就不再加以介绍了,爵士乐演奏者在吹奏时口型就像在吹口哨一样,他们在演奏萨克斯正常音域时口型的压力是小于古典演奏者的,所以他们吹奏的音色大多沙沙的有气声。大家可以借用爵士演奏者的这种方法,改变口型,减轻口型对哨片的压力,稍加练习就可以吹奏出来。还有一种方法是可以把舌头轻轻地贴在哨片上,但又不能完全阻止正常的发音,加以正常的口型也可以演奏出,只是这种方法并不完全适用于所有的演奏者,所以建议不使用此类方法。如果把这种方法用于其他音域时会产生一种很有表现力的发音方式,能给音响添加一种变化的效果。
2．2 交替指法。交替指法又叫假指法，这种技巧较多的是通过在基本指法里添加额外的按键或改变原有的指法，在同一音上采用交替指法来产生音色的变化。最普遍的用法就是给任何一种萨克斯的A音的常规指法里增加右手的前三个手指，也可以利用萨克斯上任何一个基音所提供的泛音列来得到交替效果。许多萨克斯管演奏者都通过把泛音列与指法音进行搭配的实践，作为改善音色和音准的手段，实际上这种技巧在古典乐曲中很少见到，但在改编的萨克斯乐曲《小查尔达什》中却有所表现，而且给人以耳目一新之感。
这是《小查尔达什》中的精彩片断，我们看乐谱上相邻的两个“A”音，后一个“A”上有个小“o”，这个符号的意思是用交替指法来演奏。加“o、A”的指法是在正常“A”的指法下加上右手的食指、中指、无名指。后面加“o”的“G”音是加上无名指，小指。实际上加“o”符号的音要比正常指法的音高出几个音分，这样既不失去声音的线条，又不失去音高和音准，相反给听众带来一种神秘的幻觉，也给乐曲增添了很微妙的感染力，极大地表现了乐曲的精彩技巧和内容。
2．3 双吐。双吐技巧对于单簧乐器是一个相当难的技巧，因为气流不是直接从唇通过共鸣体，而是在口腔内部形成一个立体空间，相对阻碍了气流的灵活性和舌吐音的距离，所以当你想练习双吐的时候将会比气鸣乐器和唇鸣乐器要难得多。双吐是在单吐的基础上发展而来的。在萨克斯管上演奏双吐需要两种截然不同的起音和收音的方法。现在演奏家们较常用的两种方法是采用舌头阻止哨片振动和咽部切断气流，就是所谓的气断音的方法进行来回的交替。当然，要想较完美地掌握双吐，必须对这两种起音方法都能熟练掌握。能熟练掌握萨克斯基本演奏方法的人，掌握吐音,舌断音并不是一件难亊,但对于气断音来说就不太容易,气断音的练习本质上是咽喉控制能力的练习,在练习中与舌断音的发声概念完全不同。舌断音都是发音,而气断音就要发音。刚开始练习双吐的演奏者们不难发现，不用舌头只靠口腔的肌肉,气流的运动很难发出音来,或者发出了这一个音但它的音头一般都会偏低,然后再慢慢回到正常的音高,如果出现这种情况,不要以为自己方法错误,这只是你的喉部肌肉还没有一定的力量,你的喉部肌肉会随着你口腔的气压变化而发生移动,所以才会在音准上发生较为明显的变化。刚开始练习发音时，不可能像你发音那样轻松,所以一定要慢练,不间断地只发的音节,一定要注意的是必须将侯部肌肉训练到能够在收缩和伸展时不影响口型的压力及变化，尤其是在高音区，虽然下颚容易下坠，发不出音，但是也一定要保持相同的姿势。双吐法擅长演奏快速的乐句，需有单吐法的良好基础，并对发音力度的控制和音乐表现方面有较好的素质，做到奏出的声音节奏平稳、音量平衡、起吹音统一，掌握十分熟练，才能在乐曲演奏中运用自如。
以上这段旋律是乐曲《查尔达什》中最热烈欢快的音乐，它是匈牙利的一种民间舞蹈，出现于19世纪中叶，其音乐和舞蹈由两个部分总称。前半部分称为“拉绍”（lassau,意为缓慢），四二拍或者四八拍，速度缓慢；后半部分称为“弗里斯”（friss，意为新鲜），四二拍，速度迅疾而气氛热烈，用以伴奏男女双人舞。如果是用连音去演奏，那激烈的气氛将会减弱，达不到激动人心的效果。如果用双吐技巧去演奏，不仅能表现乐曲强烈的动感场面，而且会成为全曲最大的亮点。
2.4 萨克斯的喉音。萨克斯喉音属自然颤音分类形式中的一种，也可称为喉式自然颤音，也有人称它为破音、沙音。虽然有许多不同的称呼，但它的效果是一致的。我国的民族管乐器笛子、唢呐等，也常用喉音技巧来体现粗犷、豪放的演奏效果。
在中西管乐器的演奏中，喉音是根据喉部肌肉发声原理来演奏的。人们都知道，音是通过物体震动而产生的。萨克斯管发声的震动源体是单簧哨片。要获得新的演奏效果，就要增加第二物体的震动，这个物体只有靠身体的喉部肌肉来完成，促使两个物体(哨片、声带)同时震动产生的效果就是喉式自然颤音。一般来说，喉音用于较激烈的乐句和乐段，给人一种刺激感。下面是一首探戈大师阿斯托尔·潘塔莱昂·皮亚佐拉（Astor Pantaleón Piazzolla）曲集（Concerd aujourd hui）中的最后一段旋律：
这一段应该用喉音来演奏，而且要用舌头来打小颤音，如果舌颤音不能运用自如，我建议使用小舌做出来的花舌来演奏，因为在快速的和弦跑动下，小舌可以比我们整个舌头更快地作出反应，强劲的效果会更加突出，让旋律更具活力。
2．5 萨克斯的滑音。当今萨克斯管的演奏风格中，滑音(滑奏)扮演着较为重要的角色。萨克斯滑音的效果极像中文拼音字母所采用的四声一样，故采用韵母声调的阴平、阳平、上声、去声四种符号（—、／、∨、＼）作为滑音形式，并分别在声调符号上加上指示箭头：阴平就是音的准确音高，不采用任何符号；阳平作为上滑音用符号／表示；上声作为下转上滑音(下滑加上滑)用符号∨表示；去声作为下滑音用符号＼表示。滑音是声音由低到高或由高到低的变化过程，在这个过程中由下齿带动下唇改变簧片的林动面积长短而得到下滑音和上滑音。下滑音：用下齿带动，尽量在放松嘴劲控制的同时向外伸展，使簧片的振动面积增多增长；上滑音：必须在练会下滑音的基础上再练上滑音。上滑音的练习方法与下滑音的过程相反，先由下齿带动下唇，由伸展放松控制的状态恢复到正常的发音。这种滑音可以降低或升高音的三分之一。当然，这种小幅度的音高变化已不能满足当代作曲家的需要，在经过演奏家们多年的总结后，很多演奏家都能掌握一个八度甚至两个八度的大滑音。另外，小滑音的演奏基本上可以只靠下巴和下唇的运用就能完成，而大滑音则要借助于下唇、口腔和手指三者配合。首先，我们可以在高音萨克斯上练习口腔的变化，通过改变口腔的开合度，下唇的松紧度来改变音高，这是要加以反复练习才能对音高产生明显的变化，当可以使一个音在三、四度内变化时，我们再加以手指运动，手指不可像正常吹奏那样迅速打开，要把键子慢慢地开起，使气柱有一个变化的过程。当三者之间的配合达到一个比较熟练的状态时，大滑音也就很自然地形成了。
下面是一首《Fuzzy bird sonata》绒毛鸟奏鸣曲，这是萨克斯当代作品中一首非常有分量的作品，是由日本著名作曲家吉松隆于1991年创作完成。之所以说这首作品很有分量，是因为它对演奏者的要求很高，这首作品的三个乐章中包含了萨克斯的很多高难度技巧，其中包括很多滑音段。如：
这不仅表现了绒毛鸟一路奔跑欢唱的叫声，并且一浪高过一浪滑向声鸣的最高峰。我们可以开始用滑奏从低音G顺序滑奏到中音的G，然后加以大滑音到超高音B，但是要特别注意的是，大滑音滑到高E和F时要把指法替换成前F键，这样在进入到超高音时可以尽可能地避免声音脱节、连贯性不好等问题出现。
2．6 萨克斯的弹吐。弹吐又叫拍舌音，英文称为slap-tongue这种吹奏技巧是在奏响声音之前把舌头平放在哨片上，然后就像物理中的马迪半球原理把口腔内的空气吸走，简单地说，口腔的动作就像吸盘一样，让口腔保持真空，这时你会发现舌头已经吸住了哨片。这几步做好后，把气流送到吹嘴，舌头迅速下拉松开,哨片猛烈撞击吹嘴，演奏者的气息迅速中断，就会出现一种短暂而有音高的拍击声响。如果你这几步都做出来了，可以说就成功了一半，那么剩下来的就是要练习速度，这时你会发现那个把空气吸走的过程耽误了你很多时间，所以你的弹吐速度总是提不起来，现在要做的就是丢弃吸吮动作，把舌头直接压在哨片上，其余的动作不变，然后吹奏。可能刚开始你会感觉发不出音来，舌头粘不住哨片，这不要紧，只是你的舌头还不能完全适应，你的方法并没有问题，只要经常练习，弹吐音就可以很好地演奏出来。
弹吐音是萨克斯区别于任何乐器独有的技能，随着音乐艺术的不断发展，它的表现及运用范围将日益扩大，下面是用萨克斯演奏的《Fantasia Paganini Niccl》帕格尼尼随想曲中的片段：
这段旋律是小提琴用拨弦技巧来完成的，改编为萨克斯乐曲后，用弹吐音来演奏，这大大提升了乐曲的表现能力。弹吐音替代拨弦音是一个大胆而有益的尝试，从完成音符的颗粒感和断奏效果来讲，都比小提琴有优越感，音准好、音亮大、立体感强，这都是萨克斯管特性所决定的。
还有一种奏法我们不能把它称为弹吐，因为它只是声音感觉上比较接近，但音量比较小，他的演奏方法是把口型放到最松，然后用舌头用力拍打笛头的风口，这种效果也就演奏出来了。这种技巧比较容易掌握，稍加练习就可以吹奏出来了。最后说一点，有人会问萨克斯怎么样发出啪啪的声音？其实它就是弹吐，只不过在吹奏时省略了一个出气动作，也就是说省略了音高，只演奏出哨片拍打笛头的声响。
2．7 萨克斯的超高音。超高音是现代音乐演奏中最常用的一门技术，不论古典音乐还是爵士音乐都可以从众多的乐谱中找到这门技术的存在。所以对于现在的演奏者们来说，练习好超高音尤为重要，但是大家不能盲目地追求超高音。使用超高音的唯一标准就是它所能带来的音乐价值，绝不能把它当做一种花招或噱头来使用。如果能演奏出美妙的音色、良好的音准的控制，它就可以给你带来很精彩的效果，但如果它产生的效果仅仅是没有一定的音准，无音乐性的尖叫，那么就算你可以吹出超过乐器基本音域的音也是无用的。所以超高音的演奏方法与自然泛音的演奏方法有所不同，超高音的音准除了靠正确的指法外，还要靠适当的嘴劲和适当的气流来决定。
在尝试吹奏超高音之前，要具备几点必需的控制能力：一是演奏者要具备良好的口型；二是能否对口腔的状态作出有效的调整；三是必须有准确的音高概念，这一点尤为重要，因为演奏者想要发出超高音，必须准确地感觉到该音的存在；四是尽量使超高音的音色和音量与自然泛音的音色和音量保持统一；五是找到正确并认为最容易发音的指法入门，发音时气息流入管体的速度要比中低音区的速度快一倍。下面是两段超高音旋律：
它们分别是《Fuzzy Bird Sonatad》绒毛鸟奏鸣曲和《Fantasia Paganini Niccl》帕格尼尼随想曲中的选段，这要靠演奏者通过前面罗列的技术练习加以总结融汇，才能更好地演奏好以上的超高音难度片段。在演奏超高音时要特别注重音准和交替指法的运用，基音与超高音的指法转换，在演奏这些乐段时要运用交替指法也就是前F键，它可以帮助你解决基音与超高音转换时手指大幅度跳动的问题与演奏的流畅度。同时还要注意口型和口腔状态的变化，如果不注意，很可能会导致超高音不发声、音准失常等问题出现。
2．8 萨克斯的双音。双音可以说是萨克斯管最高难的技巧，它在气息的运用、音准的要求以及演奏状态的控制等方面远超过其他技巧，是当今演奏家和演奏爱好者们苦心追求的最高境界，虽然乐曲运用不多，但只要用到，它就能产生惊人的效果。这门技术名为双音,顾名思义就是吹奏两个音，大多在乐器有效音程内较容易演奏，他的演奏方法基本有两种，一种就像我们吹奏吼音时的鸣唱，可以与乐器同度和不同度，然后就会出现双音的效果。另一种是靠下嘴唇的压力与气息的配合，也就是说在基音还存在的基础上吹奏出泛音。“双音”一般也运用于慢乐曲段落，常常能达到耳目一新、眼前一亮的艺术境界。例如，在改编曲目《Fantasia Paganini Niccl》中就使用了“双音”技法，均收到了很好的效果：
发音时，用气息摩擦哨片的高音与中音振动区，可先将两个音分别吹出，然后再逐步调整嘴型，慢慢将两个音融到一起。这种方法比较难掌握，不但要肯下功夫，还要有灵敏的乐感，以确定“双音”的准确。
任何技巧都要做到收放有致，适度运用，红花绿叶，相映生辉。不要做作，更不能喧宾夺主。所有的技法都应该服从意境的要求，达到艺术与内容的统一。这门技术要待演奏者具备一定的能力后再来演奏。
3 结论
通过对萨克斯技巧的分析，使演奏者更加了解技巧在演奏乐曲中的重要性，灵活地运用各种技巧是萨克斯演奏者的目的所在。有些乐手花大量的时间和精力吹奏很多不同风格的、不同技巧的高难度练习曲，在经过一段时间的刻苦练习后，在演奏技巧上虽然有着高超的技艺，但在演奏乐曲时却显得生硬、干枯，令人大失所望。这是由于在练习时仅仅把练习曲当做一门训练手艺的工作来做，并没有投入自己真正的感情。然而练习曲绝非只有训练技巧的涵义，每个演奏者都应在技巧训练中探求音乐美感的表现，通过对练习曲的练习，学会将技巧作为手段来表现不同风格、情绪以及音乐的含义。学习练习曲既要在技巧的训练上精益求精，又要在音乐的表现上充分发挥演奏者在音乐上的想象力和创造性。也就是说，应当把每首练习曲都当做一首完整的乐曲来练习，这才是学习练习曲的核心。音乐就是情感艺术，是需要情绪和情感的抒发来表现的。
成功的演奏是技巧与音乐表现的完美结合，二者相辅相成、缺一不可。纯正的音色、流畅的旋律，要靠技术获得，而各种技巧的组合与体现，不是机械的，而是有感情的、有生命的、有内容的。优秀的演奏家不仅仅是向观众展示卓越、高超的技艺，同样重要的是要体现他对音乐的理解和诠释，并以音乐独具的魅力来吸引和感染观众，使之产生共鸣，与之融为一体。音乐在艺术门类中，既是充满感情又是长于抒发感情的一种艺术。学习和掌握技能、技巧也只是学习音乐的一种手段，而培养音乐审美，表现素质与能力才是学习音乐的真实目的。光有全面的技巧是不够的，我们必须认识到，演奏乐曲最重要的意义是为了表达音乐作品的思想感情，音乐思想是内容的核心，只有给单纯的技巧插上音乐的翅膀，赋予它艺术的生命，技巧才不是枯燥无味的机械运动。所以我们必须提高自身的音乐修养，在技巧训练中探求音乐美感的表现，既要在技巧的训练上精益求精，又要在音乐的表现上发挥自己的艺术想象力和创造力，这才是学习萨克斯演奏的最终目的。
参考文献：
【关键词】唱歌；声乐；声乐观念；发声技巧
一、区别唱歌与声乐的重要性
众所周知，音乐有许多种，学习音乐者同样是术业有专攻。有的从事器乐方面的学习，有的从事声乐方面的学习。在非专业人士看来，器乐无非是吹拉弹，而声乐讲究于一个“唱”字。从而衍生出来的一种不成文的解释：声乐就是唱歌。那么声乐真的就是单纯的唱歌吗？它与唱歌之间的区别在哪、联系又在哪？
一直以来声乐被大多数人认为等同于唱歌。这样理解也有其中的道理。声乐包括在唱歌之内，它与唱歌一样，使用喉、唇、齿、舌、牙这样的器官，通过作用于这些发声器官来产生声音、乐音。但是“唱歌”未必就是“声乐”了。声乐之所以能作为艺术上的一门独立的科学，自然有它不同于一般意义上唱歌的地方。歌唱艺术不是塑造生活中触手可得的实体形象，也不是通过科学实验或说明概念来表情达意，而是通过独特的音乐元素，借助音乐技巧塑造形象、抒感，以此引发欣赏着的情感共鸣。
而声乐，包含在唱歌之内又高于唱歌。它使用正确科学的发声方法发出优美动听的歌声，通过歌声这种音乐化了的文学语言，具备一定的音乐基础知识和技能、发声、歌唱语言和表演能力以及相关的知识和修养，目的是在演唱时创造性地把声乐作品变为现实音响和形象。但凡学习声乐，都是指经过专业训练的，在正确的声乐观念的引导下，在本能中更多地融入技术、技巧，去追求悦耳的、给人带来美的享受的歌声。目前，声乐大体分为三种基本唱法：
第一种是美声唱法。美声唱法是产生于17世纪意大利的一种演唱风格。其演唱音色优美圆润，声音可塑性强，情感表达上很有张力。这种演唱风格对全世界有很大影响。在文艺复兴思潮的影响下，逐渐产生了歌剧，美声唱法也逐渐完善。佩里根写出意大利最早的歌剧《达芙妮》，1600年又写出了歌剧《犹丽狄茜》。作曲家的创作，使歌剧突破了以往的唱法。
第二种是民族唱法。民族唱法源自于各民族本土的演唱方式，后经过不断的传承与发展，在声乐领域中拥有了越来越重要的地位。它产生于人民之中，继承了民族声乐的优秀传统，并且借鉴了美声唱法与戏曲艺术，在演唱形式上是多种多样的，演唱风格又有鲜明的民族特色，语言生动，感情质朴。因此，在群众中拥有广泛好评，并且日渐成为人们不可缺少的精神食粮。
第三种是通俗唱法（又名流行唱法），是一种比较大众化的唱法。始于中国二十世纪，30年代得到广泛的流传。由于其很大众化，所以很受业余声乐学习者的追捧。它使用真声较多，声音较贴近说话，故音量较小，经常会借助于扩音器。虽然这种唱法属于后起之秀，但是目前已经是最受欢迎的一种演唱方法之一。
另外还有原生态等后来兴起的唱法。这些都能规划到声乐的范畴。
艺术源于生活而高于生活。同样，声乐源于唱歌且高于唱歌，由此观之，这是一种辩证统一的关系，两者不能脱离对方而独立存在，同时也不能够单纯地把唱歌当做声乐。
二、基本声乐观念与发声技巧
所谓观念，即是人们在实践当中形成的各种认识的集合体。人们会根据自身形成的观念进行各种活动。形成正确的观念有利于做正确的事情，提高生活水平和生产质量。由此观之，声乐观念即是声乐学习者在不断的演唱中，根据对歌曲的认识、情感的把握、词曲的理解、演唱的熟练程度等事物的认识，从而总结出的各种用来指导实践的认识。
基本的声乐观念就包括以下几点：
（1）思想观念 唯物主义认为：“物质决定意识，意识反作用于物质”，这点在思想观念上尤其重要。人们的行动是通过大脑来支配，也就是受思想来支配的，有什么样的思想必然就会产生什么样的行动。在声乐学习的路途上，我们会接触到各种各样的声音，受到各种各样的教学方法、各种各样的观念的影响。甚至每个人与每个人在嗓音上的差异，对声乐的认识各有不同，都是造成声乐观念差异的因素。反过来，这种不尽相同的声乐观念又会来指导我们在声乐实践中的行为，因而就出现了各种不同的唱法与教法。所以要想不断提升自身的演唱水平，在思想上拥有一个正确的指导是重中之重的。
（2）用力观念 这个观念是对于声乐初学者来说最重要的观念。1.通常只追求音色的完美或过多的注重声音技巧的运用。2.不了解作品创作背景与时代特征。3.缺乏个性的投入与演唱等等。不管是丹田还是喉头又或者是整个身体的状态，哪些地方需要用力，哪些地方需要松弛，哪些地方该用多大的力，该往哪用力都是属于用力这个范畴的，也就是声乐学习者通常所说的方法。
（3）声音观念 这样是一个需要明确的观念。首先来说，起码要人听着舒服。演唱者对音乐作品情感的把握是否得当直接影响着演唱的效果。那么从专业的角度上来说，声音包括了许多方面：音色、音准、音量，还有在歌唱中的咬字、声音圆润程度等等。好的声音，以声音饱满、圆润、自然、连贯，有优秀的乐感，咬字清晰正确，能正确地表情达意为佳。
四、辩证看待观念与技巧，努力提高声乐表演水平
总的来说，正确的声乐观念与发声技巧同为一个问题的两个方面，都服务于如何演唱好声乐作品，他们是辩证地存在的。两者相互促进，也相互制约，共同作用于歌唱。脱离正确的声乐观念谈发声技巧，那么满脑子都是小腹、喉头、颈部等这些部位，这只能归结为无脑死唱。那么离开发声技巧谈声乐观念，则成了纸上谈兵了。
关键词：琵琶 弹挑 运用
从琵琶产生之初，人们就开始了对其弹奏技法的研究。琵琶的原名本来是枇杷，这个名称的由来是因为它的演奏方式。在汉代，刘熙所著的《释名・释乐器》中提到：枇杷来自于胡中，推手却曰批，引手却曰把。枇杷二字本无具体意义，只是形象的记录了这件乐器在演奏时运用的两种发音技巧，即推手（枇）与引手（杷）。我们今天所说的弹挑技法就是由批和杷这两种演奏技法演变而来的，所以枇杷后改名为琵琶。琵琶作为弹拨类乐器的代表，它的演奏方式更是多种多样。其中，琵琶的很多演奏方法的诞生都是来自与弹挑技法。因为弹挑技法的表现力极强，同时也运用最多，所以对弹挑技法进行深入研究一定会为学好琵琶带来一些感悟。
一、弹挑技法的介绍
弹，是用右手食指的指甲端（通常用食指和大拇指相邻侧的指甲端）去接触琴弦，指端向左用力拨动发出声音。挑，是用右手拇指的指甲端（通常是食指大拇指外侧的指甲端）去向右用力去触碰琴弦。琵琶的演奏技巧有很多，并且非常繁杂，在这众多的演奏方法当中，弹挑技巧是最为重要，也是运用最为广泛的。以上方面都侧面体现出了弹挑技法的重要地位。弹挑的不断变换、发展，还延伸出了琵琶中其他的众多演奏技法。也正是因为琵琶的这些种类繁多演奏方式，让琵琶的表现力在乐器中极富有代表性，在艺术上也极富有感染力，琵琶从古流传至今也正可以看出其中的特点与独特魅力。
弹与挑这两种演奏方式在实际操作中应是连续进行的，但是在学习阶段必须将弹挑动作分解练习才能掌握，演奏者需要循序渐进的学习弹挑技法。弹和挑对初学者至关重要，如果在学习时忽视其要领，那么学者后面的技法练习也会很难再进行下去，更别说是在演奏时能够弹出动听的乐音了。学者对弹挑技法运用的熟练程度，将直接决定着对琵琶其他技巧学习的接收能力，所谓融会贯通就是这样。因此，重视弹挑技法的学习将会为以后学习琵琶提供很大的便利。
二、弹挑技法的重要性
在学习琵琶的演奏技巧时，弹挑技法的学习将帮助我们更快地去熟悉琵琶的演奏。事实上，弹挑指法的学习就是大脑对手指的支配以及控制能力的学习，使自己的思维活跃起来，让手指与大脑配合得更加默契、完美，最终取得最佳效果。由弹挑技法延伸出来的其他演奏技法，虽然看起来并无不同，但是实际上，各个演奏技法都有着自身独特的表达意义。从演奏方法的角度来看，弹挑技法与其他演奏形式有着密不可分的关系，学好弹挑技法将有助于其他演奏技法的学习。琵琶之所以能够成为我国传统乐器的代表去走向世界，是因为琵琶弹奏具有非凡的表现力，能够给人留下深刻的印象，其原因就源于琵琶复杂的弹奏技法。琵琶弹奏中，右手起着关键性的作用，弹挑法是右手技法练习的基础。因此，该技法对于以后琵琶演奏水平的提高有着决定性的作用。
三、弹挑技法的灵活运用
弹动作的完成需要手指和手腕一起配合完成，弹是把手腕以及食指大关节作为它的中心。换而言之，就是把第三关节作为支点，把食指小关节作为用力点，在食指的指端将手指的力量聚集在一起，然后去拨动琴弦发音，在食指触弦时，要呈现自然弯曲。挑以手腕为中心点和支点，由大指向内挑进和手腕向内旋转两个动作组成，它是以大拇指的一、二关节为力点，让力量在大姆指的指端聚集，然后在挑弦之后马上放松，恢复自然状态。
在刚开始接触弹挑技法的时候，常常发生的错误就是：弹出时手臂位置太过向下，挑进时手臂位置太过向上，弹出挑进时前臂活动动作的不规范，使得行为动作看上去上上下下就像在切菜一样，不仅难看而且还容易出错，同时也限制了弹挑技法本身所能表现出的效果，具有非常大的局限性。在这一点，要想纠正错误，可以先多看一些教科书，把动作要领书记于心，然后勤加练习，练习时可以对照镜子，找出自己的不足和问题所在，不断从练习中积累经验，进而掌握这门技法的窍门。
在琵琶弹挑的演奏中，触弦位置对声音效果有很大影响，触弦点如果太靠上，发音会偏，但是余音比较好;触弦点太靠下，发音过大，而且余音欠缺活力，没有余地。演奏琵琶时，音色的好坏全决定于触弦方法的好坏。琵琶的发音变化多端，变幻多端的音色在结合时，运用手腕力量，把力传递，向指尖聚拢，用这种方法触弦，手指所发挥出的力量是最强的，让手指的力量自然的去拨弦，同时注意弦和指甲的接触以及角度等问题，以及指甲拨弦时的力度和指甲本身硬度等问题，最后就会得到美妙的发音。在弹奏时，若是力量过大，声音就会产生支离破碎之感;若是力量微弱，则触弦却不能发生。因此，控制力度也是演奏技巧中应该重视的问题之一。
弹挑时力度控制主要的是指尖、小臂等的配合用力。用力适当，那么发音一定会成功就。因此，弹奏时要先练习好如何控制力度。手臂不可只用蛮力，弹挑时状态应该尽可能地放松，同时要做到音量均衡，节奏一致。
四、结语
在中国乐器悠久的历史中，弹拨乐器给人留下的印象最为深刻，而弹跳技法不仅仅是在琵琶中，在很多其它的乐器中也应用广泛，这是学好弹拨乐器所要掌握的最基本技能。所以，认真对弹挑技法开展研究、学习，不断掌握其规律，不但对琵琶的学习有所帮助，对其他的一些弹拨乐器也是有很大帮助的。
参考文献：
[1]陈爽.传统琵琶演奏技巧的文化内涵――论传统琵琶演奏技巧（续二）[J].中国音乐， 2012，（10）.
【关键词】word；教育教学；应用技巧
【中图分类号】G4 【文献标识码】A 【文章编号】1672-5158（2012）08—0232-02
信息技术既是一门工具学科，也是一门基础性学科。作为课程教学改革的主要目标之一，信息技术与课程的整合已成为各级各类学校教育教学改革的重要内容之一。大家知道，Word是我们工作和教学中经常使用的软件之一，因此，掌握word应用技术和技巧，更好地服务工作，对提高工作效率，提高教学效果，都有着重要的意义。在工作中巴车如何利用Word技巧，提高我们的工作效率，更加有效地开展好教学工作，是我们信息技术工作者义不容辞的责任。本文的这些技巧学起来十分简单，而且在目前大多数使用版本的Word上都有效。
数学教师利用Word“公式编辑器”来编写数学公式等教学资料非常方便，可以制作复杂的数学公式并进行编辑，而且此功能非常实用。具体的操作方法依次是：①单击“视图”菜单，②单击“工具栏”子菜单，③单击“自定义”，④单击“命令”，⑤单击“插入”，⑥在“命令”栏中找到“公式编辑器”，将其拖到Word的工具栏上；⑦单击“公式编辑器”图标，打开即可输入和编辑公式；⑧若要在公式中嵌入空格或文字，先单击菜单中“样式”，然后单击“文字”；⑨单击页面空白处即可将公式嵌入到Word中；⑩用鼠标右键单击显示出的公式，以“浮于文字上方”对其版式设置。
2.利用Word巧移图形
信息技术课程中涉及Word的绘图技巧，特别是自选图形，是工作中经常用到的小工具。这部分技巧性很强。如利用Word应用技巧让设计卡通图形，如何解决不能精确放置图形的问题呢，具体操作方法是：首先选好要移动的图形，然后用“Ctr”键与“、、、”键来配合定位，也可用“Alt”键与鼠标拖曳来配合完成。
3.“阅读版式”视图可用来做为多媒体教学的演示功能功能
大多数教师都是利用Word编写设计电子教案和课堂演示内容，将设计的“教学内容”部分制作成演示稿或课件，实施于多媒体课堂教学。一般课件的制作会增加教师的工作量而影响教师的工作效率。Word的“阅读版式”视图，其较好的演示功能，恰好可以代替演示稿进入多媒体教学，从而有效地提高了教师的工作效率。
“阅读版式”视图启动的方法是：先选择“视图”然后进入“阅读版式”，也可单击常用工具栏里的“阅读”按钮。
4.Word的全部关闭文件功能的巧应用
一般地，教师在编写教学教案时，经常要把自己以前的教案以及资料拿出来作为参考。在此过程若逐个点击“关闭”按钮是一件浪费时间的事情，如果点击“文件”的同时按住“Shift”键，原有的“保存”与“关闭”项，变为“全部保存”与“全部关闭”项，一下就能达到目的，较前面的办法方便多了。
5.“索引和目录”在电子作业管理的应用
信息技术与各学科课程的整合，使学生的部分作业也由传统笔记形式向数字化转移了。若是把每件作业都单一放在一个文件中，很不方便管理，最好的办法是将同一课程同一阶段的作业置放于同一个文件内，也就是说组成一个电子作业本。这样一来，随着Word文档页数的增多，翻页阅读就变得不是那么方便了，Word的“索引和目录”功能恰好能为文档及时生成一个目录，显示出极为方便的导航功能。
利用“索引和目录”功能首先应说明的是Word文档的格式一定要进行规范化设置。所生成目录的要点一定要以标题样式设置。
具体操作：把鼠标定位到所生成目录的位置，然后依次单击“插入”、“引用”、“索引和目录”；再单击“目录”选项卡，按“确定”按钮后，Word文档的目录就自动生成了。若以后对文档内容进行了编辑修改而变动了页数，则只需在目录上右击鼠标，选择“更新域”，在“更新整个目录”点击“确定”即可完成。这样目录便与文档的内容一致了。
6.用“拼音指南”给汉字标注汉语拼音
在语文教学中，经常要对汉字标注汉语拼音，而在电脑上输入汉语拼音是一项比较麻烦的事，况且还要求拼音与文字保持对齐，所以难度很大。那么，采用何法才能方便地实施标注拼音呢？Word“拼音指南”功能恰巧为你解决了这一难题。
具体步骤是：选定要标注汉语拼音的汉字；依次单次点击“格式”、“中文版式”、“拼音指南”，也可单次点击“格式”，待工具栏中出现的“拼音指南”对话框后，设定拼音“字号”，单次点击“确定”，汉语拼音就会出现在所选定的汉字上。
若要对拼音删除，则可选择附带拼音的文本，然后在“拼音指南”中点击“全部删除”即可；若要拼音在汉字右侧出现，可操作：选带拼音的汉字，点击“剪切”，然后依次点击“编辑”、“选择性粘贴”、“无格式文本”；若我们在学习过程碰到不熟悉的汉字时，通过利用“拼音指南”的拼音也可确认。
7.“修订”与“批注”功能与电子作业的批阅
利用Word“修订”与“批注”功能对电子作业内容批阅，会产生比批阅纸质作业更为直观的效果。具体操作步骤：依次为启动“修订”功能，选择“工具”、“修订”，也可双击状态栏进“修订”，进入“修订”状态后，对作业文档进行编辑操作。教师若要对作业写评语，只需在写评语的地方选择“插入”“批注”即可。
学生从批改过的作业中，直观地了解到老师的批改情况和评语。若想与老师进—步讨论交流，可利用“修订”“批注”修改后再发回老师再次批阅。形成一次作业多次批阅的良性循环，有效地提高了学生的作业质量。
参考文献
[1]吴建屏.浅谈Word2003的应用技巧[J].科协论坛（下半月），2007，（08）
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