关键词: 现代主义艺术特点发展趋向
现代主义是继古典主义、浪漫主义、现实主义之后的一个重要流派。它于19世纪末到20世纪中叶在西方出现。它在艺术观念、题材、形式和风格等方面都具有鲜明的思想特征和艺术特征,力图摆脱西方文化的传统,并进行了大胆的实验和创新,即以一种反传统的高调形式出现,这种形式上的反叛引起了许多哲学家、理论家、文学家的重视。尽管他们对于现代文化所持态度不同,从不同的理论背景出发,发现了现代文化所隐含的不同文化和社会现象,但是他们都在试图将现代主义艺术的发展状况明晰化、合理化,并且展望着现代主义艺术发展的前景。
一、现代主义艺术观点的相关陈述
斯宾格勒对于文化的发展前景持一种悲观主义的态度,这源于他大力地颂扬古希腊、古罗马文化。他将文化发展进程分为四大阶段,借用四季的交替来说明,现代主义艺术在他看来处于冬天的状态,即一种即将结束、消解的状态。现代主义艺术在斯宾格勒看来只是呈现出一种符号式的模仿和学习,艺术已经失去了原有的创造活力,开始倒退并只是一味地机械化和复制化。于是,斯宾格勒总结出了一个苦涩的结论――西方形式艺术的没落是不可挽回的事情。斯宾格勒对于现代艺术的批判态度主要是来自于他对于现代社会的解读,他看到的是人与自然的分离,人与土地之间最原始的情感被破坏,金钱的价值开始高于一切,战争带给人类的迷惘、经济的高速发达带来的“异化”、城市大众阶层的出现,使人逐渐失去了独立意识和自我意识,个性人格和精神人格遭到了瓦解,这类现象便导致了斯宾格勒对于现代文化出现抵抗情绪和悲观意识。于是,斯宾格勒对于现代文化持一种反对的、批判的、消极的态度。
齐美尔看到了现代文化的矛盾,提出了“文化悲剧”论,一方面,在现代文化背景下,个体性被社会群体性所制约,另一方面,一种客体的物质文化正在压倒主体的精神文化,即一种“物化”现象成为了一种普遍的社会现实。齐美尔的理论根源在于他看到了自启蒙以来人片面地强调“知识”、“理性”、“规则”,忽略了人个体自身的内在发展,导致了现代社会呈现出来的对于工具理性的强烈追求。但是他与斯宾格勒不同的是,他认为现代艺术呈现的形式是对于现代社会所出现的“物化”现状的一种强有力的反抗。现代艺术在其看来已经了传统形式,已经超越了美与丑的表达理念,表达一种超越美与丑之外的感受,反对一切规则,反对艺术原本的要素与原则,要将反抗进行到底。齐美尔提出了现代文化的发展策略――“距离说”,将艺术与社会现实拉开距离,使艺术远离“物化”和诱惑,艺术要躲到象牙塔、“乌托邦”的世界中,艺术要实现自身的救赎功能。
奥尔特加发现,随着社会的不断发展,逐渐产生了一个阶层,即大众阶层,大众阶层使文化领域界里呈现出了一种大众文化的特征。奥尔特加认识到大众文化是一种潜在的、巨大的、无形的群体力量,它于无形当中控制了普通民众,甚至还有少数精英、作家艺术家等,它的存在成为使个性消失和独特性消解的压力与诱惑。在奥尔特加看来,现代主义艺术的出现无疑不是对大众文化的强有力的对抗,于是奥尔特加发现了先锋艺术不被大众理解的特征,“非人化”的出现使先锋派于大众文化中导致分化,只有一部分的人才能理解先锋艺术,于是先锋本身并不是为了取悦、反映大众的需要而产生的,其本身是为了少数人士、精英群体而存在的。
卢卡契对于现代主义艺术是持反对态度的,这种批判性来源于:一方面他维护古典文化的传统,另一方面他特别钟爱19世纪批判现实主义艺术,于是他对于20世纪出现的现代主义艺术是深恶痛绝的。在卢卡契看来,资本主义社会虽然表面上呈现出一种四分五裂的状态,但是其本质是鲜明地体现了一种总体性的特征。现代主义艺术并没有正确地将这种总体性特征呈现出来,于是卢卡契看待现代主义艺术特征是一种分裂的、颓废的、破碎的状态。卢卡契将其所钟爱的19世纪批判现实主义与20世纪现代主义从四个方面进行了比较,得出了现代主义是撕裂的,内心世界与外在世界的分裂、“抽掉现实的抽象”和批判尺度的颠倒的结论,并且从艺术家本身来讲,艺术家应该用其正直和真诚的性格,来发出反抗不合理世界的正义之声。但是卢卡契认为,现代主义艺术家并未如此正直与真诚。
以上四位理论家都对现代主义艺术给予了关注,并且作出了不同方面的解析。斯宾格勒与齐美尔对西方艺术的巨大转变都持有相当的悲观主义,并都有对于古典文化的和谐向往,但两者不同之处在于,齐美尔对现代主义艺术的出现与发展作出了更为深刻的说明与解析,即他对于现代主义的发展提出了策略,而斯宾格勒只是无望地回归过去,只是以古典艺术范式作为理想的蓝本。奥尔特加不同于前两者的悲观主义,同时对于现代主义艺术的考察也没有持偏激的否定态度。奥尔特加研究的重点在于现代主义艺术与传统艺术的不同,并于一定程度上解析了这种不同,分析了导致现代主义艺术变化的内在和外在原因。而卢卡契的独特之处在于,他反对现代主义艺术的出现,抓住了现代主义艺术的破碎性,将其批驳,极力提倡19世纪批判现实主义。由此可归纳出,斯宾格勒发现了现代主义艺术的不和谐,于是反对它,提出回到过去,齐美尔主要是解析了现代主义艺术发展趋向,奥尔特加重于研究现代主义艺术产生的原因,而卢卡契反对现代主义艺术。
二、现代主义艺术的特点分析
现代主义是西方进入垄断资本主义时期所经历的重大历史事件(两次世界大战)、政治经济运动和危机、科技进步和文化与艺术思潮在作品中直接或间接、正面或扭曲地表现的产物。现代主义艺术的典型特征可以说是对于西方资本主义文化和文明的深刻危机意识和紧迫的变革意识的表达。对于现代主义艺术所呈现的独特性,许多理论家有不同的强调。例如,齐美尔看到了“现代文化的冲突”,及其无形式、反形式的形式法则对抗;奥尔特加提出了“非人化”理论,现代主义艺术本质上是反讽的,本身是不可超越的事物;卢卡契看到了现代主义艺术的破裂性,等等。总的来说,现代主义艺术所呈现出来的是具有反传统精神特征的,是对传统的背叛和面对未来的革新,它要反对政治的集权主义和社会生活的类同,颂扬深沉、主观意识、激情和真实,主张打破陈规陋习、否定自我,如乔伊斯的《尤利西斯》、叶芝的诗歌、毕加索的立体派绘画、斯特拉文斯基的《春之祭》等艺术作品。从这些艺术作品当中我们可以看出现代主义艺术形式上是由片断构成的:长篇作品是片断的汇集,短小作品则是细心制成的片断。与早期的写作比较,现代主义艺术的显著特征是省略,其作品看起来开局突兀,展开时不作解释,而结尾又没有结果或定论。
三、现代主义艺术的发展趋向
在我看来,现在主义艺术确实呈现出一种破碎、片断式的特征,但是这只是其表面的形式,其内在机制当中仍有一个能动的总体支架,这种总体支架被隐藏得很深,不易察觉,需要受众进入到艺术作品当中去细细揣摩、慢慢把握。从这一层面来说,现代主义艺术可能更需要受众走进到艺术文本中来,更需要受众投入较多的关注。我国老一辈的外国文学研究者袁可嘉教授概括了现代主义艺术所具有的“三重”特征:重主管表现、重艺术想象、重形式创新。由此我们可以得知,大多数的现代主义艺术作品更多的是将艺术家的内在心理通过夸张的形式诉诸出来,而受众则需要用自身的理解方式、审美情趣来寻找“答案”。所以说,现代主义艺术已然抛弃了“完整性”,选择了形式上的创新性和内容上的片断性,于是便需要受众走进这种全然不同于传统艺术的创造空间当中,去品味这杯浓郁芳香的“苦茶”。
关于现代主义艺术的发展趋势,斯宾格勒与齐美尔都抱有相同的悲观性,卢卡契则坚决否定,而波德里亚又提出了“历史终结”的概念。不论现代主义艺术的处境是多么的艰难,还是大众的不理解与排斥,现代主义艺术的生命力都是强盛的。生命的精神总是要向前伸展与成长的,我们不能一味地留恋曾经,社会的不断发展需要能够满足其需要的艺术形式出现,而现代主义艺术其自身的变化无常、错综复杂,自相矛盾便是这种需要的反映。同时,我们也要看到,对于现代主义艺术来说,给予其一个限定的标准、总结出一个准确的特性,或者是给予其发展前景的一个结论对于艺术的本身来说都不是最重要的,重要的在于保持它的活力、它的思想进程的前行。
对于现代主义艺术的最终发展趋向,或许我们应该采纳欧文・豪在《现代主义的概念》当中的一段话:“对于那些再也没有理由生存、而有无法使自己死去的事物来说,死亡是多么令人妒忌啊!现代主义将不会收场。一代又一代,人们仍将听到它的战歌。”
参考文献:
[1]赵一凡,张中载,李德恩著.西方文论关键词.外语教学与研究出版社,2006.1,第1版.
关键词：当代艺术；文艺思潮
中图分类号：j05 文献标识码：a 文章编号：1005-5312（2012）33-0062-01
一、中国当今的艺术状态和特点
（一）当代艺术的状态
三十多年以来，中国当代艺术在发展过程中逐渐形成了自己的话语方式和文化针对性。在语言形式上渐渐从传统语境中对艺术的理解中解放出来，审美意象结构发生了转换，艺术取向更加多元化。从内涵上来讲，当代艺术重在对当下社会现实及人生存状况的关注，社会问题的批判，进入二十世纪，当代艺术更倾向于对物质消费文化的迷恋与表现。尤其是九十年代以来，中国当代艺术走出国门，被西方社会所关注和认可，国内也成为主流文化所接受，成为各种双年展，三年展上必备的一份大餐，市场的热闹程度也成为当代艺术提供良好的经济环境和后备力量。
（二）当代艺术的特点
1.艺术的产业化：在艺术产业化的催动下，中国正在进入美术馆的春秋时代，但还没有进入战国时代。因为战国只有“七雄”，而现在是成百上千的新空间。这些空间和美术馆在打造一个“产业乌托邦”，而不是艺术精神的乌托邦。商业成功的梦替代了艺术信仰，艺术求真注定要被边缘化。
2.艺术的符号化：现今的艺术家都在竭力寻找属于自己的艺术符号，于是这些艺术家在自己的作品中不停的使用同样的符号，类似于复制，也就造成了艺术作品的单调化。
3艺术的大众化：由于人民生活水平的提高，越来越多的需要精神文化，以及人民审美程度的提高，越来越多的人开始学习艺术或者购买艺术品。
4.形象的恶俗化：光头、呲牙咧嘴的大脸等，是以“大脸”统称的恶俗时尚的形式特点，它把旧时文人和西方后现代的所有最低俗的东西尽量拼凑到绘画、雕塑和摄影中。
5.风格以及样式的多样化：现在艺术家所表现的题材越来越多样化，从传统的艺术形式转向了多样发展，而且风格各式各样，琳琅满目。
二、西方文艺的影响
浪漫主义、现实主义是工业资本主义社会的两大主要文艺思潮。它们分别包含了资本主义发展的不同阶段的社会信息。在时间上，它们分别属于资产阶级革命和成功时代、自由资本主义时代、帝国主义时代或垄断资本主义时代，以及当今的后工业资本主义时代。
当代中国艺术的几个基本特征：
1、浪漫主义
浪漫主义者力图捍卫的是一些正在遭到资本主义摧毁的基本人类价值：自我，个性，精神艺术，爱美，自然。他们要肯定心灵和自我，否定资本主义的功利主义现实，追求和表现遥远的理想。他们采取有机主义的、整体论的认识和思维方式，认为普遍异化和分裂成碎片的资本主义现实终将被克服，和谐的新世界将会被达到。他们重视想象和幻想，使用隐喻的、神话的语言来主观地表达自己的思想、感情和渴慕。可以说，浪漫主义是对于资本主义现实的第一次主观的批判和反抗。
2、现实主义
与浪漫主义者不同，现实主义者为自己提出了另一种任务：分析、理解和表现复杂的资本主义社会关系，揭示金钱这个最大的神秘之物在资本主义社会中的活动机制。在他们这里，分析和理解成为首要任务。他们大多接受机械论的整体观，认为资本主义社会制度是不同部分的组合，要表现它们，就必须进行准确的观察，并通过叙述方式将各种因素组织在一起。在这里，写实的、客观的、自我隐退的语言取代了浪漫主义的主观的自我的语言。可以说，现实主义是“科学地”分析和理解资本主义现实的初次尝试。
三、总结
当代西方文艺思想如今还在逐渐影响着国内艺术的发展，而在传入的过程中难免会造成一些误读，也造成了一些思想的偏激，导致有些问题的产生，但更重要的是怎么去理解和吸收，以及怎么运用。目前中国的艺术有不少的缺陷和不足，在未
中还有很长的一段路需要走。
一、现代主义辩证法
令弗雷德在美国批评舞台崭露头角的，是他为诺兰德(Kenneth Noland)、奥列茨基(Jules Olitski)和史特拉(Frank Stella)的“三位美国画家展”(1965)撰写的目录论文。在其中，弗雷德有一个提纲挈领式的断言：类似一种现代主义辩证法的东西，已经在视觉艺术中运作了大约一个世纪。他认为，从马奈到综合立体主义和马蒂斯，“绘画从再现现实的任务中不断撤退”，“而日益关注那些内在于绘画自身的问题”。19世纪后期到20世纪初期的艺术，已经不再像文艺复兴时期的艺术那般与外部社会密切相关，富于雄心的艺术越来越关心“各种内在于自身的问题和课题”，而内在于自身的问题主要是形式问题。这尤其是现代主义要致力于解决的东西。而艺术家对形式问题的不断解决，佐证了黑格尔式的艺术史观念：风格根据一种内在的动力或者辩证法而相互连续，而不是对整个社会中的社会、经济、政治各方面的发展作出反应。
弗雷德试图用“现代主义辩证法”这个概念，来说明绘画艺术内部运行着的“持续的革命”，那种“不间歇的、彻底的自我批判”。显然，在弗雷德看来，存在相对独立于外部条件的“艺术的内部”，而现代主义就因专注于“内部”问题而不断发展。我们需要稍作辨析的是，在黑格尔那里，“辩证法”首先要求存在一个自我运动的主体——“精神”，那么弗雷德所谓的“现代主义辩证法”的主体是什么?显然是“形式”。但是，如果抛开艺术家而说形式在自我运动和自我发展，就会像李格尔、沃尔夫林一样，染上黑格尔式的历史决定论腔调。弗雷德显然不能认同那种过强的黑格尔主义，而强调艺术家个体的作用，他在为格林伯格辩护时说到，如果存在“一种内在的艺术逻辑”，那也是艺术家们在致力于解决刚刚过去的艺术所抛出的形式问题时做出决定的结果。即，作为个体的众多艺术家对形式问题的提出和解决，构成了现代主义永无止歇的动力。
而现代主义中形式课题的提出和解决，显然源于对媒介的意识。应该说，构成画面的线条、色彩等形式要素，在抽象绘画出现之前，就已作为独立的价值受到艺术家们的重视，而且画家在画面上安排形式要素时，多少总要结合画布的物理特征(比如平面性、长宽的比例)——即对画布的实在特征有所意识。但是，只有到格林伯格的形式主义理论，才将艺术家(比如塞尚、立体派画家)那里早已潜伏多年的媒介问题推到前台。他在《现代主义绘画》(1960)中指出，现代主义意味着以康德的方式，从内部展开不断的自我批判，以寻找到“每一种特殊艺术中独特的和不可还原的东西”，并且认为：
每一种艺术独特而又恰当的能力范围正好与其媒介的性质中所有独特的东西相一致。自我批判的任务于是成为要从每一种艺术的特殊效果中排除任何可能从别的艺术媒介中借来的或经由别的艺术媒介而获得的效果。因此，每一种都将成为‘纯粹的’，并在‘纯粹性’中找到其品质标准及其独立性的保证。‘纯粹性’意味着自我界定，而艺术中的自我批判则成为一种强烈的自我界定。
现代主义因此是一个不断走向媒介纯粹性的过程。
与后来的弗雷德倚重于黑格尔不同，格林伯格构建现代主义理论主要借助康德的“批判”概念，其实多少拥有康德形而上学式的“奠基”冲动：探究各门艺术的根基——媒介的特性，从而划定其专属的有效范围。格林伯格这样做的结果，是倒向了一种还原论的本质主义。在《抽象表现主义之后》(1962)中，格林伯格很坚决地说：
在现代主义的检验下，越来越多的绘画艺术的惯例已被证明是可有可无的，并非根本性的。看起来，到现在为止已被证实的是，绘画艺术不可还原的本质只在于两个基本的惯例或者规范中：平面性以及对平面性的划定；仅仅对这两个规范的奉行就足以创造一个能被体验为一幅绘画的物品：所以，一张绷紧的或者钉在墙上的画布就已经作为一幅画存在——虽然未必就是一幅成功的画。
一、构成主义风格在两次世界大战期间，艺术领域中影响最为深远的运动是俄国的构成主义。构成主义为主的设计与艺术探索是有其深刻意识形态背景的，构成主义艺术在精神上饱含着特定的激进性格和建构新社会的文化意识。“构成”重视逻辑思维的培养，但这种逻辑思维与感觉的培养是相辅相成的，良好的感觉能帮助我们透过现象抓住形态的本质特征。在形式上，展现工业意志所带来的冲击；在理想中，艺术创作和设计工作被视为完整的工业化生产。
构成主义不仅是设计形式、设计方法的探索与创新，奠定了现代设计的本质基础，即“设计应该为广大人民服务，设计应该为全社会服务”，这与马克思主义认为美学基础建立在社会经济学之上的认识是一致的。“唯这些形式才能把生活建立在上面。因此，艺术必须是构成的艺术”。“构成”一词便出自这篇宣言之中。艺术家必须成为工业化生产中的一个环节，必须学习如何利用工具及现代生产材料，必须利用新材料和新技术来实践理性的结构表达方式，以结构的表现为最后终结。
构成主义给西欧前卫艺术运动以极大的影响。构成运动又在欧洲大陆得到进一步发展，它启蒙了同时代其他的设计艺术流派，包括德国包豪斯、荷兰风格派，它们共同影响了后世的设计风格，如瑞士苏黎世和巴塞尔的冷抽象风格，西欧的国际主义风格，等等。至今，已形成广泛多样的构成艺术。
二、抽象表现主义风格
1946年由艺术评论家罗伯特•寇特兹提出抽象派风格，并运用在美国艺术上的。抽象表现主义在美国一跃而起，独领。抽象表现主义是一种思想，继承了苏俄构成主义的影响。抽象表现主义对后继的美国艺术有着重要的意义，也对欧洲艺术家产生了前所未有的影响。
抽象表现主义的创作思想是：追求艺术创作者行动的自由性和无目的性，把整个创作行动本身作为创作的重中之重。一些美国抽象表现主义是纯的抽象，不以描绘具象为目标，通过点、线、面、色彩、形体、构图来传达各种情绪，激发想象，启迪人们的思维。其特点是：认为艺术是抽象的，是即席创作的。从技巧上说，抽象派最重要的前身通常是超现实主义。抽象派之所以能自成一派，原因在于它表达了艺术的情感强度，还有自我表征等特性。抽象派的画作也往往具有反叛的，无秩序的，超脱于虚无的特异感觉。
它是第一个由美国兴起的艺术运动，也是二战之后西方艺术的第一个重要运动，是战后漫长风格实验的开端，标志着一个新时代的到来。
康定斯基——抒情抽象派代表画家。他认为艺术家应该离开现实，从主观出发；艺术应该摒弃物质，转向精神，提出“伟大的抽象主义”以及“抽象的绘画是必有物象的更广阔、更自由、更丰富的内容”等论点。蒙德里安——荷兰几何抽象派代表画家。他强调，人类今天离开物质向精神方向发展，只有抽象形式才能避免个别性和特殊性。
M•托比在中国书法与印第安的艺术中寻得灵感，创作出用平面表现深邃时空的抽象画面，在狂热行动”中产生作品。杰克逊•波洛克，他最能显示这一风格在观念上和手法上的特征，其创作很有个性，方法是：“把画布紧绷在地上，围绕画布踏着舞步走动，并用棍棒占油漆，任其在画布上流淌。”以“行动绘画”的方式来表现绘画，这充分说明了抽象表现主义所要表现的是“最大限度的自由”，催眠状态般的专心致志和彻底的身心投入，是一幅画形成其“独立生命”的关键所在。他的代表作《熏衣草之物》中，我们可以领略抽象表现主义的精神。抽象表现主义理论不仅在欧美产生影响，而且在我国艺术界也同样有这种思想。天津美术学院的贺建国老师说：“我试图在两者之间寻找一种能够使天然契合的同构关系，就像音乐家能够借助一种乐器来演奏出埋藏于心底深处的歌。”
三、现实主义风格现实主义是法国艺术发展进程中一种独特的艺术现象,主要代表是科罗、卢梭等。他们描绘了普通劳动者的生活和斗争，此时此刻劳动者才真正走进艺术殿堂，成为绘画中的主体形象。由于现实主义艺术家的作品大多对所处社会的阴暗面进行揭露和批判，所以又被称为批判的现实主义。现实主义出现了不同的解释：“我们认为，真正的现实主义要具备两方面的品格：在内容上是关注现实和人生的，在语言上是写实的。只有这两种的统一才是完备的现实主义艺术。”现实主义既有原苏联占主流的社会主义现实主义，也有欧美艺术及采用写实手法进行创作的现实主义思想。
二战期间，现实主义思潮在世界范围内产生巨大影响。如法国出现“悲惨的现实主义”，意大利的古图索组织了“新美术战线”，英国出现了“厨房里的污水槽派”。
现实主义把艺术反映的基点放在现实生活之中，他们认为：昨天已经过去，今天就是今天，没有“明天”，当“明天”来到的时候，“明天”已成了今天。现实主义注重客观地、按生活原貌真实地反映生活。这种观点最早可追溯到亚里士多德在《诗学》中提出的模仿论，他认为艺术要按现实本来的面目去模仿。文艺复兴时达•芬奇也指出：“拿一面镜子去照自然”，“按照自然规律来创造”。18世纪狄德罗更具体地提出，艺术是真与美统一的观点。二十世纪以来的西方现实主义美术,适应了现代社会人们的需要，创造了一批可以列入人类经典文化的作品，其思想倾向颇值得研究。
关键词：新艺术运动；现代主义设计；设计理念；实质；设计形式
中图分类号：K206文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）12-0103-01
一、新艺术运动
新艺术运动兴起于19世纪末，跨越近20年，涉及到整个欧洲和美国的一场艺术运动。新艺术运动影响到所有的艺术领域，包括建筑、家具、服装、平面设计、书籍插图以及雕塑和绘画,而且和文学、音乐、戏剧及舞蹈都有关系，是设计史上一次非常重要的运动。
二、现代主义设计
现代主义设计是20世纪20年代前后，在一些国家同时出现的一种新的设计思潮。经过很长一段时间的发展，成为完善成熟的设计风格。对于现代主义设计，有几个重要的特点，即功能至上，简单的几何造型，经济实用，标准化，批量化等。
三、新艺术运动到现代主义设计理念的转变
由于社会的变革，科技的进步和人们审美价值观的转变等原因，设计观念必然要更新，新艺术时期像是一个积累量变的过程，到了现代主义则产生了质变。
（一）服务对象的转变
观念转变首先表现在设计服务对象的转变上。过去，艺术家要依靠教会、权贵资助，所以设计理念上多是为这部分少数人群服务的。随着社会的变革，设计师们就把设计的服务方向改变为广大消费者。新艺术时期的设计师大多都意识到了这一点，但他们仍坚持手工艺生产方式，客观上，使得只有少数人能够消费。
（二）思维方式的转变
现代主义设计兴起之初，构成主义和“风格派”把抽象的设计思维运用到抽象的设计符号中，发展成完全抽象的形式。 抽象的思维方式可以说是对传统艺术观念的一次很大的冲击。
（三）形式与内容的转变
新艺术初期，设计依然是以装饰为主，但由于服务对象的改变，导致设计必须要经济实用，于是开始偏向功能性。
四、新艺术运动与现代主义风格实质的关系
（一）新艺术运动的实质
新艺术运动的实质是什么呢？这样一句话来阐述可能更为确切：“新艺术运动是在欧洲传统设计观支配下，对日益程式化和矫揉造作的传统设计风格的批判，它试图求新求异求变，创造出适合时代的清新的装饰新风格。”
（二）现代主义设计的实质
现代主义设计运动兴起于20世纪20年代的欧洲，它是一场彻底的设计变革。它讲究设计的实用功能，合理性和经济性，要求大规模的批量化生产，采用简单几何形式，现代主义设计无论是设计观念上还是形式上都是新的尝试，就像为设计彻底做了一次大换血。
五、新艺术运动到现代主义设计形式上的变化
设计形式作为设计观念的外在表现，它随着设计观念的不断更新，成为代表一个时代特色的形象。设计由传统的工艺美术转向现代设计最直观的转变就在于设计形式语言的变化。
（一）写实化表现中的抽象化要素
新艺术运动时期，尤其是平面设计作品，体现出现代主义抽象的设计形式，如包含了大面积的黑白对比，明确的直线与优美的曲线完美的结合，把物抽象简化为一些大的体块，高度的抽象化、几何化，点、线、面是的构成要素等等。
（二）流线型潮流中的直线形结构
在苏格兰于19世纪末出现了在新艺术运动中独具特色的直线风格，直线形的运用是新艺术运动形式探索中的一大突破。它符合当时的机械生产水平的要求，是现代化生产的必然趋势。
（三）装饰形式上的纯净化造型
奥地利的维也纳“分离派”由霍夫曼等人所组创，他们比较崇尚“格拉斯哥派”的风格，设计作品的主要特点是功能主义与有机形态的结合。
六、结语
关键词：欧洲；绘画；流派
人类的造型艺术从古到今不同的时代形成不同的各具特色的艺术流派，并发展过来。下面浅谈从原始时代开始到20世纪的绘画艺术中形成的各种绘画流派及它们表现的方式和特点。
一、原始与古代的绘画流派
原始时代人类最早生活在洞穴里，把它们所看到的，受到影象的事和物，都画在洞窟的墙壁上，最早的作品可上溯到奥瑞纳文化晚期，原始家用粗壮而老练的黑线画出轮廓，并以红、黑、褐色渲染出体积结构。由于冰川时期的消失，气候变暖，人类的绘画活动逐渐转移到露天岩壁，从粗鲁的动物画转成人类的活动。当然，这时并不可能形成绘画流派。
随着奴隶制社会的到来，人类分成奴隶和统治者的两大阶层，奴隶们为主人绘画、建筑。古埃及的金字塔、狮身人面像、雕塑和墓穴壁画救赎埃及奴隶们的杰作。无论是雕刻、雕塑及壁画，当时都按固定的规律做成的。
古希腊的古风时期（公元前7世纪至公元前6世纪）是瓶画造型艺术的产生时代，情节性瓶画的类型就已确立。先后出现了三种风格：东方风格、黑绘风格、红绘风格。
1.东方风格是公元前7世纪瓶画的主要风格，出现了受埃及两河地区的兽首人身像、植物纹样等。
2.黑绘风格出现于公元前6世纪初，它是把主体人物涂成黑色，背景保持陶土的褐色，使形象轮廓突出，其代表作有“阿喀琉斯与埃阿斯玩骰子”等。
3.红绘风格出现于公元前6世纪末，它恰好是黑绘风格相反背景涂黑色，留下的主体部分是褐色，人物用细线来描绘。
古代罗马的绘画中，壁画与镶嵌画获得发展，从意大利的庞贝遗迹中可以看到多种绘画风格，比如用几何体作主题的壁画，从这上面能看到透视原理最初的影子。像这样的绘画风格被称为“庞贝巴洛克”。
从以上的例子可以看到随着人类意识的逐渐发展，绘画艺术也同步发展到各种流派。
二、中世纪与文艺复兴期呈现的各种流派
基督教合法，开始兴建正式的基督教堂，并把教堂的祭坛、墙壁、天顶用圣经题材的壁画装饰，中世纪的绘画艺术专门为基督教工作，所以被人称为“基督教艺术”，从公元13世纪开始欧洲的文艺界有了巨大的变化，到了“文艺和艺术的复兴”时期，实际上文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大转折点，艺术家们的思想开始挣脱精神上的奴役，被禁锢多年的古典文化又引起人们的重视。并在人们意识形态和文化的发展的基础上形成了与宗教神权文化相立的思想文化――人文主义。人文主义要求在思想、感情、智慧、创作方面解脱神学的约束。
虽然这个时期的创作还是用宗教题材，但把圣经故事用新的风格、新的方法表现了出来，呈现出了古典主义和浪漫主义的两大绘画流派及达・芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、马萨桥等顶级的艺术大师和他们创造的著作“最后的晚餐”“创世纪”“雅典学院”等优秀作品和绘画理论知识等，这是世界艺术库里的无价之宝。
15世纪在意大利的佛罗伦萨城，呈现出“佛罗伦萨画派”。这派的画家分成两类，第一类是马萨桥代表的，追求透视原理者，他们认为用科学方法画画比“表现形状美重要”。第二类是把哥特式艺术的传统和形状联合起来画画的人群，他们的带头人是波特切利sandro botcelliy（1444~1510年），他用装饰性的线条表现浪漫情调。
除此以外，还有翁布里亚画派和帕迪亚画派同时出现。
16世纪是意大利绘画的最盛旺的时代，产生了威尼斯画派。他们的作品里表现美丽的风景，田野里的爱情故事和美丽的女神，没有充满科学精神和哲理思考。其次还呈现了叫“多纳和画派”的艺术流派。
三、17~18世纪的绘画流派
16世纪后半叶艺术出现了衰退的现象，在意大利一些盛期的艺术大师相继谢世。这时兴起样式艺术，不过它是一个很短暂的、过渡性的流派。17世纪前半叶在意大利同时兴起了学院派艺术、巴洛克艺术和现实主义艺术。
1.巴洛克艺术：它是在罗马兴起的一种艺术流派，巴洛克（baroque）―词来源说法不一，比较正常的看法是：这个名称源于意大利语，包含有异性怪状、矫揉造作的意思。还有人认为这是葡萄牙语，意思是形状不规则的珍珠。总之，无论是雕塑、建筑、绘画都强调运动感、空间感、激情感，有时还带神秘感，雕刻和绘画多表现宗教题材。
巴洛克艺术中最突出的是肖像画，特点是用强调光和色彩的表现，用倾斜的线条，突破平面和平衡，表现出运动感。
2.学院派艺术：它是一种通过学院严格训练，师生相传，层层因袭而具有一种保守性质的绘画。欧洲的学院派艺术首先在意大利形成的。
学院派的基本主张是：要保持古代和文艺复兴盛期大师艺术的永恒性，把这些艺术看成是不可逾越的楷模，从此1590年在波伦亚产生了第一个学院。
3.现实主义艺术:在16世纪末17世纪初，与样式主义相对的一个艺术流派，这时的主要代表人物是卡拉Caravaggio（1573~1610）。当时也被称为卡拉瓦乔主义，卡拉瓦乔主义影响了法国、西班牙、荷兰及整个欧洲，把现实主义艺术推向了一个新的阶段。
4.洛可可艺术：法语演变而来的。原意是岩石，或者贝壳。在形状方面具有装饰的风格。洛可可艺术在工艺方面的成就比绘画和雕塑的高得多，绘画和雕刻为从给宗教社会效力转向于为贵族效力。主要特点有：（1）基本用C型或S型构图。（2）构图轻巧，优雅、繁琐而矫揉造作。（3）颜色鲜艳，协调而自然。
5.荷兰派：它继承了15、16世纪尼德兰民族艺术传统，以写实、纯朴为其特点。荷兰派画家有：哈尔斯、鲁本斯、维米尔、维拉兹开基、伦勃朗等。
四、19世纪的各种绘画流派
19世纪文化，艺术的中心从罗马渐渐转移到了法国巴黎，并且在造型艺术方面取得了压倒一切的地位，产生了新古典主义、浪漫主义、批判现实主义、印象主义等绘画大流派及著名的艺术家与优秀作品。
1.新古典主义：随着法国大革命的到来，人们的思想文化意识上有了巨大变化，产生了对古典文化的兴趣。大卫（David 1748~1825年）和安格尔等杰出的徒弟是法国新古典主义的代表艺术家。
2.浪漫主义：19世纪人们受到文学的印象，掀起了对中世纪文学的兴趣，在绘画界里兴起了浪漫主义艺术。借里可（gerikault 1781~1824年）和德拉克洛瓦（Dilakroix1798~1863年）是著名的浪漫主义画家。
3.批判现实主义：19世纪中段艺术家们把视线转移到了外面，他们用自然风景、现实的生活做题材，兴起了批判现实主义艺术。
4.巴比松画派：是19世纪在巴黎出现的一个以描绘写生为主的画派，当地的画家们聚集在“巴比松”小镇，描绘自然景色的画家们被称为巴比松画派。
5.枫丹白露派：枫丹白露派画家融合了意大利样式主义与法国本土的哥特式传统，在宫廷内外形成很强的艺术潮流。他们重视线条的韵味，追求技艺的精巧完美，具有浓郁的贵族化气息。
6.印象派：印象主义绘画在19世纪七八十年代到达了鼎盛时期，它也是西方绘画史上划时代的艺术流派。印象主义画家以野外写生为主，他们走出画室，把所看到的事物真实地刻画在画布上，他们研究光对物体的印象，所以光照条件是主要的特征和内容，印象派画家有莫奈、梵高等。
7.拉斐尔前派：1848年在英国，有一些反对学院派陈规的画家们提出新的观点，认为拉斐尔之前的绘画才是真正的艺术，只有那些艺术才能挽救英国的绘画，这些画家后来形成了绘画流派，被称为“拉斐尔前派”。
8.哈得逊河画派：19世纪美国的哈得逊河沿岸形成专门以哈得逊沿岸风光的一群画家被称为“哈得逊河画派”，也被称美国画派。
9.巡回画派:19世纪在俄罗斯形成的画派。
五、20世纪西方绘画流派
20世纪西方国家兴起了一个具有先锋特色的绘画流派――现代主义或被称为“现代派”与传统美术完全相对的绘画流派。其中有“野兽派”“立体派”“未来派”“抽象派”“表现派”“超现实派”“达达主义”等现代绘画流派。下面介绍突出的一些流派：
1.野兽派和立体派：H.马蒂斯代表的野兽派是一种风格狂野、艺术语言夸张、变形而具有表现力的画风。
2.立体派：是由毕加索为代表的绘画流派，用块面的结构分析物体，表现体面重叠、交错的美感。
3.未来主义和达达主义：未来主义是在意大利兴起的现代工业科技的刺激下用分解的方法来表现运动的场面和动的感觉。达达主义是在第一世界大战时在瑞士兴起的，它反对战争，反对权威和传统。同时也否定艺术，否定一切。
4.抽象艺术：也可以称为非具象艺术。它的特征是缺乏描绘，用情绪的方法表现概念和作画。康定斯基（wasiliy kandinsky1866~1941）是典型的抽象画代表，他的画由点、线、面组成。他画的“点，线，面”奠定了抽象注意的理论基础。
5.眼镜蛇画派：这也是一个抽象的画派。受到诗词、电影、民间艺术、儿童艺术及原始艺术的影响，颜色鲜艳，方法自由的一种画派。
6.超现实主义：原本是一个文学运动，后来扩展至绘画、雕刻、舞台、电影等艺术类上运用。它的主要特征是，受到佛洛伊德的精神分析的印象主张放弃逻辑，以有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能，潜意识与梦的经验相融合。萨尔瓦多・达利（salvator daly1904~1989年）是这派的代表，《记忆的永恒》是最为有代表性的作品。
19世纪末在巴黎出现了一些不属于以上任何画派的画家们坚持自己传统画法进行创作，这个画派被称为“巴黎画派”。
20世纪西方除了以上的现代艺术画派，还有现实主义艺术一直在繁荣发展，现代主义和现实主义作为世界艺术道路的不同两端，但它们互相对立、互相否定、互相充实的生存对世界艺术的发展做出贡献。
总之，无论是原始时代的人，还是如今的现代人，无论是哪个时代的哪个艺术流派，它们表现的是艺术家自己的思想与感觉的重要艺术结构。
随着当代艺术不断发展，各种艺术形式蓬勃出现，建筑设计这一庞大的分支更是深受艺术观念的影响，社会上流行的各种艺术形式都会影响着建筑思潮的走向，建筑师在进行建筑的设计时都会借鉴当时艺术的主要形式，但是有些建筑师却走不出流行艺术的桎梏，简单模仿，没有创新，没有融合，而丢失了自己独特的地方，本文将论述当代艺术观念带给当代建筑思潮的思考和借鉴，希望可以给本民族的建筑师以启发，帮助建筑师更好的实现建筑设计与当代艺术、民族特色完美的结合。
当代艺术的重要流派
1.波普艺术
波普艺术，又被称为新达达主义，因其延续达达主义的艺术追求，大多数作品体现的是一种拼合组织艺术。波普艺术产生于商业文化背景下，是一种更贴近大众，因此更为大众喜欢的艺术形式，它们都努力尝试去抽象艺术，将其转化为表现强烈的符号、商标等。其灵感是来自我国的特色画种“锦灰堆”，即一种层层叠叠看似杂乱无章，其蕴含高深文化内涵的组合艺术，对当代艺术发展和建筑设计影响深远。
2.极少主义艺术
极少主义，顾名思义是一种追求简约的艺术流派。它表现在绘画方面，用极少的色彩和形象去画画来表现色与形的关系，简化一切与表现主体无关的东西，它高度概括事物的本质，简约大方的设计手法却可以保证本质完全的贯彻，因此，建筑设计运用极简主义，可以形成一种简单明快的视觉感觉，给人以整体感，几乎全部的设计师都会受到极简主义的影响，而建筑师的意识形态，又会表现在建筑设计上，作用到建筑的形式感上。
3.观念艺术
观念艺术，即思想艺术，是一种出现在西方美术界的艺术风格，具有写意性的特点，其创作灵感和意图可以清楚的反映出社会上一个时期人民的生活发展状况。观念艺术表现手段多样，主要是决定于艺术家自己的看法，即只要作者认为自己表现出的是艺术，他便会陈列出自己的作品，因此观念艺术家们摒弃艺术创作所需要的实体物质，而直接使用照片或者语言等其他方法来表现人的观念和精神状态。
当代建筑的艺术思潮
当代建筑艺术曾倒退到旧时代风格，那是因为法西斯主义控制欧洲时，热衷复古造成的，这一时期使得建筑设计难以突破复古倒退的方向，但由于对艺术的热爱，视艺术为生命的艺术家们还是坚持追求进步，按照先进的审美标准去进行自己的艺术创作，他们特别注意提升自己的艺术修养，且经常与其他领域的艺术家进行密切的交流，广泛对比思考不同的设计思维，精确的设计建筑物。
建筑师在进行建筑设计时还注意多元化的设计，融合当地的历史文化底蕴，结合吸收当地的风俗习惯，紧密结合民族独有的文化，深入了解挖掘当代的特色，了解人们的需要，满足人们的心理需求，和人们的思想、情感需求等多方位的需求，设身处地站在人们的角度上，从人们的利益出发，努力达到设计创新，形式、使用功能和建构技术的完美统一。在吸收社会上流行的艺术形式中，坚持民族特色，不固步自封，但不一味拿来，而要加以辨别，取长补短，有所变通。
当代艺术在建筑设计中的运用
1.波普艺术与波普形态建筑
波普艺术打破艺术和生活的界限，成功的实现将艺术和生活相连接，质疑权威艺术，造成了对传统艺术和现代艺术的思想冲击，建筑领域也涌现出了一批体现波普艺术的波普建筑，这些波普艺术在建筑设计上的应用主要表现在建筑物所具有的流行色彩、建筑物的视觉构成上。建筑设计师结合历史风格，同时又添加一些流行色彩，通过用非常绚丽强烈的色彩形成鲜明的对比，使其设计的建筑物具备更加平易近人的通俗观赏性。在结合立体主义时，建筑师设计的建筑物会将建筑物从不同视点观察到的对象重新组合在同一个平面上，这样的建筑物则可以突破传统视点的表达方式，刺激设计思维的发展。建筑师融合建筑透明性则不会对其他建筑或视觉元素产生破坏作用。
2.极简主义与极简形态建筑
极简主义摒弃主观加工，倾向让材料自身发挥本性的色彩，这样，极简主义在建筑设计上的表现更注重其内在的功能性，而拒绝视觉刺激，建筑设计本身需要满足实用、经济、坚固、美观这四个建筑要素，建筑师运用极简主义在建筑设计上，主要表现在实现建筑物与自然的完美结合，环境与生态的完美结合。
3.观念艺术与观念的建筑
观念艺术主张形式服务于观念，建筑师设计建筑物时，为了表现观念，主要产生了两种实践形式，一类是表现功能的建筑物，一类是表现文化性质的建筑物。建筑设计师借助观念艺术多变性和随机性的特点，融合前卫、运动因素，吸引人们的关注，通过各种艺术可能的存在方式，创造人们预期不到的视觉感受，让人们收获意料不到的惊喜，而且还可以帮助设计者表现和反思自己的设计思想。
结语
关键词：设计艺术学，20世纪前期；构成主义设计；中华传统文化；艺术传播；文化交流
中图分类号：J20文献标识码：A
早在1913年俄国构成主义设计运动就已产生，它是一个非常激进的、充满理想性与前卫性的西方现代设计流派。在艺术设计思想与表现上，它主要受立体主义、未来主义等艺术和西方现代科技等影响较大；在社会政治思想上，它主要受“十月革命”胜利前后的革命精神鼓舞，把艺术设计等与社会主义革命联系起来，为苏维埃政权政治和广大无产阶级劳动民众服务等。因此，先后产生了一些基本目标相同的艺术家、设计师和组织形式，从事构成主义艺术设计等创作。1925年以后，随着苏联政治、经济、文化意识形态的变化，这场运动的理想信条和艺术设计遭到了批评等而逐渐式微。但它在世界上的传播和对世界现代设计发展产生了积极的影响。本文讨论的重点是俄国构成主义设计在中国的传播和对中国现代设计的影响。
一
在中国，较早传播俄国构成主义设计等相关情况的文献是1922年黄忏华编述的《近代美术思潮》，此后至1948年的26年间，这场运动的设计思想观念等不断地被介绍进来，兹选主要文献，按照时间先后列表如下。
二
俄国构成主义设计运动是在俄国新旧社会剧烈变革的话语中发生发展的，构成主义者借助红色革命
文献名称1作者、译者1出版时间、机构1介绍的主要内容《近代美术思潮》1黄忏华编述11922年初版，1927年第三版，商务印书馆1该书介绍了与俄国构成主义设计关系密切的康定斯基的构图主义绘画艺术。康定斯基是俄国构成主义艺术运动的重要成员之一（P.46）《艺术谈概》1东方杂志社编11923年初版，商务印书馆1该书收录松山译述的文章，较详细地叙述了以塔特林等人为主的俄国构成主义艺术与设计占据主导地位，遭到批评和逐渐沉默等三个发展时期（P.49-56）《艺术之社会的基础》1[俄罗斯]卢那卡尔斯基著，雪峰译11925年初版，1930年再版，水沫书店1该书部分论及了构成主义艺术的思想与观念等。但作者站在无产阶级立场对其持批评态度（P.175、219、253）《西洋美术史》1丰子恺著11928年初版，开明书店1该书论述了以劳农俄罗斯为根据的、塔特林等的“构成派”和康定斯基的绘画由具象到抽象的变化。介绍了构成主义艺术的革命性与目的性和塔特林所造的“第三国际纪念塔”模型的造型、材料、功能，以及Kasak等其他构成主义艺术家的表现等（P.239-242）《艺术论》1[俄罗斯]卢那卡尔斯基著，鲁迅译11929年初版，大江书铺1该书作者指出了苏联成立之后，在文学艺术等意识形态领域里进一步强调文学艺术创作与工人、农民等人民大众的现实生活紧密结合的社会主义现实主义的创作原则，批评了构成主义绘画与设计等不能适应当时的社会生活实际需要等（P.27）《苏俄新艺术概观》1[日]尾濑敬止著，雷通群译11930年，新宇宙书店1该书论述了“苏俄”时期的革命文学、美术等发展、思想和代表人物与作品。论述了塔特林和“第三国际纪塔”等构成主义艺术设计受到的称赞。介绍了模型的结构并称赞“达德林所制的‘第三国际纪念塔’很有注重的价值”等（P.6、11、12、83）《艺术社会学》1[俄罗斯]佛理采著，胡秋原译11931年初版，民国二十二年再版，神州国光社1该书批评俄国构成主义艺术“不过是旧绘画底雕刻底艺术之死的过程上的一个阶段”。批评构成主义者是典型的技师、建筑家、金属工、木匠，即技术者之存在。“构成派其必然结果必定抹杀旧意味之艺术家”等（P.397、398）《西方艺术史》下卷1[匈牙利]马查著，武思茂译11931年，开明书店1该书在“工业主义时代中的建筑”中提到了“西欧构成主义底发端”、“构成的机能主义”和“构成主义的形式主义”、“出路”等，应该包括俄国构成主义建筑等在内《苏俄艺术总论》1[俄罗斯]弗理曼等著，克己译11933年，国际书局1该书包括苏俄时期的文学、戏剧、电影、绘画、雕刻、建筑和音乐等内容，较全面地论及了俄国构成主义艺术运动的各个艺术门类《近世美术史概论》1[日]坂垣鹰穗著，赵世铭译11933年，女子书店1该书论述了革命后俄罗斯新时代的美术，最为显著的是在建筑和舞台艺术设计方面，以塔特林的“第三国际纪念塔”为代表。批评这些都是极端地强调的现代机械文明的新试，过于空想，难以实现，并介绍了该塔的材料、结构和空间设计，以及舞台装置构成等（P.101-104）《东方艺术与西方艺术》1王云五、李圣五主编11933年，商务印书馆1在该书收录的婴行文章中引用了康定斯基绘画构图理论，认为他是现代新兴艺术的“构图派”的倡导者。说书法是东洋特有的美术，这“是现代俄罗斯的康定斯奇（基）的构成主义的‘纯粹绘画’的一种”等（P.113-117）《苏俄画坛近况》1K.Ksavtchenko著，常书鸿译11934年，《艺风》杂志，第2卷第1期1该文主要阐述了20世纪30年代苏联以表现工人、农民和社会主义第一个五年计划为主的建筑、宣传画等艺术设计发展状况。批评“在以缺少生命，过重理论的构成主义及无上主义等负荷着欧洲帝国主义时代所谓‘时式’（Mode）的后程”，对苏联时期的建筑等艺术设计的影响等《西洋建筑讲话》1丰子恺著11935年，开明书店1该书介绍了塔特林“第三国际纪念塔”模型的结构、材料和内部空间，以及塔特林的浪漫的计划，不得实施而退隐等（P.102）《舞台艺术论》1[英]戈登克雷著，赵如琳译11940年，动员书店1该书是一本关于19世纪末20世纪初欧洲戏剧舞台艺术装置设计的专著。对俄国构成主义舞台装置设计及对欧洲其他国家舞台装置设计的影响等，作了较全面的历史梳理（P.49-56）《西洋近代美术史》1范泉主编，钱君匋著11946年，永祥印书馆1该书部分论述了构成主义建筑的兴起和塔特林的设计作品，以及构成主义艺术设计的材料、色彩、制作工艺等在“第三国际纪念塔”、陶瓷等建筑、工艺美术上的艺术表现等（P.49、60、61）《论现代资产阶级艺术》1[俄罗斯]凯缅诺夫著，柏园、水夫合译11947年初版，时代出版社1该书在“两种文化的面貌”部分论及了构成主义绘画等，对构成主义艺术持批评态度（P.30）的浪潮在绘画、雕塑、建筑、平面设计和舞台装置设计等领域，进行打破传统、反对守旧，借助新思想、新材料、新技术等手段大胆革新与尝试，创作出了诸如由点、线、面等艺术语言构成的艺术设计作品，都是前所未有的思想创造。虽然随着革命形势的发展变化，特别是苏联成立后意识形态的激变等原因，构成主义者理想的、激进的思想与艺术表现被当时的有些人批评为“他们不是劳动社会的艺术家”，“他们是中等社会的堕落，中等社会的退化里的产物”①，批评他们是典型的技师、建筑家、金属工和木匠②等而被厌弃，但构成主义的设计思想观念毕竟是革新性的、前卫性的艺术创意创造，对当时及其后的苏俄和世界艺术、现代设计等变革与发展的影响都是积极的、进步的。
因此，20世纪前期俄国构成主义设计运动被介绍到中国，对中国现代设计发展也产生了一定的影响作用。譬如上表中丰子恺对构成派“主张用科学征服世界”、“积极的构造化的新创造”和塔特林《第三国际纪念塔》模型的材料、结构的介绍，钱君匋对《第三国际纪念塔》模型、革命后的苏俄工艺美术制作、构成主义的意匠两种倾向、含有构成派风格的装饰美的新意匠陶瓷器的抽象形态、几何学的面和线构成的装饰花样，以及“苏维埃式的色调”装饰的书籍封面、建筑、器物等作风的详细解读等等，都充分反映出了传播者的态度是积极的、热情的，对这场设计运动的思想、精神和设计艺术表现的理解是深刻的，反映出了介绍者希望借此促进中国现代设计的革新与发展的积极思想。特别是赵如琳译的《舞台艺术论》对俄国构成主义戏剧舞台装置设计的叙述尤其详细。譬如除介绍俄罗斯演出家“梅叶荷德于1905年在‘莫斯科研究剧场’”重复着法国印象派剧场的试验、俄罗斯画家Vroubel和Appohnary Vasnezoff等“受着俄国生活和民俗文学底感示”参与舞台装饰设计，以及“构成派的装置，于1917年大革命后为俄国工人的组织（如普罗文化剧场等）所首先应用”等历史发展外，着重阐述了构成主义舞台装置的空台、阶梯、只现骨架的门窗和装置的功能、构成的原因、工人阶级对奢侈装饰和古代样式的厌恶，以及金属、玻璃材料和构成派舞台装置在1920年代俄国得到普遍应用等③的介绍，不仅对20世纪上半叶中国戏剧、话剧和电影等舞台美术设计革新与发展有着积极的借鉴作用，而且对中国戏剧、话剧和电影艺术整体变革与发展，也有着积极的促进作用。
但较而言之，20世纪前期俄国构成主义设计运动对中国现代设计的影响较小，即不如同时期的新艺术运动、装饰艺术运动和“包豪斯”等对中国现代设计的影响较大。其原因既有介绍不足、引进缺失等弊端，也存着这场设计运动社会背景的特殊性和中国现代设计发展不足与社会环境制约等多种因素。
首先，从传播视角看，上表列举的介绍者们主要是把该设计运动作为近代西方美术史、思潮和西方艺术社会学的一部分介绍的。
尽管前者如松山、丰子恺、钱君匋等较详细地介绍了这场设计运动的作品、创作材料、造型、色彩等特点与风格和发展原因，尤其是赵如琳译的《舞台艺术论》专门从设计角度讨论了该运动的舞台艺术设计，但总体上看，他们在“大美术”观念中把这场设计运动作为美术史或艺术史的一部分介绍的，侧重点在于籍此促进以国、油、版、雕为主的中国“纯艺术”的改革与发展。特别是黄忏华、赵世铭、王云五、李圣五直接介绍得是康定斯基的抽象派绘画艺术，几乎就没涉及到他对构成主义设计的作用。后者的介绍实际上也是原作者把这场设计运动作为论述艺术与人类社会发展与变革关系的一部分，因此，介绍者的主要目的也是强调艺术对社会变革与发展的促进作用等，而非其艺术设计本体，这是这场设计运动对中国现代设计本体影响不足的重要原因之一。
其次，不少被译介文献的原作者和译介者的立场观点，对中国人接受这场设计运动的思想精神也是不利的。
譬如松山译述的《苏维埃俄国下的艺术》文章（原作者不详）和卢那卡尔斯基的《艺术论》、佛理采的《艺术社会学》著作，原作者对构成主义艺术、设计发生发展的叙述和对其思想、行为、艺术风格等的评价，显然完全从无产阶级劳动群众的政治立场出发，认为“其实这些艺术对于共产主义是完全相远的”，而把这场运动的设计思想、创意作为反面教材而加以批评、贬低，甚至非难等④。作为译者的鲁迅、胡秋原和天行等人的序言、翻译表述的语气、态度，同样也是从艺术的社会革命立场出发，赞同原作者观念。譬如上文所引鲁迅等人在译文序言中，对原作者的生平、事迹和革命思想等褒扬等，即可见出鲁迅等译者所持的革命的政治立场。因此，这在一定程度上也影响了中国现代设计对俄国构成主义设计的学习与借鉴。
再次，从现代设计本体看，俄国构成主义艺术运动是一个非常激进的、充满理想性、前卫性的现代设计流派。
在艺术思想上受到了革新性很强的立体主义、未来主义等艺术思想影响，对现代工业文明成就和工业产品的结构方式与现代工业材料都有着较大兴趣，并积极利用现代科技、材料对艺术、设计的积极探索与创新等，为其兴起与发展奠定了基础。相反，同时期中国的社会经济、科技和现代设计发展都是很落后的。譬如传统延续下来的工艺美术设计与生产不仅不能适应当时社会的需求，而且在西方现代设计的殖民冲击中，几乎是一蹶不振。在现代设计方面，虽然在西方现代艺术、艺术设计的影响下有了一定的发展，但模仿多，创新少，新技术、新材料和新工艺缺乏等。因此，也影响了中国现代设计对这场设计运动的先进创意和艺术精神的深入学习。
最后，从社会意识形态看，这场运动是当时苏俄社会变革与新旧社会形态交替的特殊时代的产物。
关键词：现代主义；后现代主义；回归架上
中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）27-0061-01
一、埃里克·菲谢尔绘画产生的时代背景
后现代主义艺术是50年代以来欧美各国（主要是美国）继现代主义之后前卫艺术思潮的总称。后现代主义的含义十分宽广，被广泛应用于社会、政治、经济、宗教、科学、哲学、艺术等许多领域。
后现代主义无法单纯地被归纳为某个流派或某种风格，而是更多的被视为一种文化形态。当不断追求形式创新的现代主义完全衰落后，艺术家开始反思，并重拾画笔，回归到被荒芜已久绘画中，后现代主义不再像现代主义与传统具象绘画进行彻底决裂，绘画回归架上，后现代艺术超越现代主义对传统的偏见，勇敢回归西方传统具象绘画艺术，将传统绘画语言与现代主义观念融合回归架上的绘画已经超越以往的传统绘画，不管是具象还是抽象，无论是色彩还是造型，都促使架上绘画的新生。
直到20世纪80年代，绘画才真正回归西方艺术界的主流，它的成功意味着西方现代艺术努力尝试重新发现和运用绘画语言，绘画回归架上并不等同于传统具象绘画中再现外部世界，也不似现代主义在画布上不断消解形象。艺术家回归架上绘画是将传统的艺术样式与现代主义的各种因素相结合，画家更注重内在精神的表达，不像传统具象绘画满足于客观再现对象世界，而是倾向于对个体心灵和生活体验的直接把握，以表达自我为前提，用绘画手法表达对于艺术和世界的独特感受，用架上绘画表达对大自然的亲近，对社会日常生活的关注，并竭力消除艺术与大众的距离。展现出架上绘画的可能性和新方向，其中尤以埃里克·菲谢尔的绘画尤为突出。
二、埃里克·菲谢尔的绘画特点与启示
埃里克·菲谢尔也作为80年代美国新具象绘画的代表人物，他的油画作品可谓惊世骇俗，1948年画家生于纽约，是一个以绘画题材的独特取胜的画家，他善于用巨大的画幅来描绘现代人生理和心理的隐私。
从20世纪80年代菲谢尔的绘画开始出现在公众眼前，其绘画的特点可以总结为以下几点：
首先，在菲的绘画中通常有具体的形象，如《最佳西部》、《坏孩子》、等中有明显人物、静物以及生活场景的生动表现。他在运用具体形象的过程中，更多采用平涂的绘画语言和形式，这些较为写实的画面却触摸到美国现代社会里的混乱，人类精神空虚等深刻的矛盾和问题。
其次菲的绘画直接描绘生活场景，其画面题材都与日常生活有很大关联性，大多描绘现代人在都市中的生活情景，尽管画面中流露出自然随意的气质，却揭示出现代人的某些无法描述的心理压力和精神负担。他普遍采用巨大的画幅，画面的主体形象巨大，充满整个画面，而且形象是比较写实和具象的，题材经常是表现美国中产阶级的生活场景：在卧室里、在花园里、在路灯下、在海滨等，画面中的人物是随意的、自在的，画中场景大多是是隐私和私密的，有意或无意的观众反倒成了偷窥者。
最后，菲的绘画中的特点是平面化，他在吸收现代主义元素的同时，平涂的画面隐喻的是美国艺术家对现实社会的讽刺和不满情绪，以《最佳西部》等为代表，画家虽然采用具象的绘画语言，但不同于传统具象绘画中对于空间透视、明暗造型等严格的形体塑造，画面中的人物形象、环境更多流露出画家个人的精神气质。其作品中的隐喻是多重的、不明晰的，引人沉思。绘画题材的耐人寻味，与过去的现实主义和象征主义相比大有不同，画面中的隐喻让人着迷。
其绘画中更多的体现艺术家自我心灵体验，我们能够感受到他的作品中对都市生活之感望的宣泄，以及瞬间存在的状态；绘画作品中描绘出美国中产阶级的日常生活，通过对个人隐私的放大，画家渴望表现平静生活中的风暴；描绘现实生活中的黑暗面，揭示日常生活的残酷，给每一个现代文明社会的人留下沉重的思索；与都市生活中巨大精神压力下，扭曲的人类挣扎在信仰缺失、人与人、人与环境、灵与肉等精神问题。其绘画是在对现代主义艺术的反叛和吸收的基础上以具体的形象为依据，体现的是个体生命的价值与尊严，人生的悲苦与意义，人性的光芒与理想。他的绘画不再只是远离大众，变成个别人的智力游戏，而是以轻松诙谐的方式，吸引观者的眼球，成为可以引起大众思考谈论的艺术，埃里克·菲谢尔的绘画在现代艺术的基础上使架上绘画得到新的生命。
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