2012年是北京电影学院动画专业成立60周年、动画学院和动画学院奖创办12周年。第十二届动画学院奖延续以往“本土、艺术、原创”的主题，今年的口号是“动画人的舞台，跳出动画人的精彩”！动画学院奖旨在鼓励支持学生独立创作出优秀作品的同时，培育从大学生到身为动画人所具有的基本的专业素质；鼓励学生运用自己丰富的想象力进行试验性质的创作，并努力使作品具有更大的市场潜力。
动画学院奖激励作品创新
本届动画学院奖评选活动在延续以往“公平、公正、公开”的原则上，更加注重作品的创新性、实验性，对作品的商业成熟度提出了更高的要求。评审规模阵容强大，既有学界精英也有业界翘楚。评委们一致推崇有走向市场潜力的作品。第十二届动画学院奖共评出15个专业奖项和13个企业奖，奖项涉及动画创作的各个方向，充分激励和嘉奖有志的动画人才，为他们的动画成长之路树立丰碑。《我的小世界》以其多样而质朴的动画表现形式和轻松而灵动的音乐效果，获得了最佳短片奖，组委会称该片能让观众产生真实的回忆、联想与共鸣，情感真挚，是让人耳目一新的动画作品。
校企合作创建多元合作模式
在第十二届动画学院奖开幕式上，北京电影学院动画学院与华映星球、欧雷新宇、坤腾世纪、漳州师范学院、北京电视台卡酷少儿频道、《艺术与设计》杂志社等数家学校和企业建立战略合作关系，与动画创作、制作、技术、出版等行业创建多元化的合作模式，为全方位培养动画人才，走产、学、研的道路打下更为坚实的基础。在动画学院奖闭幕式上，《再见》《盒子》《愿》等15部作品分别获得了《艺术与设计》《数码设计》、蓝梦无限、欧雷新宇、鲜宇数码、坤腾世纪、万豪卡通、友邦佳通、华映星球、视友网、江通动画、爱画电影、迪生动画、421动画电影工作室、爱奇艺等机构设立的奖学金。
论坛讲座聚集行业热点话题
第十二届动画学院奖共有12个主题论坛和讲座，主题论坛紧扣当前动画教育和产业热点问题，围绕“产、学、研”全方位展开研讨。在令人瞩目的动画电影论坛和动画电视论坛上，《神奇世界历险记》《糯米的午餐》《摩尔园冰河世纪》三部影片的主创人员袁梅、沈永亮、刘可欣等业界精英悉数到场，并就动画作品创作展开交流和互动。央视动画有限公司制片人陈向农、北京电视台卡酷动画卫视副主任曾伟京、中央电视台新科动漫频道资讯中心主编王松，以及知名动画导演蔡博、于胜军、崔威、皮三、李智勇等在动画教育论坛上，就动画行业产学研一体化展开深入讨论，进行思想碰撞。
关键词：动画；分镜头设计；教学模式；实践能力
在动画专业教学中，分镜头设计是所有课程中关键的一环，该课程在动画教学体系中起到了承前启后的作用，以剧本创作为基础，进行分镜头创作，将普通的文字赋予生命，是将文字转化成画面的重要一环，从动画创作的角度上，已经进入了视觉影像的层面，影视动画分镜头设计基本可以体现影片的叙事风格，以及逻辑架构，影片节奏等等，动画的后续制作将会以分镜头台本为中心开展，所以“影视动画分镜头设计”课程非常关键。
一、“影视动画分镜头设计”课程教学现状
伴随着政府对动画产业的扶持，以及自身的快速发展，动画专业如同雨后春笋般在各大高校组建，由于动画专业在设计专业中的特殊性，以及初期动画人才稀少，众多高校出现了注重软件技术，轻视思维创新，所以众多高校的动画专业人才培养方案中，出现了大量的软件教学，比如Flash、AE、Premiere、Photoshop、Maya、3Dmax等等，加之动画专业中必不可少的专业基础课，例如三大构成、人体素描、创意色彩等，以及理论基础课，例如美学原理、中外电影史、动画史等。由此导致在大学四年中留给学生自主创作的实践课程少之又少。同时理论课、软件课、实践课相对独立，几个课程的知识点无法串联再一起。众多高校在讲解“分镜头设计”课程相对独立，仅仅画几套分镜头台本，并没有将剧本创作和分镜头台本以及后续的制作工序连接在一起，做出一套完整的动画片。导致很多学生并不了解画分镜头台本的重要性以及对整部动画片的影响，由于最终没有做出完整动画片，学生做的分镜头台本还停留在纸上谈兵的状态，很难发现自己的问题。
二、研究意义
将分镜头设计课程脱离原有枯燥单一的理论教学形式，与实践相结合，让该课程真正起到承前启后的作用，可以激发学生的创作积极性以及创意思维，从而认识分镜头设计在动画影片制作中的重要性，让学生从剧本创作到分镜头设计再到逐帧绘制，最终渲染出片。将整个动画制作真正落到实践中去，让学生真正了解动画制作流程，不再拘泥于书本理论，为以后走出校门，走进工作岗位，提供宝贵的实践经验。同时为动画专业学生毕业创作夯实基础和毕业论文提供理论。
“影视分镜头设计”课程教学分为三大部分，分镜基础、影片解析、设计技法、创新实践。分镜基础向学生介绍设计分镜头的基础知识，分镜基础是分镜头设计的根基，只有真正了解基础知识，才能实现创作。同时与学生一起解析经典电影，并找出片段提取镜头详细分析，让学生了解优秀的分镜头设计是怎样控制影片节奏的，最后实践创新将学生所学的理论知识，真正转化为成果。
三、“影视动画分镜头设计”课程改革探析
1.加强对课程教学教师的素质培养。由于分镜头设计课程在整个动画专业课程中十分关键，在动画制作中，分镜设计直接影响影片的最终效果，所以要求该课程的教学教师有较高的素质，不仅要对理论知识进行培养，同时也要提高鉴赏能力和实践经验，但是不得不面临的一个问题就是目前我国的动画专业的教师不是很多，所以教学水平普遍不高。若要提高教师素质水平，首先要更正旧教学方法和教学模式。摆脱单个课程单独教授的孤立模式，以实践为重，在实践的同时将整个教学课程串联在一起，要求教师根据学生特点定制教学实践，让学生逐渐摆脱教师，学会自主学习，独立解决问题，从而加强了学生的实践能力，减少对老师的依赖，让学生更好掌握动画相关知识和应用能力。
2.对课程安排予以改进并加强实践。动画专业与新媒体技术息息相关，在当今信息时代，媒体技术平均每两年到三年就会革新一次，而新技术通常会出现在动画公司中，不论是国内高校还是国外高校都很难做到技术的时时更新，但是动画专业要求的技术储配依然庞大，毫不夸张的说，动画专业的软件难度不比计算机专业差，正是由于动画专业的这样的特殊性，以及动画产业的迅猛发展，导致各大高校的动画专业忽略了思维创新，逐渐转化为干涩的计算机软件教学，在教学安排中大量的软件教学，加之动画创作需较长的制作流程，致使学生很难有时间创作完整的动画短片，而且软件教学与动画制作相对脱节，难以将新学的软件知识运用到动画制作中去。
在高校中的大学生已经具备了自我学习的能力和独立自主解决问题的能力，在当今的信息时代，学生无时无刻都沉浸在信息的海洋中，通过各种途径都可以找到自己所需的知识，在学生仅有的大学四年时间中，高校教师应将重点放在影视动画分镜头设计等思路创新课程中，以及引导学生实践活动中，通过影视动画分镜头设计指导学生多制作动画影片，而不是把大量的教学资源放在软件培训上，高校的学生已经具备了信息查找和自我学习的能力。
只有对课程安排进行优化，抛弃枯燥的软件教学，回到动画制作实践中去，动画专业中“影视动画分镜头设计”课程，才能起到承前启后串联知识点作用，否则该课程还仅仅停留在纸上谈兵的状态。
3.在教学中强调分镜头设计的重要意义。在长期的教学中，发现非常多的学生不注重分镜头设计，不了解分镜头设计的意义，甚至很多学生在制作影视动画的时候，直接跨过了分镜头设计的步骤，只有一份单独的剧本就展开制作。为了避免学生不重视分镜镜头设计，要在课堂中强调分镜头设计的存在意义。
分镜头设计是对影视剧本信息的进一步提炼，同时也是将文字视觉化的第一步。在一部优秀的影视动画中，每个分镜头都十分注重构图与色彩，运用不同镜头语言，会产生不同的视觉效果，产生不同的意义，在影视动画中，每个镜头都担负着传递信息的重要使命。
4.在教学中解析大师电影。所有的知识都是从实践中汲取的。向大师学习，解析经典电影，对于实践经验匮乏的学生来讲，是最迅速也是最有效的知识来源。解析电影不是简简单单的给学生放映电影，而是在经典的电影中抽取片段，对每个重要镜头进行详细的分析，让学生充分认识什么是分镜头设计，为什么这些电影片段会成为经典镜头，怎样做才能让分镜头设计更加精彩。同时带领学生解析不同种类的电影，让学生了解在不同种类的电影中，分镜头所传递的不同的信息，同时又可以提升学生的鉴赏水平。
四、结语
“影视动画分镜头设计”不应该仅仅是动画专业单独的一门课程，而是应该贯穿整个大学的专业教学，应以引导学生创意思维为重点，“影视动画分镜头设计”的成果不应仅仅是一份手绘的分镜头台本，一份纸质作业，而应该是一部完整的优秀的影视动画。
参考文献：
[1]《剪辑的语法》 作者：（英）Roy Thompson （美）ChristopherJ.Bowen 世界图书出版社 .
[2]《电影剪辑》 作者：（美）Gael chander 人民邮电出版社.
[3]《动画分镜头设计》作者：刘辉 孙文博 清华大学出版社.
整体课程结构需要优化
动画专业在进行本科阶段的人才培养时，大一一般是进行美术基础训练，比如素描、色彩、速写；大二是专业基础课程，如动画技法、动画运动规律、视听语言、动画概论等课程；大三是动画角色造型、场景设计、动画分镜设计、动画编剧、二维动画制作、三维动画制作课程；大四是动画短片创作、毕业短片创作。由于专业课程开设时间较晚，往往学生到大三才真正进入动画专业主干课程学习，动画短片创作往往就被拖到大四才进行，由于学生大四要实习、找工作、考研，所以学生难得有时间进行动画创作。往往是学了4年，掌握了动画部分工作的技能，但很少有学生能真正完成一部完整的动画短片。目前，课程设置较难实现让学生能从各个环节去设计一部动画片，所以课程结构要进行相应的优化。专业课程教学学时要减少，要增加学生实践教学课时数量，专业课程门类要减少，内容相似的课程要优化组合。专业课程教学应集中安排在大一大二，学生应该在这个阶段完成动画的专业技能学习，大三时间应留给学生进行动画实践，通过开设动画联合作业，让学生分组分工完成一部动画短片，学生把所学知识通过短片创作加以实现，提升学生实际动画创作能力，大四的时间可以留给学生做毕业创作和找工作。这样安排其目的是保证有充分的时间让学生既能学习到动画专业知识，更能运用所学知识完成动画片创作。
专业门类课程教学偏向视觉表达
在动画角色造型、动画场景设计、动画分镜设计课程教学中，教师往往强调该如何画、怎么画、画什么这些问题。造型技法训练往往是教师在教学中强调的重点，但往往忽略了造型、场景、镜头表达是要服务于影片整体的叙事表达，是故事情节的体现，造型表达是和整个影片的叙事密不可分的。割裂影片叙事，单纯地讲绘画技巧，是目前我们教学中进入的一种误区。
理论课程重视不足
现在部分高校在动画课程设置上，较多地安排了动画实践性课程，但动画及其影视理论课程开设较少，师生给予的重视不足。有些人认为动画是技术的艺术，是动手的艺术，动画理论学习无足轻重。动画理论课程设置少、学时少，缺乏相关影视理论课程。高等动画教育区别于动画职业教育，前者更强调培养有创新能力的复合型人才，而不是一个掌握熟悉技能的工人。在强调学生动手能力的前提下，应培养学生的创新思维，提高创新能力是高等动画教育的关键。培养高素质人才离不开理论教育，通过理论教育，开阔学生视野，提升个人修养和文化底蕴，让学生有丰富学识，能勤于用脑、善于思考。目前国内动画理论才刚刚起步，动画理论教学由于缺乏经典理论书籍和教材，在课程教学中也显得力不从心。但是影视理论发展较为成熟，在动画教学中可以引入影视理论教学体系，通过对影视理论的介绍，让学生逐渐掌握影视表现技巧和规律，再结合动画自身特点，动画理论教学是可以发展和深入的，这就需要教师在动画理论教学中多下功夫。所以高校在本科阶段动画人才培养过程中，要加大动画及其相关理论课程的建设。
需要“精”而“特”的办学模式
动画专业是一个综合的艺术门类，它现在已经是一个庞大的产业体系，涉及电影、电视、动漫、游戏、广告、展示等众多行业，动画的生产有着复杂工作流程和制作工艺，一部高水准的动画片可能是成百上千位工作人员共同分工配合完成的，所以动画是一门复杂的系统学科。由于动画涉及的领域广泛，高等院校在办动画专业的时候，一定要结合本学校学科优势，针对某一相关动画领域办“精”而“特”的动画专业，切不可走大而全的动画人才培养方式。比如北京电影学院动画学院立足电影学院电影专业的优势学科资源，着力培养电影动画高素质专业人才，经过几十年的电影动画教学探索，为中国电影动画培养了大量的优秀人才，其中不少学生在本科阶段就创作了优秀的动画短片，摘得了国内外知名动画赛事的重要奖项。
关键词：院线动画电影；产业链；票房；发展瓶颈
中图分类号：J992 文献标识码：A 文章编号：
一、国产院线动画电影的发展现状
动画电影作为中国美术片的重要类型之一，其发展历程可谓是在黑暗中摸索前进。1941年万氏兄弟完成第一部动画长片《铁扇公主》，道路漫漫已经走过了75个年头，从被局限到主动寻求发展，有坎坷也有喜悦。上世纪八十年代后，电视机走入平民百姓之家，传统媒体的介入，让更广泛的中国民众接触到动画电影，目标受众群体的数量从这一时期起进入爆发式增长。
这些80后、90后的目标观众，他们称自己为“粉丝”，对国产动漫有着多年的“情怀”，他们收获的观影乐趣，几乎完全取决于对作品的了解程度和热爱程度。如今，他们已经成长为动画电影市场的主力消费群体。这一群体的基数是庞大的，他们的消费贡献，可以帮助动画产业链持久地运转下去。经典“情怀”之作――《西游记之大圣归来》（后文简称《大圣》）收获9.56 亿元票房，成为中国影史上票房成绩最高的国产动画电影，它的成功正是粉丝电影的效应，也印证了目前国内拥有良好的动画电影消费市场。
但我国动画电影的产业链正面临着发展的瓶颈，低龄化的院线动画占据国内市场的半壁江山，无法满足全年龄消费群体的需求。同样以“情怀”吸睛的《我是哪吒》，豆瓣电影短评给出了“幼稚”的标签；低质量、低评分的影片依旧充斥着市场，仅2016年国庆档上映的四部国产动画电影中，就有三部票房成绩不足千万，其中《新东方神娃》的票房仅为20万元。笔者通过统计豆瓣电影短评，2016年前11个月的影片评分数据显示，国产动画电影评分低于5分的占58.9%，进口动画电影评分低于5分的占4.3%（10分制）。
二十一世纪新媒体的发展，从各个方面深入动画电影领域，无论是前期制作、宣传，还是后期发行、放映，从业需求量也随之增加，政府投入资金、制定政策来培养动画专业人才，填补行业空缺，动画从业人员数量增长显著。据2015年仅杭州地区的数据统计，动漫相关企业已达220余家，就业人数达1.8万，且仍在增加中。
中国动画专业从业人员的制作技术近年来也有大幅提升，与国外的技术交流也在不断加深中。早在2003年左右，中国动画人就开始在三维动画技术方面进行研发了，包括口型动画、模型制作等。梦工厂动画公司（DreamWorks Animation SKG， Inc.）作为美国排名前五位的动画公司，与中国合资组建了东方梦工厂，共同完成《功夫熊猫3》的制作。从侧面体现出，我国动画从业人员已能参与制作高水平动画作品，技术上已经得到了弥足进步。
二、国内外院线票房对比
作为一部成功的院线影片，我们除了探讨它的艺术性价值，还要看它的商业性价值。电影行业的主流运营方式，仍旧是需要人们通过购买电影院门票，来带动整个产业链的良性循环。《大圣》9.56 亿元的票房佳绩，保证了续集的顺利制作，为逐步形成具备优秀民族IP的系列片打下基础，横向带来更广的商业圈和更长久的经济效益。
近几年，国家大力扶持国产动画电影的发展，在政策上给予补贴，在竞争上限制进口片数量。根据《中国动画电影发展报告（2015）》中显示，2015年进入中国城市主流院线并完成上映的动画电影共计57部，票房共计超44.08亿元，票房较上年增长了45%.其中国产占43部，票房总计约20.54亿元人民币；进口占14部，票房总计约23.54亿元人民币。国产动画电影以约75%的上映总量，取得了约47%的票房成绩。
笔者根据2016年1月至11月票房数据的统计显示， 国产动画电影（由中国大陆独立制片）已上映39部，票房约18.34亿元人民币（D1）；同时间段内已上映的进口动画电影24部，票房总计约55.82亿（图2）。总体票房成绩国产不及进口动画电影，尽管刷新了单部影片最高票房，但仍有64.1%的影片票房低于1000万元，大部分低质量影片的产出仍是局限住中国动画电影的绳索。
图1 2016年1月～11月国产院线动画电影票房统计
图2 2016年1月～11月进口院线动画电影票房统计
数据来源：根据中国电影票房数据库（http：//）整理
三、国产动画电影票房的发展瓶颈
（一）投资方对动画产业认知的欠缺
我国的动画电影产业虽然前景巨大，但产业链的规模形成较晚，特别是国内动漫市场的盈利模式的不明确性，使得产业链断裂的风险较大。
首先，投资影响着影片的审美水准。动画电影中体现艺术性的宏大的场面，色彩的极至运用，制作精良优美的画面等等，都是需要耗费大量资金，如果投资金额不到位，直接影响产出作品的质量；其次，从长期投资方面来讲，很多投资方的功利心重于耐心，不敢扶持新人，某一种类型作品火了，就扎堆做相似题材作品。但是动画电影的商业性不仅仅体现在电影本身，由影片而引发的对周边衍生产品的市场范围也不容小觑。如果投资方能将目光放长远，对优秀的动画电影项目多一些信心与耐心，商业回报便不再是水中月、镜中花。
2016年票房破5亿元的动画电影――《大鱼海棠》，曾遭遇资金链断裂的问题。2013年通过影片资金众筹，最终筹得158万元，一度打破了中国众筹融资纪录，也因此引起了主流资本的关注，影片才得以再度重启，为十二年的“跳票”最终画上圆满句号。
（二）主流媒体对国内动画电影及受众群体的“歧视”
国内主流媒体对于进口动画电影的“偏爱”程度远大于国产，在新闻报道的数量上可以直观体现出。通过对百度新闻实时数据的搜索，对比2016年3月同期上映的两部影片的相关新闻的报道数量，国产动画电影《摩尔庄园3》相关新闻标题共计378篇，进口动画电影《疯狂动物城》相关新闻标题共计7950篇，新闻量相差21倍之多。
主流媒体对中国动画类型的认知停留在Cartoon（卡通）而不是Anime（动画），将动画电影的定义局限于青少年甚至幼儿（泛指14岁以下）影片。在一份由盘剑指导的中国动画受众调查报告中显示，在国产动画电影的受众群体中，小学生和成年人对动画的喜爱程度远多于中学生和大学生。
反观近年来国产动画电影票房，不论是2015年票房榜首的《大圣》，还是2016年票房榜首的《大鱼海棠》，都突破了低龄范畴。但相比而言，这两部片子更多针对的是成年人，而中国近些年却没有一部真正意义上的全年龄动画电影作品。反观日本动画电影市场，宫崎骏导演的《千与千寻》、《幽灵公主》等一度创造票房神话，之所以取得如此成就，不单是高超的制作水准，还因为他的作品是面向全年龄的，不论男女、老幼都适宜观看，这使得影片的受众群不局限于一个特殊的年龄段或群体中。
（三）发行方在宣传力度和宣传策略上的错判
随着经济消费水平的提高，搜索网络资源的人将会越来越多、低龄也越来越低、越来越普及。截至2016年12月的数据显示，我国网民规模达7.1亿，互联网普及率为51.7%，仅仅控制线下的平面广告宣传已经不足为道，未来动画电影的市场竞争，面对的是线上网络这个竞技平台。
特别是在影片前期宣传阶段，在上映前狂轰乱炸般的造“势”。迪士尼有一套完整的宣传体系，以媒体报道为主力，配合线下推广，通过实时动漫作品创作历程、展示作品细节等，来拉拢人气、提高受众的观影热情。相反，消极的宣传必然会失去一部分受众。
2011年《功夫熊猫2》在中国创下的5345万元首日票房纪录，2015年《大圣》首日票房1795.6万元。相比于深谙市场运作之道的梦工厂动画，在项目立项时就为未来的发行、排片做好了筹备；《大圣》的出品方是在后期才慢慢介入的，宣传显得弱势和“不作为”。《大圣》能取得较高成绩，离不开以网络为主要阵地的“自来水军”――通过个人观影影评，主动、自发参与电影宣传的方式。正是这种在国产甚至整个电影界都不常见的口碑营销，将《大圣》推到了广大观众面前。发行方如何在动画电影上映前期，正确的预估宣传力度并拓展新媒体宣传渠道，是打开影片市场的重要保障。做好面对全年龄段的精准宣传，便能在电影宣发营销上获得更高效、更具针对性、更好的优势。
（四）创作上的单一和粗糙
由于上世纪末中国动画行业的断层，我们只顾着吸收外国的动画文化，国产动画的原创能力也被逐渐削弱。就创作方面来说，国产题材不够丰富，思维模式受局限导致影片类型不够多元化。《狮子王》、《花木兰》、《功夫熊猫》等，这些贴着外国标签的动画电影背后都有中国的影子。
美国动画电影往往通过故事情节和精致的观影画面，吸引受众的关注。人们主动观看的最主要原因是打发时间和纾解压力、调节心情，真正被其画面、情节和配乐配音所吸引的人并不多，这说明国产动画在创作质量方面吸引力还比较薄弱，尤其以配音配乐为最弱项。[1]248
2015年上映的《汽车人总动员》其制作水平不尽人意，电影宣传海报有抄袭皮克斯《汽车总动员》的嫌疑。作为一部三维动画电影，有网友甚至评论其“动画效果还不如flash软件做出来的好”。豆瓣电影短评对该片评分，破有史以来的最低分―2.1分（10分制）。正是这样的一部粗制滥造的动画电影，该片475万元的票房难以覆盖1千万元的制作成本，诸如此类的低质量、高产出的影片，恰恰体现出了国内对动画电影品质监管、把控的不足。
四、总结
目前，中国动漫产业市场存在不良循环，中国动漫产业链不完善主要是整体环境的问题，投资、制作、宣传，以及围绕在中间的受众群体，任意一个环节决策的失误都会对整个链条产生严重的连带影响。面对好莱坞的强势“入侵”，国产的动画电影仍在艰难中前行。虽然发展的态势刻不容缓，但相比于2014年唯一一部进入“亿元俱乐部”的《熊出没之夺宝熊兵》（2.4639亿元票房），2016年已经有三部的提高，进口动画电影票房动辄上亿的目标也并不是高不可攀的。亿元突破不再是我们的终极目标，如何拿出更多秀的动画电影作品才是下一步路的方向。
这是一个最坏的时代，这也是一个最充满希望的时代。中国动画电影并有因为起步晚、发展一度缓慢而停滞不前，在追赶时代步伐的路上，必将摆脱瓶颈的束缚，让作品更多的提升到文化和艺术层面上来。低门槛的动画电影终将面临时代物竞天择的淘汰，行业监管的门槛也必然会随着发展而提高，无论历程怎样艰辛，但是这个行业仍旧有着无限的可能。
参考文献：
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【关键词】高校 动画专业 人才培养
随着动画产业的发展，市场对动画人才的需求越来越多，许多高校开办了动画专业，经过10多年的发展，动画专业人才培养已初具规模，形成了一批办学有特色的动画专业院校，为中国动画的发展提供了有生力量。由于动画专业教学还处于探索阶段，教学良莠不齐，在本科阶段动画教学中还有相当多的问题。笔者结合自己近几年的动画教学实践，谈谈对动画专业本科阶段人才培养的思考。
一、专业立足点需要调整
目前全国高等院校都开办了动画专业，大部分动画专业都设置在艺术设计学科下，基本上都是美术学院或者艺术设计学院在办动画专业。大部分人都把动画专业作为美术的附属学科，更多是用造型艺术专业的思路去培养动画人才。就这种培养方式来看，培养的动画专业学生美术功底好，学生在动画场景设计、人物造型、分镜绘制、原画设计上都能较好体现造型能力和艺术表现力，但在这种思路下大部分动画专业培养的是美术或者设计艺术人才，而非动画专业人才。
动画是以视听语言为基础的表达方式，所以动画不单是造型艺术，它涉及音乐、表演、文学、经济等方面，单从造型艺术去理解动画就太狭隘了。长期以来，我们培养的学生画画和设计能力不错，却缺乏讲故事的能力，学生在动画片的创作过程中可以完成基本的美术工作，至于整个影片叙事处理就力不从心了。
动画人才的培养是一个全面的过程，而不是单一美术技巧训练，更不是软件的学习，更看重的是培养学生动画视听表达能力，提高学生运用动画讲故事的能力。动画人才的培养和美术人才的培养是有巨大区别的，所以我们希望能培养属于动画专业的复合型人才。
二、整体课程结构需要优化
动画专业在进行本科阶段的人才培养时，大一一般是进行美术基础训练，比如素描、色彩、速写；大二是专业基础课程，如动画技法、动画运动规律、视听语言、动画概论等课程；大三是动画角色造型、场景设计、动画分镜设计、动画编剧、二维动画制作、三维动画制作课程；大四是动画短片创作、毕业短片创作。由于专业课程开设时间较晚，往往学生到大三才真正进入动画专业主干课程学习，动画短片创作往往就被拖到大四才进行，由于学生大四要实习、找工作、考研，所以学生难得有时间进行动画创作。往往是学了4年，掌握了动画部分工作的技能，但很少有学生能真正完成一部完整的动画短片。目前，课程设置较难实现让学生能从各个环节去设计一部动画片，所以课程结构要进行相应的优化。专业课程教学学时要减少，要增加学生实践教学课时数量，专业课程门类要减少，内容相似的课程要优化组合。专业课程教学应集中安排在大一大二，学生应该在这个阶段完成动画的专业技能学习，大三时间应留给学生进行动画实践，通过开设动画联合作业，让学生分组分工完成一部动画短片，学生把所学知识通过短片创作加以实现，提升学生实际动画创作能力，大四的时间可以留给学生做毕业创作和找工作。这样安排其目的是保证有充分的时间让学生既能学习到动画专业知识，更能运用所学知识完成动画片创作。
三、专业门类课程教学偏向视觉表达
在动画角色造型、动画场景设计、动画分镜设计课程教学中，教师往往强调该如何画、怎么画、画什么这些问题。造型技法训练往往是教师在教学中强调的重点，但往往忽略了造型、场景、镜头表达是要服务于影片整体的叙事表达，是故事情节的体现，造型表达是和整个影片的叙事密不可分的。割裂影片叙事，单纯地讲绘画技巧，是目前我们教学中进入的一种误区。
四、理论课程重视不足
现在部分高校在动画课程设置上，较多地安排了动画实践性课程，但动画及其影视理论课程开设较少，师生给予的重视不足。有些人认为动画是技术的艺术，是动手的艺术，动画理论学习无足轻重。动画理论课程设置少、学时少，缺乏相关影视理论课程。
高等动画教育区别于动画职业教育，前者更强调培养有创新能力的复合型人才，而不是一个掌握熟悉技能的工人。在强调学生动手能力的前提下，应培养学生的创新思维，提高创新能力是高等动画教育的关键。培养高素质人才离不开理论教育，通过理论教育，开阔学生视野，提升个人修养和文化底蕴，让学生有丰富学识，能勤于用脑、善于思考。
目前国内动画理论才刚刚起步，动画理论教学由于缺乏经典理论书籍和教材，在课程教学中也显得力不从心。但是影视理论发展较为成熟，在动画教学中可以引入影视理论教学体系，通过对影视理论的介绍，让学生逐渐掌握影视表现技巧和规律，再结合动画自身特点，动画理论教学是可以发展和深入的，这就需要教师在动画理论教学中多下功夫。所以高校在本科阶段动画人才培养过程中，要加大动画及其相关理论课程的建设。
五、需要“精”而“特”的办学模式
动画专业是一个综合的艺术门类，它现在已经是一个庞大的产业体系，涉及电影、电视、动漫、游戏、广告、展示等众多行业，动画的生产有着复杂工作流程和制作工艺，一部高水准的动画片可能是成百上千位工作人员共同分工配合完成的，所以动画是一门复杂的系统学科。由于动画涉及的领域广泛，高等院校在办动画专业的时候，一定要结合本学校学科优势，针对某一相关动画领域办“精”而“特”的动画专业，切不可走大而全的动画人才培养方式。比如北京电影学院动画学院立足电影学院电影专业的优势学科资源，着力培养电影动画高素质专业人才，经过几十年的电影动画教学探索，为中国电影动画培养了大量的优秀人才，其中不少学生在本科阶段就创作了优秀的动画短片，摘得了国内外知名动画赛事的重要奖项。
中国动画的发展，关键在于对中国动画人才的培养，人才的培养离不开学校的教育。作为高等院校要积极为中国动画的发展培养高素质人才。在教学过程中要推陈出新，要不断地完善本科阶段的人才培养，探索人才培养的方式和方法，切实提高本科教学质量，提高学生的综合能力。当大量高素质的动画人才不断地走向市场，中国动画才会走向繁荣。
参考文献：
一、国产动画电影的发展历程
上个世纪20年代至40年代是我国动画电影的探索阶段和萌芽阶段，中国动漫艺术的发展也处于初期阶段。第一代动漫艺术家万超凡、万籁鸣和万古蟾等人创作了第一部动画电影默片《大闹画室》、第一部有声黑白短片《骆驼献舞》、其他动画短片等13部作品。中国动画电影有机地融合了水墨画、绘画、建筑、雕塑、戏剧、民族服饰、皮影、剪纸、木偶、折纸和布偶等国内外民间艺术，参考中国传统文化和国外动画技术，借鉴其中经验，经过百余年的摸索前进，创新出具有中国文化色彩的艺术派别——中国动画学派。上个世纪40年代，万氏兄弟集团所制作的国产动画电影，也是亚洲首部长篇动画电影——《铁扇公主》成功上映，该影片在日本首映之后，极大地推动了日本动漫电影之父手冢治虫坚定地踏上了动画电影艺术创作道路。上个世纪40年代到60年代是国产动画电影平稳发展的阶段。在此期间，特伟所执导的《骄傲的将军》、靳夕所执导的《神笔》等动画电影，均为国产动画电影的开山之作。[1]1961年，我国首部水墨动画电影《小蝌蚪找妈妈》，甚至被评为全球动画电影的经典作品。在此之后，极具我国动画电影特色的剪纸动画电影、泥偶动画电影、水墨动画电影、木偶动画电影、折纸动画电影等纷纷出现，为我国动画电影掀开了最璀璨光辉的艺术创作篇章，其中很多作品也被全球动画影片领域评为“中国动画学派”之独特美誉。国产动画电影在全球电影节评选中多次斩获大奖，并在全球动画电影发展中名列前茅。
在上个世纪60年代末到70年代中期，由于受到的影响，国产动画电影发展面临着严重的停滞期。在此过程中，全球动画电影艺术借助于现代化科技的支持，得到了快速的发展，并将我国远远甩在了身后。1977年到1988年，随着国内经济的高速发展与改革开放的逐步深入，国产动画电影重新步入了快速发展阶段。1978年所诞生的首部动画电影长片——《大闹天宫》，成为当年“伦敦电影节上最具活力，并引发了轰动效应的优秀动画电影作品”，并斩获了伦敦国际电影节最佳影片金像奖。与此同时，我国制作的200多部优秀动画影片，诸如《哪吒闹海》《天书奇谭》《三个和尚》等等，屡屡在国际电影节上斩获大奖。而《九色鹿》《鹿铃》《抢枕头》《选美记》等一系列优秀动画电影，也在国内外收获了大片赞誉与好评。“国产动画学派”再一次焕发生机，并受到了全球动画观众的刮目相看。随着彩色电视的广泛普及，动画电影节目也纷纷开播。自90年代到现在，随着国际经济一体化的飞速发展及信息化时代的到来，国产动画电影步入了转型期。单纯的艺术动画电影开始以市场经济作为基本导向，各种基于赢利目地的“商业性动画电影”开始发展。这一阶段所推出的一系列动画电影，如《黑猫警长》《宝莲灯》《我为歌狂》《西游记》《魔比斯杯》等收获了国内观众的一片好评。虽然国产动画电影的发展起步并不算晚，也曾拥有辉煌的历史，但同国际动画大国相较仍存在显著的差距，国产动画电影始终未走出低迷状态。我国动画电影制作周期长、耗资高、制作时间长，所有动画长片中，只有《大闹天宫》获得了极高的赞誉和广泛好评，其他动画电影长片均未取得显著的社会、经济效益，多数观众反响平平，缺乏国外动画大片“震撼心灵”与心理审美的效果。为使国产动画电影尽快适应网络时代动画电影的需求，要求国产动画电影发展必须吸取国内外优秀文化之精髓，结合大众视觉文化审美取向，把握我国动画电影审美特征，尽量能够做到使国产动画电影深刻地贴近当代国人的审美美感、趣味、体验，同时加强国产动画电影的民族文化探索，方可满足全球观众的精神、心理、审美需求。[2]
二、“以静制动”的审美取向
在《中国动画史》上，将animation这一词译为美术片。有关动画电影的审美可谓大众文化娱乐之形式，是以赢利为主要目的，将时尚消费作为重要特征。动画电影animation，指的是“以绘画、动漫等造型艺术形式，对人物进行造型，对环境空间加以表现的一种手段”，属于非真人表演的一种电影艺术形式，它使得原本缺乏生命力的静态物像，获得了运动之轨迹。我国将动画电影称之为美术片，就是兼顾考虑到了其美术造型性和电影运动性审美特征。对于国产动画电影而言，其所展现的更多是运动审美的美感与趣味性，它借助于静态物体的描绘手法，塑造了静态运动之视听影像，使之构成了可视化的形象造型。[3]由于我国古代绘画中蕴含着丰富的运动、动感审美取向与意蕴，因而我国山水画中总是力图打破时空的阻碍，将审美取向与运动性的审美趣味、审美美感相结合，并加以融通，使人体会到我国绘画静态景物的动感，使人如活动于静止的画面上一般。宋代大画家郭熙在画论中谈及山水画，就提到了“山形步步移”之审美动态，他仿佛置身在大自然之中，尽览山川绿水、山人合一、水天一色之迷人景观，不禁使人感叹：“山水亦有灵，惊知己于千古矣！”只有深山遇故人，还能达以“心灵的完美契合”，人与自然的“天人合一”之美感、和谐方具有审美价值。
对于我国古代画家而言，其多注重观察“四时景观之差异”，找到“朝暮之不同”，善于探索时间之运动变幻。特别是古代山水绘画之中，对于静止画面时空变化之描述，总是有“生生不息”“气韵形象”之意境，而“以静制动”这一审美价值取向，成为国产动画电影艺术动感的基本特征，展现了绘画艺术的动感性，这一特征在首部国产水墨动画电影——《小蝌蚪找妈妈》中的体现尤为显著，该部影片结合我国国画大师齐白石的著名水墨画作为创作基础，不仅画面气韵生动而传神，而且具有美妙的意境，充分展现了国产动画电影独特的艺术审美特征。此外，我国绘画还实现了以形写意与写神之态，将自然之美与环境审美二者的意蕴与绘画所追寻的神似加以结合，这在国产水墨动画影片《牧笛》中，有显著体现，这部作品结合李可染经典国画作品所改编，将作品的诗情与画意，令人神往的鸟语花香之境展现在了电影中，虽无过于激烈的矛盾，但却多了其他动画影片中没有的乡村牧童、悠远笛音、田园梦幻，歌颂了自然之美，也使观众感受到了浓浓的审美趣味性，展现了我国传统审美之“以形写神”“写意以抒情”之手法。在多年的发展过程中，我国国产动画电影创作出了大批极具民族特色的优秀作品，充分展现了我国传统文化精神特征，还为全球观众呈上了一部部优秀的动画电影艺术之视听盛宴。由于吸收、借鉴了我国动画电影以往的经验与教训，在“以我为本，取外来元素之精华为我所用”这一原则的基础上，我国动画艺术创作者开创了我国独树一帜的、极具民族文化特征的“国产动画学派”，为基于我国传统文化创作风格的动画电影提供了重要的表现手段。[4]而国产动画电影的创编、制作也充分吸收、借鉴了我国优秀文化及绘画艺术元素，如我国优秀文学作品、神话寓言故事、民间趣味故事、音乐戏剧等等，也汲取了外来文化之精华，历经多年坚持与努力，开创了我国独特的动画电影文化产业。
三、国产动画电影形式美个性化的缺失
无论对于国产早期动画造型，还是日、美动画造型形式，都在极力地倡导个性化形式美，如早期国产水墨剪纸动画电影中所采用的“拉毛工艺”，是借助于特殊的纸张在撕裂之后边缘的参差不齐，用以获取一种同水墨风相似的艺术效果。如今受到商业化、市场化的影响，传统形式的国产动画电影，如《大闹天宫》等优秀动画表现形式已经难以满足观众的审美娱乐需求，加之日美动画文化及审美观念的冲击，导致国产动画电影不得不重新加以审视，如何在商业化的今天转变传统动画形式的同时，推动国产动画电影行业的快速发展，并进一步推动我国传统文化传播，更好地迎合大众审美观，成为摆在国产动画电影创作者面前的重大课题。[5]如今，国产动画电影艺术审美观念开始由崇高朝着主流方向发生转变，该转变表明大众文化取得了胜利，但也导致国产动画电影开始纷纷以日美动画美学形式为借鉴，受到商业利益的驱使，致使复制为特点的市场化成为我国动画电影行业的发展趋势。在这一趋势的发展下，国产动画电影美学形式由早期《大闹天空》《哪吒闹海》等优秀作品中流畅、劲气的国画式线条美，逐步朝着仿日、美动画形式美学的《梦回金沙城》等归纳式形式美转变，这不仅是造型形式的转变，也是非主流形式向主流形式发展的转变，是我国传统美学朝大众美学方向的转变，表明大众文化优势已占据国产动画电影美学之中心，该现象不能单纯地理解为传统美学形式的消失殆尽，或国产动画电影个性的丧失，而应理解为传统动画艺术与大众文化形式的交织融合与再次发展，也是国产动画电影探寻审美形式变革的必由之路。
四、视觉愉悦性的追求
在动画电影的创作中，实质上就是艺术创作者精心设计的虚拟意境的一个过程。在这样一个虚拟化的世界中，创作者能够尽情地将自我的创作的激情与审美情趣加以释放，而受到大众审美的要求，创作者不得不迎合其需求，借助于商业利益将作品加以传播，致使很多创作者开始忽视了影片的内容，过分关注视听刺激感与冲击效果，以满足受众所追求的视觉愉悦性。当前国产动画电影较以往任何时候都更为关注其视觉效果，大众对视觉愉悦的追求导致动画电影内容开始淡化精英艺术及道德、人文感召力，批判理念与民族特色，如《梦回金沙城》这部影片在制作时，聘请宫崎骏动画影片制作团队参与影片的制作，画面风格具有显著的宫崎骏动画电影审美特点，取材借鉴的是我国西南之景，宫崎骏动画影片对于画面细节的细致要求及色彩的清雅追求，为《梦回金沙城》这部电影赋予了视觉形式美感。无论是从人性内在艺术高雅的角度，还是从世俗崇尚的大众产物角度来看，国产动画电影都不从单一的某种艺术形式进行表达。近年来，我国动画电影处于追寻商业利润的阶段，并没有将动画电影事业的长远发展作为目标，泛滥化的大众文化是造成这一现状的主要原因。大众文化对动画电影审美观念和中国传统文化冲击力的发展具有重要意义，但它作为当代自然发展产物，必须遵循文化产业化的发展规律。尽管如此，中国动画电影也有成功的创作先例，将大众文化与中国传统文化结合起来，尽量满足各个阶层观众的价值观和审美趋向。在现代科技不断发展的过程中，人文关怀和艺术真理是时代不变的元素，充分展现人性之美和自然之道，重塑大众的价值观追求目标，保持创新精神和大胆思维，积极崇尚真善美，弘扬和追求更高层次的中国动画电影。
参考文献：
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主论坛关注动漫产业转型升级
本届高峰论坛主论坛将突显当前总局对动漫产业“转型升级、提升作品质量、实现良性发展”的政策方向，就如何使动漫作品的制作质量内容标准化、行业监管（企业、播出发行平台）规范化，营造公平竞争的环境，激发以市场为主体、本土文化为基础的创造力和竞争力，逐步使动漫产业发展走上专业化的轨道等方面进行深入探讨，并通过国内外成功案例分析，为中国民族动漫的腾飞出谋划策，引领方向。
届时，论坛将首先请国内最大的少儿频道――央视少儿频道的负责人，针对动画片如何选播及播出平台的运营情况、未来模式等方面展开“经验之谈”，发出“感悟之声”。同时，来自全球知名的美国迪士尼儿童频道和美国尼克儿童频道的两位负责人也将作为国外播出平台的代表，分享国外成功经验。深圳华强文化科技集团动漫创作中心总经理、动画片《熊出没》导演刘富源、北京电影学院副院长孙立军等业界精英，对如何提升动漫作品质量、打造精品力作及动漫创作等方面进行演讲。
揭秘世界级动画的诞生之路
作为全球知名的两大儿童频道，美国迪士尼儿童频道和尼克儿童频道是如何对其播出内容进行选择的？除了寻找合适的播出内容，他们又是如何利用自身优势和资源去制作优秀动漫内容（节目）的？来自美国迪士尼全球原创节目执行副总裁兼迪士尼儿童频道总经理Nancy Kanter和美国尼克儿童频道动漫系列片高级副总裁Rich Magallanes两位负责人，将为我们讲述其背后的故事。
来自世界各地海量的动画短片，无限的创意遐想，如何成为“造梦工厂皮克斯”、“迪士尼”的灵感，并被加工制作成为一部部举世闻名的动漫精品之作？动画短片的创意与动漫精品创作的关系是什么？来自“造梦工厂皮克斯”的皮克斯动画工作室制作发行总监Cynthia Slavens、以动画短片评选出名的荷兰动画电影节的主席Gerben Schermer、法国昂西动画节前主席Tiziana Loschi将亲自为您解答。
动画电影论坛探索动画电影升级之路
本次动画电影专场推介活动，将面向全国各大院线和影院代表，以及动画业界和媒体等集中推介今年即将上映的20部动画电影和项目。活动现场，主办方将《中国动画电影发展报告（2013）》，该报告以详实的市场数据和鲜活的市场案例，对中国动画电影在创作制作、营销推广、发行放映，以及海外市场和版权授权、衍生品开发等各个领域进行全面分析，填补目前国内在动画电影市场和产业方面研究的空白。
以“中国梦・动画梦――中国动画电影升级之路”为主题的动画电影论坛，将有国内外动画电影创作制作和营销发行放映等领域的领军人物齐聚杭州，共同探讨当下国产动画电影的升级之路，并将与好莱坞顶级动画电影人就中外合拍、合作等话题展开讨论。
[关键词] 动画剧作;故事;创新;趣味
“艺术电影是以文学,即电影剧本为基础的。因此,影片的高质量首先要以具有创作上真正的优秀的电影剧本为前提。”[1]动画片的要素构成与电影故事片基本相同,所以动画的剧本创作同样是基础,高质量的动画剧本是整个产业链和“品牌衍伸”中巨大商业、文化价值的源头,是极为重要的环节。反观我国动画创作现状,会发现在实践中我们常忽略剧本创作的作用,而将动画片的趣味建立在视觉刺激上,对国外动画外在形式语言的模仿俨然成为一种时尚,真正有民族文化内涵,让人记得住的动画片寥寥无几。可以这样说,动画剧本的质量很大程度上决定了动画片的成败,再好的美术造型、蒙太奇手法、声音效果都只有和剧本的叙事结构做到完美统一才能起到应有的作用,动画剧本的创作显得意义非凡。对动画剧作进行深入研究既是对目前尚显匮乏的动画理论的有力补充,也能起到指导动画的市场运作及动画学校教育的作用,具有较强的学术意义和现实意义。
一、我们爱看国产动画片吗
一部动画片受不受欢迎与该片剧本的好坏有着直接的关系,对此进行分析可以探视当前国内动画创作现状。先从1999年的《宝莲灯》说起,其选题自中国古代神话,以数字技术的采用和明星参与为宣传亮点,但过于“忠实”原作的剧情,造成剧情结构简单,先树立好与坏,然后好人历经磨难,最后战胜坏人的过程。再来看2006年的《魔比斯环》,数字技术应用为该片的宣传噱头,但片中西方人的面孔和似曾相识的情节让其票房惨败。反观同期的美国动画《功夫熊猫》,巧妙的构思、鲜明的人物性格、精彩的动作将中国元素有机地结合在一起,以诙谐、细腻的表演调动观众情绪的同时,又能以较准确的中国传统人文理念表达引发观众的心理共鸣,从而票房大卖,着实给国内动画上了生动的一课。两部国产动画力求改变,将技术创新视为了救命稻草,殊不知故事的趣味才是根本。动画中的人物、故事和语言都应该在剧作中就有完整而深刻的表达,尤其是对影片受众的定位以及主题的确定和题材的选择更应如此。可以这样说,动画剧作对动画故事中客观世界与创作者主观思想的完美统一起着决定性的作用,文学要素才是动画艺术的灵魂,要提升国产动画的质量,就必须以创新为手段,以趣味为目的加强动画剧本的创作。
二、创作有创意、有趣味的动画剧本
动画剧作实际也属于影视剧作的范畴,其基本构成要素可简要分为人物、故事和语言,是未来视听语言的一种文字表述。美国电影剧作家悉德•费尔德将其定义为:“它既不是小说,也不是戏剧……一部电影剧本就是一个由画面讲述出来的故事。”[2]
1.动画剧作的创意与选题
动画剧作的创意与选题可以强调一种现实性和可能性,更可以是虚幻性,因而,动画剧作的创意和选题的空间可以是无限的,这也为动画趣味的产生提供了无限的空间。
古人云:“凡作文之道,构思在先,亟将用心,不可偏执。”动画剧作亦如此。创意是指剧作者在充分掌握素材之后,利用艺术符号表达出完整艺术作品前,从思想内容和表现形式两方面来孕育作品的一系列定向的、创造性的思维活动过程。这里需要强调两点:一为素材的积累,这是创意的基础。动画剧本的创意构思总是先搜集素材,然后用有趣味的叙事方式进行整合,从而形成剧本的雏形,“长期积累,偶然所得”实则是简单而重要的因果。二为创新,这是创意的生命,也是未来作品的生命。“凡新的不平常的东西都能在想像中引起一种乐趣”[3],创新即产生趣味。但构思的创新并非毫无约束,须符合动画的创作规律和受众的审美心理,以此为基础在作品的立意、形象及表达形式(技巧)上有所创新。于1995年上映的美国动画《玩具总动员》就一改过去动画片扬善惩恶的主题,好坏分明的人物,将理想主义精神的宣扬转到研究和表现人性的灰色领域。片中通过对“胡迪”和“巴斯光年”两个玩具形象的拟人化塑造和挖掘各自心态的形成、发展及相互关系,形成新与旧,传统与现代的矛盾冲突,达到极好的戏剧效果。
动画剧作中的选题包含主题和题材。首先是主题的确定。通常情况下动画的超现实特性决定了动画创作中主题先行的构架方式,主题的明确需要剧作者提炼自己对人与人、人与社会、人与自然的认识,形成表达愿望,使其具体化,与此同时关注其伦理性、超越性和普遍性的人文特质。其次是题材的选择。适合需要的题材要能够表达作者的思想观念,这种主观能动性为题材的创新提供了基础。符合动画艺术形式特点的题材选择体现动作化、集中化和趣味化的特点,即选择富于动作性的人物及人物关系所构成的事件;选择简单的人物关系和单纯的故事主线;选择好看、好玩,具有一定意味,能引发观众兴趣的题材。动画本身用“假”相表现“真”相,趣味性的题材选择可以为动画的特殊表现手段提供更大的拓展空间,也可以满足受众好奇的心理需求。动画中的趣味往往通过神化和喜剧化的方式表现。神化主要是对人和自然的力量进行夸张,对力量的无限延伸想象实际是与人追求力量的原始欲望的暗合。喜剧化则是将正剧中的内容以诙谐的方式进行表现。人们在哈哈大笑的同时,各种象征和寓意也随之植入各自的心里,看似粗俗劣制,却是美国式思维的强力体现。喜剧化表现的作用远比制作技术和是非说教来得要好。
2.动画剧作中的形象塑造
歌德曾说:“人对人是最感兴趣的,并且应该只对人感兴趣”。观众对动画作品感兴趣其实是对剧中人物感兴趣,因而动画中的形象大多以拟人化的手法表现。动画形象的塑造不能仅仅通过美术造型关注外在形象,而更应该通过动作、语言和事件关注人物的性格,性格塑造才是形象塑造的中心任务。
如何创造出性格特征丰满的“圆形人物”①呢?首先要找出一个主要人物,从内在和外在两个范畴来探视他的生活,着力表现其性格的内隐和外显,然后将主要人物置于群体中,以现实关系表现内隐,以戏剧关系表现外显。人物性格的展示往往通过戏剧关系中各种冲突得以实现。动画《钟楼怪人》是这方面的典型代表:卡西莫多对主人弗洛罗是服从还是抗争的内心冲突;弗洛罗对艾丝美拉达与卡西莫多的迫害形成了性格与性格的冲突;卡西莫多将代表黑暗神权的弗洛罗推下钟楼则形成了性格与社会环境的冲突,三种性格表现方式的重叠、交织使动画形象性格丰富而生动。最后需要的是一些文学技巧,如肖像描写、动作描写、心理描写和语言描写等。而心理描写对性格的塑造更为直接,古人说“言为心声”,可见语言是展示人物性格特征的镜子。动画剧作中对人物的肖像、动作、心理和语言进行夸张而细腻的描写,既展现人物的外形,也可以呈现出人物心理和思想感情等内在活动,还能完整展现人物与环境互为作用的关系,从而在塑造出丰满的动画形象的同时找到观众的兴趣点。
3.动画剧作中的故事、情节与结构
“有好的故事就可能有一部好影片。”[4]剧作中的故事是被讲述出来的故事,是以作者价值观为基础对生活中的事件进行选择,然后组合到特定时间和空间内得到的结果,我们称其为叙事。熟悉并把握了叙事理论及规律的剧作家才能把故事讲得更加生动,更具有情趣与意味。动画故事大多是虚构的,多使用传统戏剧结构,即围绕相对集中的一个矛盾冲突、一个事件来展开情节,因而故事的主线索显得非常单纯、明确,创作者可以有更多的空间来发挥想象,研磨细节的趣味性。
“情节,即人物之间的联系、矛盾、同情、反感和一般的相互关系,――某种性格典型的成长和构成的历史。”[5]对此,我们可以理解为情节是按照因果逻辑组织起来的一系列生活事件,或称其为性格历史的片段。在文学艺术层面进行认识的同时不能遗忘动画的本质:虚幻性,动画的本质决定其故事中的情节是虚构的,恰好是这种人物、事件、行为和场景的虚幻性共同营造出动画片中的陌生性情节,陌生产生好奇,好奇产生兴趣,所以“意想不到”应成为动画剧作中情节设计的目的。
故事结构的重要性是显而易见的,李渔在《闲情偶记》中就曾说:“凑成之功,全在针线紧密,一节偶疏,全篇之破绽出矣。”如果我们在动笔之前没有对故事的各要素进行组织搭建,形成一个合理的结构系统,就肯定讲不出好的故事。引人入胜的开端,饱满回环的发展,强烈震撼的高潮,令人回味的结局是搭建故事结构的追求,通过创意与细节处理在故事主链上适时添加“趣点”则可以在动画故事中达到这样的目的。
4.动画剧作中的语言
动画剧作中的语言就是指书写剧本的文字语言。以其形式的不同可以分为描述性语言、话语和画外音。
“他所写的字句并不重要,重要的是他的这些描写必须在外形上表现出来,成为造型的形象。”[6]即表述了这样的要求:对动画片中的构图、色彩、蒙太奇手法和音效进行全面的提示。这就需要描述性语言根据主次关系尽可能地具体和具有动作性,故多采用短句的方式,直截了当而不陷于繁琐。
动画中的话语包括对话及其附属形式:独白和画外音。“对话在有声电影中客观现实的组成元素和现实主义的基础作用是正常的,是无可置疑的。”[7]而这种现实基础必须有形象的性格所决定的动作及场景伴随,独白和画外音亦然。对身边幽默语言的收集及与动作的合理配合使用可以拉近与观众的距离,进而加强动画的趣味性。
三、结 语
1.动画剧作意义重大,应予以学科高度足够的重视。
2.动画剧作需要遵循动画艺术的规律,以简单的形式表现丰富的内涵,用有趣的方式讲述发人深省的故事。
3.动画剧作需要在继承传统文化的同时紧跟时代的发展,以表现社会价值观和关照大众心理为基础不断创新,确保动画原创性。
4.动画剧作人才培养应该纳入动画教育的范畴,以完善我国动画产业的人才结构。
毛姆曾说:“听故事的愿望在人类身上,同财产观念一样是根深蒂固的。”[8]所以,将好的故事讲好,就会拥有自己的观众。
注释:
① 英国小说家E•M•福斯特在《小说面面观》中将人分为两种――圆形人物和扁平人物。圆形人物指性格有多个侧面并有发展的人物。
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关键词：动画剧本创作；教学方法；改革；创新
一、剧本对动画的重要性
剧本是动画片的灵魂，是提供给导演和其他动画环节创作者的一张 “蓝图 ”。日本著名电影导演黑泽明曾经说过：“不好的剧本绝对拍不出好的影片来。”因此，决定一部动画影片质量的关键因素是剧本。
二、剧本创作教学应该注意的问题
1.以提升学生兴趣为基础
艺术类的学生文化理论基础相对较为薄弱，而剧本创作课程学习过程中，学生必须拥有一定的理论知识基础。而以教师为主体的传统的教学模式会严重降低学生的学习兴趣。当学生独立创作，采用传统方法通过文字表达自己的创作思想、主题时，常出现文不对题、词不达意的情况。在这种情况下，教师在讲解课程时，可以采用创新方法，通过引入实际作品来帮助学生理解理论知识，并鼓励他们以小组讨论的形式来分析作品，以培养学生的分析能力，并巩固其所学知识，既提高他们的学习兴趣，又让他们在实践中获得知识。
2.剧本创作课程教学应围绕主流动画来展开
动画可以分为主流动画和非主流动画，主流动画是指在影院、电视等传播媒体上播放的动画片，具有商业性和艺术价值。主流动画故事内容完整，节奏鲜明，能吸引大众的目光。
非主流动画是艺术家对动画进行新实验和对另类风格进行探索的结果，对剧本的要求相对较低，其受众的范围比较小。
由此可见，观众所接触的动画片以主流动画片为主。本文对剧本创作的探讨与研究主要围绕主流动画而展开。
3.围绕真善美的主题开展剧本创作教学
动画作品应当主动承担弘扬传统美德、讴歌真善美思想情怀的责任。从动画观众的年龄结构来看，青少年所占的比例较大。一部好的动画片，应是一位好老师。在动画剧本创作教学中，剧本创作须避免出现凶杀、色情、暴力、恐怖等故事情节，必须坚持把弘扬人类的优秀品质作为剧本创作永恒的主题。
三、剧本创作教学方法改革的具体措施
1.将电影理论引入教学中
在剧本创作教学中，一方面，要训练学生学会使用动画的思维方式来思考问题；另一方面，还需要运用电影的表现手段，引导学生树立正确的创作观念，因为动画剧本创作者不仅要具备文学素养，还要考虑声画结合的效果。
2.学会分析，激发创作灵感
剧本创作的灵感不是凭空获得的，要在多听、多看中探索剧本的素材来源，分析剧本结构与故事构思。教学过程中采取三部曲训练方式：第一步， 反复观看影片经典片段，从专业角度对作品进行反复解读，对每个镜头的内容、景别、雒娴鞫取⒕低吩硕方式、画面色调、声音、剪辑、节奏等进行分析，了解及掌握动画剧本的创作设置及构成要素。第二步，临摹特定影片段落，还原其分镜台本和文字剧本，加强学生在临摹中对影片的思考。第三步，剧本创作练习时应从简单到复杂，让学生掌握基本剧本创作方法。
3.学会观察，合理想象
想象力在我们的生活当中无处不在，教师在教学过程中应当积极鼓励学生勇于发挥自己的想象力，让想象力与现实生活紧密联系，为动画剧本创作提供新鲜的、原创的、符合逻辑的创意。
4.创作与演练相结合
动画的制作过程漫长且工作量大，教师要在短期内让学生理解自己作品的得失，采用让学生按小组表演并拍摄出自己的作品的方式来积累创作经验。在这个过程中，学生可以深刻体会动画剧本的特点，理解创作中需注意的内容，了解情节对白的设置方法，等等。
参考文献：
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