1创造情景，引导学生
学生作为知识的接受者，他们并不希望老师的讲解如课本一般枯燥乏味，仅仅去给学生灌输前人的总结。而他们希望的是教师能够作为在这个领域内的领路人，通过给他们创造出适当地情景，而他们能够在这个情景中发挥自己的主观能动性，自己去思考、探索、讨论和总结，在“山穷水尽疑无路的时候”能有人能够指点他们。所以在教学环境，教师需要针对讲解的内容以及学生的理解能力提出一些关键性的引导性问题切入，让学生们自己去探索和思考，通过讨论得出结果，教师再予以完善和补充说明。举一个简单的例子：在形状补间动画的原理讲解中，一开始，教师可以提出：同学们来说出自己喜欢的几种花的名字？以这样的问题引入课堂，一来可以让师生做到相互交流、活跃气氛的效果，二来呢可以给学生们留下悬念，让他们想：这节课的内容跟花有什么必然联系呢？让他们提起学习的兴趣。然后通过花来引出学习的内容，从而激发出学生对于创作的积极性。
2合理安排教学
动画设计的教师在安排教学秩序的时候，不应该局限于教材安排的顺序。而需要根据学生的实际情况做重新的调整。在调整过程中要按照内容之间相互联系的紧密与否以及由浅到深的顺序来教授学生新的知识，这样才能让学生每天都有新的收获，同时也能够渐进地培养出创造性的动画创作思维。
3提升学生分析能力
在动画课堂的教学过程中，教师要适当地设计一些有难度和探索性的题目给学生，让他们在课下自行去通过自己的努力来解决。这样能够让学生在探索过程中通过自己的学习来学会思考，做一个勤于思考和探索的人才，同时也能够提高他们对于问题的把握能力和分析的能力。在这方面我们可以举一个实际的例子来说明问题：在做图片导入的时候，对于导入的内容序列是如何有序进行的？或者，让学生通过自己动手总结出如何进行对水效的缩放效果更好。这些都是在平时教学过程中学生们不容易想到的，但是涉及内容又比较实用的问题，在提升学生整体的分析能力的同时还能够养成他们善于思考问题的习惯。这样在将来创造性的思维中就会更有素材。
4教材选取要有针对性
动画的创作相互之间都是有着很多共同的东西存在。教师在对学生讲往届学长的优秀作品时，需要选取那些有创造性的优秀作品，给学生们以参考。同时对动画创作中选取素材的方式进行系统讲解，让学生产生超越学长动力的同时，也能够懂得如何选取有意义的素材。
5竞赛精神
竞争能够激发学生极大的潜能。所以在教学的课余事件，可以适当地安排一些有意义的活动，中间穿插设计作品的竞赛活动，让他们根据现有的知识，充分发挥自己的想象力，创造出精美的作品。同时，让学生们相互之间进行投票选举，并畅所欲言地表达自己对于某一作品的看法，支出其中的亮点和不足。让学生之间相互学习的同时也给予了学生更大发挥创造性思维的平台。
6结语
由于多元化的信息膨胀和市场竞争的日益激烈，充斥眼前的部分平面广告呈现出缺乏创意、缺少艺术性美感、制作低劣等问题，影响着平面广告传播信息的效果和大众的视觉感受，形成一种广告资源的巨大浪费，影响广告行业的持续健康发展。而随着3D绘画艺术在我国的兴起和发展，其大大受欢迎的程度决定着这种艺术可以成为一种有价值的传播媒介，将平面广告设计与3D绘画艺术相结合既可以提升平面广告的艺术性，又可以增加平面广告的创意。因此，利用3D绘画艺术的媒介来传播平面广告是一种科学的选择。文章探讨了二者结合的条件、方式、意义。
关键词：
平面广告设计；3D绘画艺术
一、引言
包豪斯提倡艺术与技术的结合，可见设计与绘画艺术的紧密联系。除了使用文字，绘画是广告设计表现的重要形式，平面广告设计是利用绘画艺术的表现方式来传递信息而达到特定的商业或公益目的。3D绘画艺术，也称3D魔幻艺术、3D立体画艺术、3D错觉艺术，是一种创作在公共空间和公共场地的绘画，它利用画面的明暗阴影效果和焦点透视，巧妙结合公共空间而产生三维错觉效果，达到三维立体的空间体验。自3D绘画艺术传入我国起，在我国发展迅速，受到了极大的欢迎。3D绘画艺术具有强大的娱乐性、互动性、公共性、创新性、艺术性等特点，而这些特点正是当前中国平面广告设计所欠缺的，因此，将平面广告设计结合3D绘画艺术是提升平面广告设计效益，促进我国平面广告设计健康发展有效手段之一。
二、平面广告设计与3D绘画艺术结合的条件
1）平面广告设计与3D绘画艺术结合的可能性。前面提到，设计离不开绘画，绘画是设计的重要表现手段，3D绘画艺术是一种特殊的绘画艺术，是一种创作在公共空间的大型绘画艺术，因此，它可以成为平面广告设计表现的手段和方式。
2）平面广告设计与3D绘画艺术的共同点。首先，平面广告设计是通过绘画和文字的手段而实现特定的实用目的，它的画面包含绘画艺术的表现；3D绘画艺术是一种通过公共空间的绘画给大众带来乐趣的表现艺术，二者都包含绘画艺术的表现，这是共同点之一。其次，平面广告设计面对的是广大的消费者，因此它具有强大的公共性和大众性；而3D绘画艺术也是提供给广大的民众娱乐和休闲，是制作在公共空间的绘画艺术，其公共性和大众性也是显而易见的，这是共同点之一。再次，创意是广告的灵魂，平面广告设计和创意紧密联系；3D绘画艺术也是通过在公共空间巧妙创意的绘画才会产生神奇魔幻的3D绘画场景，因此，创意是沟通二者的共同点之一。最后，没有创造出美的平面广告是没有吸引力的广告，而美也是3D绘画艺术的重要追求，二者都具有艺术性美感，是共同点之一。除了以上共同点以外，还有其他的共同点，比如娱乐性、教育性、传播性等。这些共同点紧密联系二者，证明二者的结合是可行的、合理的、科学的。
3）平面广告设计与3D绘画艺术结合的实现条件。创作3D绘画广告的技巧和创作3D绘画的技巧是一样的，只是绘画内容和绘画目的发生了变化，绘画内容是平面广告传达的具体内容，绘画目的也很明显，不再只是单纯美观和娱乐动机，绘画目的是具体的商业和公益目的。因此，二者的结合需要平面广告设计团队和3D绘画艺术家团队的共同努力与合作。
三、平面广告设计与3D绘画艺术结合的方式
1、平面广告到立体广告的转变
将平面的广告变成有三维效果的3D绘画广告，立体空间感的把握是关键的。平面广告设计其实是在平面上表现的空间设计，它本身就存在着立体的空间，比如前实后虚、近大远小的空间对比和明暗光影的空间效果。将平面广告转变成3D绘画广告，需要将平面广告的画面搬到人流丰富的公共空间和场所，具体指公共场所的建筑、地面、墙体等，而三维空间效果的把握主要依靠加强广告画面的明暗对比、色彩对比、透视对比。
2、主题的把握
平面广告设计具有明确的广告主题和表达内容，实用性目的很明确，3D绘画艺术更注重视觉效果的把握，它的主题内容不是主要的，绘画技巧显得更重要。因此，平面广告设计与3D绘画艺术的结合就是用3D绘画技巧来表达平面广告的主题内容，明确的主题加上三维空间效果的广告画面立即将平面广告变成活生生的立体广告，在大众体会神奇魔幻3D绘画艺术的同时收获了画面带来的广告主题思想。
3、文字的增加
平面广告设计的画面主要由绘画和文字组成，而3D绘画艺术是单纯的绘画，没有文字，因此，在二者结合的时候，可以加上立体效果的文字，可以点明广告的主题，一目了然，这样有利于广告内容的传播，增强广告的效果。
4、互动性的创造
再有创意再绚丽的平面广告设计也没有3D绘画艺术的互动性优势，创作在公共空间的3D绘画艺术有亲近大众得天独厚的的条件，加上它的画面与公共空间的巧妙结合，创造出适合和大众进行良好互动的绘画场景，既给人们带来刺激和娱乐，又拉近了与大众生活的距离。平面广告和3D绘画的结合使平面广告变成具有互动性的广告，拉近了与消费者的距离，使广告传播变得更加容易和充满乐趣，使大众接受广告信息由被动变主动。
5、创意的结合
创意的结合是指二者内容创意的结合。广告内容的创意是决定广告胜败的关键，3D绘画内容的创意也决定着它的成败，二者的创意都不能缺少。创意的结合又是一个新的创意的创造，例如，平面广告中的绘画背景可以和真实的类似公共空间替换，广告中的人物可以留空让真实的人去补充画面等都是二者创意结合的例子。
四、平面广告设计与3D绘画艺术结合的意义
平面广告设计与3D绘画艺术结合的意义是多方面的，主要包括以下几个方面：第一，增加了平面广告的艺术性，广告画面完全由艺术家创作而成，3D绘画艺术所带来的浓浓的艺术气息是显而易见的；第二，增加了平面广告的互动性，互动性的增加是前所未有的，它能吸引消费者的注意力，拉近与大众的距离，使广告的传播变得更便利；第三，增加了平面广告的娱乐性，互动性的增加同时带来娱乐的功能，使以往静止的平面广告变得更加有趣，使消费者更乐于去接受广告的信息；第四，美化了城市环境，公共空间的3D绘画广告不仅增加了广告的艺术性，同时也给城市的公共环境增加了不少的艺术气息，一定程度的美化了公共环境；第五，增加了平面广告的创意，两种艺术创意的结合必然使人脑洞大开，给人带来无限惊喜。
作者：文明洁 刘雪梅 单位：中南大学建筑与艺术学院
参考文献
[1]清华大学美术学院何洁.广告与视觉传达[M].中国轻工业出版社,2003,2
[2]王受之.世界现代设计史[M].中国青年出版社,2004.
[3]符腾解析当前3D绘画[J].现代装饰（理论）
在动画片创作中，原画师设计的表演是通过银幕或屏幕间接地传达给观众，原画设计师的表演需要经逐帧的画面处理和导演运用蒙太奇剪辑手段才能完成。因此要求原画设计师的表演创作分解到24分之1秒（或25分之1秒）的画面单位。
动画片表演节奏的时间把握通常略快于普通影视剧作品。动画表演常借鉴喜剧影视片或音乐歌舞片中的表演，吸取舞蹈、杂技、哑剧等的表演技巧，通过对人物造型、表情及动作加以漫画式的夸张表演，以构思奇妙、节奏明快、动作夸张优美而见长。表演特点是善于运用灵活生动的形体动作。这种动画表演的艺术夸张基于对现实生活细致的观察和精心提炼，需要符合人物心理的逻辑发展；同时要求动画表演也具有一定得可信性或真实感。
表演是由演员扮演角色，通过演员的表演或人体动作、表情来塑造形象、传达情绪、情感从而表现故事情节的技巧。演员作为一个创作者，需要以自己的认识水平去分析与认识角色，以自己的创作方法和专业技巧去塑造人物，并且在整个创作的过程中把握着创作的方向。影视演员需要掌握和磨练自身的外部表现工具--形体、五官、声音、语言以及各种技能，并掌握一整套表达人物思想情感、内部心理活动表现的技巧，演员依据剧本，在导演指导下进行二度创作，将人的艺术形象从剧本体现到银屏上。
表演艺术的创作主要表现在独特的再体现和鲜明的性格化，又能形象而生动地表现出隐藏在剧本字里行间的深邃的作者意念，并对剧作的人物形象作有个性的补充和体现。这种再创作，就要求影视演员有一定的思想水平和较高的文化和艺术修养，只有这样具以较深的理解力，丰富的想象力和形象的表现力，从而达到演员与角色、生活与艺术的统一，体验（即内部）与体现（即外部）的统一。
在动画片制作中，原画设计师根据导演和画面分镜头剧本的指导，来了解分析动画角色，不但是为了使动作更流畅而参照自己的表演动作，更通过对角色的理解，通过设计师想象力体现出角色的生存形态，使动画角色性格特征层次丰富，不再简单、死板。
动画制作之前就规划出了角色性格特点和行为模式，编剧，导演，配音演员、原画设计师或是动画设计师都会对角色的塑造起一定程度的作用。而原画设计师是使角色“活”起来的直接创作者。
受创作手段的限制，即使动作设计再精细的动画片也无法达到像真人一样丰富细腻的表情动作，所以动画片中的表情动作是有一定程式的，是对人类真实表情与动作的高度提炼，同时经过夸张处理，使每种表情都有所区分，区分越细化表情就越丰富。比如动画制作中很重视角色面部动作的表情性，面部表情与言语表情的动作配合。人体的各个部位的肢体语言都能表达情感，而最重要的情感表达部位还是面部。面部五官表情虽然经过简化，归纳为喜怒哀乐四大类，但其组合变化微妙丰富。不同的情感，都能够通过面部的五官细微变化中准确地传达出来。原画设计师只有熟悉了其动作规律和变化特征才能展开角色表演情感的创作。
动画工作者仅仅掌握动画基本运动规律，创作出的角色动作符合运动法则，还谈不上是在创造表演。一个动画角色能活动起来，并不代表角色已经“活”了。要想动画片里的角色“鲜活生动”起来，关键在于角色的动作看起来具有自己的生命力，即使角色的动作看起来是受他自身意识得约束控制的行为，就是要通过塑造角色动作表演来体现其情感和思想意识活动。只有创作的角色动作中包含了根据角色性格和剧情需要的表演成分才能算是有了动画表演。
事实上再简单的角色动作，在运动过程首先都是思维意识的活动体现。比如，角色思想意识活动，外在最先表现出来的往往是目光和眼神，在处理动作时就要把握交待好眼神的变化，即视线的变化，这就是角色动作的心理暗示，角色的肢体动作都与眼神相配合。眼神的表现在动画表演中很重要，因为眼睛是心灵的窗户。再比如现实生活中的真实人物眨眼的方式和动画角色的眨眼动作完全不不同，动画中角色眨眼都是为了表演效果的需要。只有设计动作时有意识的塑造角色“心（意识）”到，才能“神“（眼神）到，然后动作才能到（位）。而经验不足的原画设计师往往容易忽略表现和交代这类重要细节的表演，容易把动作设计的类似机械式无意识的感觉。
奇麟笔认为在创作动画角色的动作表演中分两个层次：第一个层次把握好角色自然的物理性的动作原理，第二个层次是把握好角色内在主观的活动的反应。而后者经常被初学者忽略。
目前国内的3D动画往往最缺乏的就是“动画表演”的成分，经常把重点都集中在三维动画制作的人物模型、材质、灯光等效果设计上，或陷入“调动作”的误区，在角色动作表现上死板僵硬、很不自然。不懂动画表演，忽视动画创作的表演艺术特性，动画角色就如行尸走肉，失去了“灵魂”。
像把“挤压、拉长、预备动作、缓冲动作”等这些动画基本动作原理与“坐、卧、走、跑、跳”等这些运动规律做好的动画，只能算是动作顺畅的动画。要做到角色表演精彩的动画，就需要原画设计师仔细的挖掘角色性格和内心世界。动画片中的角色就是由动画师操控着的演员，演出着各种不同的悲欢喜忧。所以，做动画的人一定要先融入角色，通过揣摩出角色的心理情绪变化和动作差异，再将这种变化应用在对角色动作的设计中，这就是动画的表演。
动画属于影视艺术，原画设计师承担其实就是角色表演者的任务。动画的表演力就是赋予假定角色或虚拟模型以生命与灵魂，使它们像真实存在的一样鲜活和自然。这也是动画师的主要设计绘制工作。而动画表演的优势还在于能表现出真人无法表演的美感与效果，这也是动画创作很吸引人的地方。动画创作也是源于生活而高于于生活。动画表演以生活化为基础，并加以戏剧化的夸张美化及镜头处理等综合手段，将形体动态与感情传达给观众。动画设计师不仅须要有技术能力去控制动画角色的形态，还必须有关于把握动画角色运动节奏与时间的敏锐感觉和艺术表现力。
比如学习动画中基本的走、跑、跳是运动规律，在现实中由真实演员人表演不会有走、跑等的运动动态错误的情况出现。而动画来创作走、跑、跳就复杂多了，绘制者要具备有表现角色型态的美术造型能力，还要有了解运动规律，正确表现出连贯的动态的能力。奇麟笔在平时带片指导原画和教授原画课时发现，初学者和经验少的原画设计者往往把注意力集中在处理动作流畅与动作规律正确上，而容易忽视了动画角色特点、性格、运动动机、情节及环境影响表演层面的表现上。很多国产动画片不论角色男女老幼、高矮胖瘦，一旦走、跑、跳等运动起来，动作很明显都如出一辙，都是统一的教科书式的标准运动规律姿势模式。这都是由于绘制者不注意观察生活，缺乏生活体验，不去研究动画角色特点，忽略或不会善于动画角色表演的结果。
对动画表演的学习应该从学习动画创作之初就给予足够的重视。并将表演课程作为独立的学习内容纳入日常创作学习中。从模仿开始，多看多学，仔细揣摩角色性格与动作特征，逐渐摸索并体验动画表演的表现手法。动画设计师“表演”水平的高低，虽然部份取决于个人天赋，但更多的还是依靠后天的勤奋努力，平时留心观察，勤加训练，对自己的动画表演能力不断提出更高的追求目标，就可以通过动画表演水平的提升，提升动画片的整体表现力，为动画角色注入更多的活力。
对动作运动规律的理解与掌握只是动画师的基础必修课，真正的目标是如何将角色塑造绘制的有血有肉、有情，性格鲜明的展现给观众。做优秀的原画设计师也要具备文学、美术、电影、音乐、舞蹈、历史、地理、自然生物等多方面的文化修养和生活底蕴。这些对于动画创作来说都具有重要的作用。
作为动画设计师，业余时间应该多观摩各种优秀的电影、电视剧、舞台剧，参考学习知名演员的表演技巧，还要在日常生活中注意观察周围人群，不同年龄、不同性别、不同阅历的人群行走坐卧的姿态、说话的表情，行为动作的细节，都各不相同，要多多观察并切身体会。生活是创作的源泉，生活阅历越丰富，文化修养月深厚，将会对动画师的创作和发展带来很大的帮助和支持。
优秀原画设计师应该是出色的演技派表演展示才能，因为动画明星们的表情、动作、甚至对白语气都来自原画设计师的表演才能发挥。原画设计师们在创作前，往往要预先将动画人物的动作反复亲身预演多遍。找到动画表演中的感觉，在体验过程中体会、分析、把握动画表演中角色的情感、动机以及动作。而镜子就是原画设计师们观察自我表演的最便捷实用的工具。当遇到不易把握的动作和表情时，原画设计师会在镜子面前自我反复演绎多遍（奇麟笔在平时创作动画的过程中一直借助镜子做观查工具，也一直强调学生和跟片的原画设计使用镜子），以便于更真切地体会把握动画角色的表情和动作。还有一点要切记的是，原画设计师的表演也要有度，避免沉迷于自我表演情绪中不能自拔，反而忽略了动画表演对观众的感受。也还要注意动画角色人物性格的前后统一性，行为举止的一致性。
关键词： 艺术设计 三维动画设计教学 技术与艺术结合
随着数字技术的发展，三维动画影响的范围越来越广泛，尤其是受到越来越多的青少年的喜爱，通过计算机、网络、电影院等媒体观看三维动画片、提升生活品质也越来越成为普通人的需要。如何使三维动画设计在确保技术质量的前提下，最大限度地满足人们的视觉性、审美性、情趣性需求，成为一种新的设计性课题展示在我们面前。
一、现状分析及发展方向
我国的三维动画设计，还处于技术研究阶段，但发展极为迅速。三维动画设计之初主要是由计算机专业学生以计算机作为制作平台，通过计算机三维软件进行设计制作的，注重其操作性、技术性、功能性，以此制作的三维动画设计特效技术应用较多，而且受专业局限，在制作过程中往往套用国外模式，缺少新意与特色，缺乏美感和创意，缺乏设计元素与审美倾向，易使人产生视觉疲劳。
随着网络电视的普及，人们欣赏水平的提高，人们接触到的三维动画片越来越多，对三维动画片的质量也有了很高的要求，如剧本的创意设计、镜头设计、角色设计、场景设计、色彩的搭配等。三维动画设计平台也趋于多元化，诸如Maya、3dsmax、Rhino等软件的出现，极大地将三维动画设计推向了一个新的高度，因而近些年各大高校为了进一步满足人们的视觉、审美、情趣等方面的要求，纷纷在艺术类专业领域开设了三维动画设计课程。那么，如何针对艺术类专业学生上好这门课程，给学生提供一个设计平台，使其将创意、构思、构成元素、色彩取向、设计风格等系统地糅合在一起，是教授此课程的重要目的和内容。艺术类专业学生如何更好地发挥其专业优势和特长，这与教师授课模式的启发性、科学性、独到性有重大关系。
二、艺术类专业三维动画设计课程的教学模式
如今，三维动画设计的发展使民族文化的传播突破了传统的政治、经济、地域的阻隔，使三维动画设计延伸的范围、速度与效率都产生了质的飞跃。面对三维动画设计的迅猛发展，我国的三维动画设计教育却显得单薄而无力，多数艺术设计院校想开设三维动画设计的课程，但往往感到力不从心。如何在艺术与技术之间找到平衡点，这似乎成了三维动画设计的核心问题。三维动画设计作为一个全新的设计领域，没有照办的模式，没有从属和延续，但任何设计形式都有其规律和标准，经常看到一些三维动画设计的初学者在三维动画设计时便将艺术设计的语言和设计理念抛掷脑后，带着“技术”的枷锁，机械式地应用软件，完全成为“技术”的奴隶。因而艺术设计院校想开设三维动画设计的课程要强调设计原理在三维动画设计中的应用，并引用大量实例深入分析三维动画设计，让学生在学习中逐步形成一套系统的三维动画设计理念。
三维动画设计课程教学是一个循序渐进的过程，整个教学环节都是节节相扣、紧密联系的，每一个环节都有其重要性，只有这样按步骤进行，才能设计制作出一个较完整的三维动画片，才能够体现出艺术设计者的创作思维。诚然，在三维动画设计这个领域，没有三维软件技术的产生和迅猛发展，根本无从谈起“三维动画设计”。技术为设计创造了表现的基石，设计又根据需要不断地向技术提出新的要求，促进技术的发展。艺术设计院校要开设三维动画设计课程，就必须总结一套特别适合艺术类学生学习的三维动画设计技术，以便帮助艺术类学生解决三维动画设计的技术瓶颈。
1.从视觉美感入手
每个三维动画片都必须有其独特的创意设计，以吸引观众的注意力。人们对美的追求是不断深入的，三维动画设计不仅是把各种东西放上去，能看就行，还要考虑如何使观众更好地、更通俗地、更愉快地接受动画片里的信息。这就需要从审美角度出发，制作出清晰、有序、生动的画面，使观众欣赏三维动画片的过程变成愉悦的视觉之旅。艺术类三维动画设计教学过程中要引导学生充分考虑诸多设计元素对三维动画视觉美感的影响。（1）设计内容。①镜头设计。三维动画的镜头设计同影视作品的镜头设计有相同之处，它在三维动画设计中占据着重要地位。所谓三维动画设计，是在有限的屏幕空间上，将多媒体元素进行有机地排列组合，将理性思维个性化地表现出来，是一种具有个人风格和艺术特色的传达方式。在所谓的三维动画设计中，要考虑故事情节及创意等要素，每个镜头画面都可以当做静帧的画面设计来对待，其中每个静止的画面都是一幅完整的艺术创作，在此基础上引导学生将动画设置纳入其中，使两者完美地结合，取长补短，不能因其动态性而忽略设计要素和设计程序。②角色造型设计。角色造型是三维动画片中必不可少的元素之一，也是三维动画设计中的主要表现要素，所以三维动画片中的角色设计是重中之重，角色设计的质量将影响整个动画片的质量。教师在指导学生的过程中要从角色的性格特征、造型、服饰、色彩等方面考虑其重要性。③环境氛围的设计。在欣赏动画片的过程中，环境氛围是给人的第一视觉印象，色彩的选择直接影响观者的兴趣。在进行色彩选择时，应引导学生把握好以下因素：先确定主色调，有利于体现动画片主题，再确定辅助色，达到一种视觉均衡美。（2）设计风格。纯艺术性三维动画设计的创作，既可张扬个性，又可成熟稳重，商业三维动画设计的创作要准确地定位于欣赏人群，既可传统又可现代。教师要引导和启发学生根据自己的审美情趣和对三维动画设计的诠释来确定设计风格。总之，三维动画设计中的视觉美感的表现，体现在主题要鲜明，网页设计的形式与内容要统一，三维动画设计的整体关系要处理好。教师在教学过程中要着重强调三维动画设计中的视觉美感的表现，让学生们清醒地知道自己是以艺术设计者的身份在进行三维动画设计的，要充分发挥自己的专业优势和特长。
2.注重创造力和设计品位的培养
近年来随着政府的大力支持和扶持，我国三维动画设计技术的发展非常迅猛，三维动画片数量急剧增长。三维动画设计提供商的规模大小不等，从只有几个人的私人工作室，到多达几百人的设计公司，各种规模应有尽有，当然其设计水平也参差不齐。有些只能做简单的三维动画短片、三维动画商业广告设计，有的能进行大型的三维动画影片设计。纵观国内的三维动画设计水平并不容乐观，除了一些大型公司设计制作出了一些好的三维动画片外，鲜有意境丰富、技术精湛超越国外的三维动画片。目前，我们所培养的三维动画设计师已经落后于迅速发展的时代。美术科班出身的三维动画设计师，也许发现数月啃下的三维动画设计软件秘籍，用于制作三维动画设计影片时就如杯水车薪。而计算机、数字媒体专业出身的设计师，由于缺乏艺术创造力和设计技能，往往机械式地应用软件，只能从事浅显的技术劳动。所以，三维动画设计因其高技术含量而比二维动画设计更难。软件技能的掌握可能需要几个月，而创造力和设计品位的提高却需要潜移默化，非一日之寒。
三维动画设计对影视与艺术设计行业经济同时造成威胁和机遇。真正有魅力的设计是设计者的思想、素养、对艺术的理解及表现技术的综合体现。设计者只有不断增强交叉应用设计的能力及各种文化素养的提高，才能适应不断变化的时代。任何设计最终都为人所用，特别是三维动画设计的艺术表现，它既是传播文化信息的载体，又是传递美感的使者，这就要求艺术类学生学习三维动画设计课程时融会贯通，并可以根据实例举一反三，多行实践，将思想和物质打包，让全世界的人分享你的三维动画设计成果。
3.艺术与技术的结合
三维动画设计涉及造型基础、动画原理、色彩学、影视语言等方面的知识，还涉及计算机软件与编程语言方面的知识。技术为设计创造了表现的基石，设计又根据需要不断地向技术提出新的要求，促进技术的进步。三维动画设计涉及的内容要比二维动画设计复杂很多。三维动画设计对二维动画设计行业同时造成威胁与机遇，而且这种趋势将越来越明显，人们将把注意力更多地集中在如何整合各种不同的媒体上。真正有魅力的设计是设计者的思想、素养、对设计的理解及表现技术的综合体现。
目前大多艺术类专业三维动画设计课程的教学几乎是套用计算机类专业三维动画设计课程的教学模式，注重技术性，忽略艺术性。然而艺术类学生在技术方面远远不及计算机类学生，致使艺术类专业三维动画设计课程的学习仅仅停留在技术的表面，其结果是设计的三维动画作品既没有技术含量，又没有艺术含量。所以艺术类专业三维动画设计课程必须有符合其自身发展的教学模式，发挥艺术类学生的优势。艺术类专业学生已具备一定的美学功底与设计类的基础知识，通过专业的绘画基础与设计类相关课程的学习，已具备一定的艺术修养、设计创新能力、审美标准与思维能力，这就要求教师在教学中引导学生在三维动画设计中发挥其专业优势与潜能，体现出艺术类专业的特点。通过三维动画设计课程的学习，训练学生将相关专业知识运用到三维动画设计课程中，将创意、构图、色彩、功能等因素融合在一起，并注重视听语言与技术之间的联系，充分体现三维动画设计中的形式美与视觉冲击力的表现及传达，艺术类学生不要被三维动画设计中的制作技术牵制设计思想，因此教师要从设计上引导学生从美学角度来欣赏三维动画片，而不仅仅是拿它的技术含量作为评价标准。
三维动画设计者应该为自己生存的这个时代感到庆幸，因为信息时代为设计师们提供了得天独厚的发展环境。计算机技术的发展为设计师提供了得心应手的创作利器。而由多台计算机相连而成的集群渲染更具威力，它改变了设计师的工作方式与表现手法。三维动画设计师肩负着这样的重任。
本人多年从事动画专业的图形创意课程教学工作，始终把握该课程开拓视野、增强图形趣味性的关键前提，通过立体化的创意思维培养、专业化的课题训练及多样化的表现手段，使学生创意图形朝动态、立体、系列、多元的方向发展，为后期的动画专业课程学习和专业技能掌握提供积极的支撑。
一、创意思维立体化
动画作为创意产业，创意思维是重中之重，培养学生的创意思维能力也成为动画专业的图形创意课程的首要任务。在动画创作中，学生除了要具备必不可少的专业知识和软件技术外，图形的创意思维能力显得格外重要。图形创意是创作者智慧与个性的表现，反映了创作者思维的灵活性与独特性，它不应是一种单一的思维方式，它是集发散与聚向、抽象与具象、逆向与顺向等多种思维方式于一体，突破定势思维，借助想像、联想、理性与感性思维等方法，创作出虚拟与现实、技术与艺术结合的新颖独特的图形。因此，在课程教学中，教师应加强对学生进行立体而全面的图形创意思维能力的培养，指导学生通过立体的创意思维，创作出惟妙惟肖让人过目不忘的动画视觉效果。很多经典影视动画片，它的剧情与作品中所呈现出新奇的视觉效果，让人不由自主地爱上它，奇特的角色造型与画面意境，让观众久久不能忘记，现实与虚幻、淳朴与时尚、客观与意向的图形表达融合于一体，这就构成了动画专业创意思维的特殊性，在教学中绝对不可摒弃这方面内容。
在训练学生的立体思维教学中，一要注意故事性，教师可以从一个词开始训练，一个词的发散思维或几个不相干的词的串联，通过这样训练，创意出意想不到的故事；二要注意关联性，可以从一个抽象或具象的形开始，通过形与意的关联，推理或演变出后面一连串的关联的图形；三是突出立体性，通过一些课堂游戏，如图解词语而引发的猜词游戏都能很好地训练学生立体的思维方式。
二、课题训练的专业化
平面专业的图形创意课程偏重单一的平面化的图形创意设计，而作为动画专业的图形创意课程在教学中，不能完全摒弃静态的平面图形的创意设计，因为静态与动态、平面与立体，在视觉设计中不能截然分离，静态平面图形可以看成动态立体图形设计时空轴线上的一个截面或瞬间。
1.静态图形是基础
动画是“动”的艺术，是利用人的视觉残像，由一帧帧画面连续播放而形成，假如定格到每一帧，便是一张具有相对静态的画面，静态状态下对画面的构成、形的创意、色彩关系等等在动态下也完全适用。每一部动画片最初的美术设计部分都是从静态画面开始设计，如角色形象、画面场景、各种道具等等，可以说静态图形的设计是一部动画片的成败的基础。所以，作为动画专业的图形创意课程，对于平面静态图形的设计也是必不可少。
在这部分内容的教学中，可以适当借鉴平面设计专业图形创意课程的一些教学内容，如对抽象元素与具象元素的创意，特别是一些图形创意的方法，重点是分解与重构的方法。就是将两个或两个以上的图形分解打散，重新组合在一起，构成一个新的图形，它不是原来图形简单的叠加，而是一种超越或突破，形成新的视觉形象。正所谓“旧元素、新组合”，比如在中国经典大片《齐天大圣》中孙悟空与猪八戒的形象，曾创下27亿美元的美国电影《阿凡达》中潘多拉星球和生活在它上面的各种生物的形象，他们都是重构图形结合的经典案例。奥斯卡获奖作品《Your Face》，把头部器官全部分解重构，以一首歌作为串联，整个画面形象充满了创意，让人看后留下深刻印象。在图形的重构内容的教学中，教师可以从通过点线面的组合创意、几何图形的组合创意、偶然形的组合创意以及实物的组合创意而产生新的图形。
2.动态图形是重点
随着数字媒体的发展与传播，过去以静态为特征的图形设计悄然转变为以动态图形为主的主要传播形式，动态图形设计在我们的生活中已经无处不在。静态图形与动态图形不是两个互不相干的设计内容，按照维度上讲都属于两个维度，动态图形只是增加了时间维度而已，只有具备良好的静态图形基础，才能更好地进行动态图形的设计。什么是动态图形，在国内还是比较陌生，而在一些发达国家，已经提出来很久了，它是指处于电影、录像或者计算机动画这样的动态条件下的图形，它常出现在影视片子的片头或片尾、宣传片等环节。动画是一种充满想像力的艺术样式，不管是从创作来看，还是所呈现的效果来看，都是一门“动”与“画”的艺术，它所涉及的图形是活动的，所以动态图形设计必然成为动画专业的重点。动态图形并不是让静态图形与动态媒体简单相加，而是综合视觉、听觉、触觉、嗅觉等多种感官同时参与，不同的设计语言相互协同融会成新的图形，它必须考虑时间、空间与运动等方面的作用。在设计时，要运用要静态图形设计中的解构、重构等方法，把握好形、色在空间、运动和时间方面的关系，准确地传达图形所要表达的主题。
在这块内容的实训课题中，可以按照对动态图形的了解、动态图形时间与空间认知与设计、运动表现等方面来设计课题，从点线面、几何形体动态化基础设计开始，再进行文字的动态化设计、静态海报的动态化诠释，可以结合静态图形中的投影、渐变以及思维方法，进行动态图形设计，最后可以综合动态设计的时空与运动方法与规律制作一件有主题的动态图形作品。
3.立体图形是综合
在静态图形设计中，有很多平面设计大师，埃舍尔是其中之一，他擅长利用空间错觉、几何拼接、悖论结构等视觉原理和数学原理精心创作很多不可思议的“立体”图形，他设计的图形从“不可能”的角度出发，描绘了这个客观世界，给观众的主观感受造成了极大的冲击。上面介绍的动态图形，在屏幕上呈现出了立体效果，但都在二维空间里塑造的视觉假象。而作为动画中的图形往往会从二维空间走向现实空间，各种舞台剧、cosplay、动画衍生产品等等都让我们感受到了真实的立体舞台图形。所以，作为动画专业的图形创意课程，立体图形的设计也是很重要的。
在这方面内容的实训课题中，可以直接把平面图形进行模型制作，也可以是一个角色图形的变化设计，还可以是一个场景图形的真实与虚幻结合，通过多种材料，如泥材、纸材、木材、丝线、布材等，进行立体呈现。也可进行一些平面图形与立体图形互为转换练习，这在动画视觉表现上往往有很新奇的效果，现在的一些实验性动画中，经常就有这样的效果出现。如纸上的平面角色跳出、火车开出，或者立体图形突然转换为平面图形等。这样的课题练习，必须保留两者之间转换的过程，即保留一帧帧的画面，这样通过平面图形与立体图形之间的转换过程练习，让学生的思维更灵活而立体，从而使图形设计更合理而有新意。
三、课题表现多样化
在平面专业的图形设计教学中，表现手段基本上是以基础的绘、写、刻、印等为主，而动画专业的图形创意课程设计，除了运用以上这些基础手段以外，还必须充分运用现在的一些高科技影像制作的设备，如运用摄影、摄像来捕捉图形、收集素材，运用电脑平面软件处理图形、动画与后期软件编辑图形；还可以运用实验的方法，借助各种工具与材料，用自己的双手去实践。一般来说，平面静态图形部分可以通过基础手段去完成；动态图形部分可以借助高科技的影像处理手段去完成；而立体图形部分则是综合运用各种材料、各种手段才能完成。
关键词：网络动画广告；设计创意；情感表达；感染力
中图分类号：J524文献标识码：A文章编号：1672-3791(2015)11(a)-0195-02
动画广告已经成为了现代最为普遍和流行的广告形式。动画广告是一种独特的广告形式，以视听语言形式向广大受众传递出产品的信息，这种形式受到了消费者的广泛认可和接受。动画广告特殊形式不但反映出某些现实情境，而且也与广大消费者产生了情感共鸣。网络动画广告借助符号商品形象，将商品信息潜移默化的传递给受众，让受众在不知不觉就购买了商品。
1网络动画广告具有的优势
1.1直观的表达方式
动画广告具有显著的优势，完善了传统类型广告的不足。动画作为一种特殊的艺术，它能够将某些不显示的东西通过画面呈现到人们的眼前，将抽象的东西变得具体，是人类想象力和创造力结合的产物。在确立动画广告风格时，动画广告中的各方面都应符合产品特点要求，如：造型设计、广告剧本和广告语等。动画广告脱离了传统广告的模式，在设计广告中，就为广告设计提供出十分宽广的空间，在广告主题突出的基础上，在视角效果更是焕然一新，转变的形式多样。在动画广告设计中，将传统广告片子中引入卡通形象就是标新立异，再加上动感鲜明的形象和节奏，更加容易吸引起广大受众群的注意力。这些动画广告形式内容都是很容易弄明白的，受众群能够快速掌握广告信息。在广告之中与商品特性相符的动画形象，既突破了传统广告内容的限制，也让广告以和谐可亲的形象呈现给受众的眼前，得到了社会公众的普通认可和赞赏。动画广告将内容和形式完美的结合在一起，充分表现出动画广告的新鲜感和美感。但应注意的是，在设计广告中，新鲜感是其特别之处，采用独特新鲜感方式大力宣传和推广产品，进而激发起观众消费的欲望，是最直接的动画广告形式。
1.2富有较强的感染力
在动画广告中，将创意元素和视觉艺术紧密融合，采用艺术处理形式，会使动画广告内容具有很强的感染力。常用的艺术表现手法有联想、对比、比喻、夸张等。在传统广告中，图像画面很难以直接表达出广告主题，运用艺术表现手法作为动画艺术的普通规律，将会给广大受众带来更多的联想，并在动画形象之中，引导着广大消费者在不知不觉中就购买了商品。为了能够更全面将动画广告形象突出，适度的夸张或者变形的动画形象，都会让观众眼前一亮。适度的夸张，再加上独特的想象力，会让广告内容及形式都具有独特的魅力。
1.3较强的传播性
制作广告的主要目的在于传递产品信息，让受众群可以深入了解产品。但在现代社会经济飞速发展中，广告内容形式也越来越多，企业能够运用动画特有的艺术表现形式，使受众在了解产品的前提下，对产品性能有着更深刻的印象。应从整体上掌握动画在网络中的实际应用，绝对不能因为动画某种特性，就直接将动画作为产品宣传的对策，应给予广告创意者更多的空间和时间，以便其可以想象出更多的创意点子，在充分运用动画广告艺术特征的基础上，找寻出与产品相适应的艺术风格，确保广告内容与产品特征相符，这样才能被受众接受和喜爱。但同时应注意的是，在确保受众喜爱和接受的前提下，还需要保证广告内容的新颖性，如果毫无特色，或者内容老旧，那么也不会引起受众的注意，更谈不上让受众购买产品。
2设计网络动画广告的情感表达
2.1利用色彩设计表达情感
情感表达特性是网络动画广告光影色彩主要特征。在网络动画广告色彩表现分类中，光影色彩具备音乐、含蓄的特点，这种色彩可以不经意流露很多特殊的情感。但在设计网络动画过程中，设计光影色彩并不是单一模仿现实生活的光影色彩，而是要求设计工作者能够根据自身的设计思路和广告内容的内涵，进一步体现出渲染光影色彩气氛和揭示主题的功能。很容易看出，网络动画广告光影色彩具有多种作用，可以活跃画面、烘托情景和突出主体等作用，这种作用在完善网络动画广告作品中具有现实的意义。另外，动画广告造型色彩具备表达情感特性。在网络动画广告色彩运用中，能够以网络动画内容需求和动画风格为依据，确保不同的色彩造型可以获得到更好的艺术效果。在网络动画广告中，色彩具备识别形象的特点，无论是网络动画中的人物，还是动画中的场景，都可以通过大小和形状进行分辨，同时也能根据色彩进行分辨。对于文字来讲，色彩具有易分辨、简单、生动等特点，这与色彩可以给予观众直观的体验有着很大的关系，所以，在设计网络动画广告过程中，尤其在塑造形象角色时，色彩可以充分发挥造型作用，让人们准确掌握和了解人物形象和性格。因此，在设计网络动画造型中，网络动画设计者不但能够通过各种造型体现出人物外表，而且也能利用色彩彰显出人物性格，并利用色彩对人物进行分辨。
2.2把握受众群的兴趣爱好
消费者作为广告业主的主体。通过有关调查研究和表明，在我国3.8亿青少年中，将近有85%接触过动画产品。其中16岁以下的中小学生观看动画片的时间占到平时娱乐时间的19%，85%的大学生和高中生都认为动画片陪伴自己走过了整个童年，丰富了童年。但从现实状况上而言，网络动画广告确实对很多人有很强的吸引力，尤其是80后、90后，但随着他们走上了工作岗位，成为了消费主体，网络动画广告的形式和内容也唤起了他们对童年的记忆，显然网络动画广告也会受到他们的认可和追求。也正是由于这一点，在设计网络动画广告中，应把握年轻人的爱好兴趣，在创意上可以无拘无束、为所欲为，以加强动画广告视觉冲击力及造型表现力，从而创造出现代、别样、时尚的氛围，满足广大80后和90后追求刺激事物和新鲜事物的心理需求，以便可以达到预期的效果，真正吸引起更多人们的关注以及购买产品。
2.3采用逆向思维方式
广告创作工作者在创作艺术过程中，总会习惯利用常规性思维进行思考。在这里所谓的常规性思维指的是在动力定型的前提下，根据常常实施的规定展开一系列的思维活动。这种思维活动模式很多时候都是固定的，直接影响着广告创作人员对广告内容的创新。逆向思维又可以称为求异思维，是对某些固定事物反过来思考的方式，从而引导人们从另外一个角度上考虑和研究问题。在设计网络动画广告过程中，创作人员应采用逆向思维的方式，从问题的另外一种角度上进行考虑，可以从各个角度上研究事物，结合事物之间的关系，进行无限的联想，这样才能发现新的观点，得到新的创意点，制作新的广告形式，吸引更多受众的注意力，让受众群看到广告的第一眼就有一种想购买产品的欲望，这样的广告内容和形式才算是成功的、有意义的。
2.4艺术独特性的发挥
在网络动画广告中具备艺术夸张性，这一特性是实拍广告所不具有的。这就给予了广告设计者更大的想象空间，可以充分发挥自身的想象力，进行天马行空的想象。在创设网路动画广告过程中，创作人员应充分运用动画广告艺术夸张这一特征，探索到独具一格的艺术风格，确保广告内容的丰富性和多样性。另外，在网络动画广告中有多种新颖别致的表现手法，这些表现手法都是传统广告形式所不具备的。创作人员在实际创作过程中，应采用与创作主题相适应的表现手法，这样才能保障创作内容不偏题。在与主题相符的状况下，可以尝试着运用形式多样的表现手法，也可以采用其他广告形式的表现手法，这样在为受众带来一场盛大的视觉盛宴同时，也能激发起受众购买商品的欲望。从各方面上来讲，在创意方法实际应用中，设计广告者必须要考虑周全，既需要考虑到设计产品的深度，也要考虑到产品的广度。在网络动画广告实际创作中，要利用动画广告的特征和优势，争取设计出更多地与受众需求相符的广告。动画广告具有其独特的魅力，动画元素也会在影视广告中得到充分的运用，这样在无形之中使广告具有更多自由的表现手法，但在强化广告内容丰富性的基础上，也应注重动画元素特性的合理有效应用，如果把握不恰当，那么很有可能适得其反。
2.5找到别具特色的制作点
可以说创作艺术的一系列过程，是潜意识与艺术共同作用的过程。在意识主导的情节、主题、色彩等各种因素进行筛选及排列过程中，在组合很多次之后，都没有取得令人满意的效果时，大脑机制自然将心理活动层面向潜意识层面转换，也自然会结合自己的规律去探索和研究，并且也会想到在日常生活偶然经历的、不经意间看到的、没有引起注意的等相联系，在意想不到之间擦出火花，从而面临的问题也就轻松解决了。艺术创作人员通过在平日里的观察和积累形成的意识，可以在不经意间就与自身潜意识产生作用了。在生活中，观察生活的各方面，既可以帮助积累更多的知识，也能引导深入研究生活，从而激发起对生活的热情之前，但也正是由于对生活的深入观察，能够拓宽自身的知识视野，接触到更多新鲜事物。从各种角度上，设计者寻找各种创作思路，想出各种可以解决问题的措施。找到创意点，一般情况下，网络动画时长最多只能有35s，播放画面也只能有700×550像素。想要在这种有限的条件下，创作出具有无限可能的广告，就必须要找到别具特色的制作点。在制作者想要表达某种事件的主题时，在定位的基础上，突出重点和特色，这样制作出的广告形式和广告内容，才能在最大程度上吸引起受众的眼球，让人眼前一亮，给观看者留下很深刻的印象。
3结语
总而言之，动画在广告运用中有其独特的特色，在构造动画广告虚拟空间中，让受众体验到更多的新鲜和刺激，与平时接触的虚拟世界完全不同，更多的是由线、点、色彩、音乐和声音等互相作用的方式进行构建，这种刺激感、新鲜感和美感等都是传统广告无法媲美的。在传统动画广告设计中，虽然有很多不足之处，但是不能完全抛弃传统广告设计形式，应在在结合传统广告优势基础上，制作出别致的、新鲜的、吸引人的现代动画广告，这样的广告才能称得上是成功的广告。
参考文献
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[关键词] 原画设计 创造性思维 审美性 引领性
doi：10.3969/j.issn.1002-6916.2012.24.012
引言
“动画行业中的‘原画设计’是指原画设计师按照剧情的发展和导演的意图，完成动画镜头中角色的动作设计，画出一张张不同的动作和表情的关键姿势画面。因此，原画设计也可以被称为动作设计。”每个原画设计者根据角色的特点和情节的需要做各种各样的活动，然后用绘画的形式去把它固定下来。原画设计者除了需要绘画功底扎实外，还要熟练掌握运动规律，并很自如地应用到动作设计中，了解所画镜头在整个画面分镜中的位置及角色的性格特征，拥有控制镜头关键动作的能力、整体思维能力和合理的时间安排能力，还有表演能力和超强的想象能力也是必需的。然而我们常常发现国产某些动画片中，人物的角色设定十分活泼好动，动作设计却过于生硬、简单，表演索然无趣，人物说话时，出现静帧，口型与对白不协调，画面效果呆板，看了前几秒，脑海中已经出现下一个片段的画面，这样导致观众们丧失了继续观看的兴趣。在设计人物动作时，如果我们总是选择一些常见的、简单的动作姿势或表情来完成表演，也就是使用常规思维来设计动作、表情，画面必然会显得无趣、毫无生气。怎样从我国二维动画中的原画创作长期形成的一种思维定势突围呢？
1.二维动画原画设计中的创造性思维与表达
从事动画片制作的时间越长，容易产生一些思维惯性，这又会导致一些误区，两者相互关联，原画技巧中简单的预备、缓冲往往有其深刻的内涵，它涵盖了自然界许许多多共通的自然规律。在原画设计中运用创造性思维，让动画短片更加具有魅力和艺术鉴赏力，这正是创造性思维的意义所在。
1.1打破传统束缚，运用新艺术手法
《金色的海螺》采用雕镂刻剪的工艺，使静止的刻剪形象变得栩栩如生，利用剪纸这一历史悠久的民族艺术表现形式来生动而完美地表现了原作的思想内涵。在动作设计上，动画师借鉴了传统戏剧的表演程式，融入了皮影，木偶等艺术表现手法的精华，色调五彩斑斓极具装饰性，创造出独特的画面效果和浓烈的民族色彩。该片在原画设计上突破传统和颠覆了传统思维，用一种新的艺术手法打破了观众对以往动画片中原画的看法，体现了人类艺术最基本的审美观念，具有鲜明的艺术特色和生活情趣。动画片《小蝌蚪找妈妈》墨色浓淡把握十分贴切，画面有韵律和层次感，该影片的原画设计不再是传统的单线平涂的效果，没有边缘线，意境优美，气韵生动，视觉效果明显比传统的单线平涂的动画丰满和有张力。
1.2逆向思维的运用
逆向思维是对司空见惯的似乎已成定论的事物或观点反过来思考的一种思维方式。我们要敢于“反其道而思之”，让思维向对立面的方向发展，从问题的相反面深入地进行探索，以“出奇”去达到“制胜”，往往有意想不到的收获。
动画的动作设计是一个复杂的思维过程。“动画中人物的动作，一方面要遵循运动规律，另一方面，动画中的事物运动的形态、速度、强度、力度和幅度可以根据需要自由变化，包括动画中的自然景物和环境设置等也是可以配合运动，甚至可以与主角同步运动的。”我们可以运用动作夸张变形这种手法来对传统的角色动作设计进行改造。例如动画片《猫和老鼠》中具体的行为表演、幽默方式都是标准的美国动画风格，家猫汤姆和老鼠杰瑞在打闹中，杰瑞用力扯汤姆的胡须，汤姆努力挣脱中使身体不断拉长变形，以夸张的运动语言放大了动画表现的戏剧性效果。动画中让人物身体的变形，使用旋转速度线，都可以很有趣味性地表现动画的喜剧效果。当然动作夸张必须要适度。过分的夸张会看起来不合情理，不利于恰到好处的表现影片内容。为了与艺术处理过的造型和运动相配合，动画片中的说话声、音乐声也要相应地加以夸张、变形，使画面更有看头，引人入胜。
2.二维动画原画设计中创造性思维的重要性
2.1创造性思维使原画设计更具审美性
二维动画中原画设计运用创造性思维模式后，还要具有画面的艺术效果即审美性。观众在接受动画作品时，因其不同的文化素养、知识结构、社会地位，他们原先已有的各种经验，情感和审美理念等，在观赏过程中就表现为一种潜在的审美期待。不同国家、不同时代的观众，对动画艺术的审美要求肯定有不同看法，即使是同时代、同民族的人，也会因各种不同的立场而提出不同的见解。尽管人们审美视角有所不同，但是有一点是共同的，那就是美与人的愉悦感知相关联。所以真正的核心问题是审美情感。迪士尼动画《小美人鱼》、《花木兰》、《狮子王》等等，这些动画片的情感上具有很强的感染力，并且故事轻松欢快，让各个年龄的观众层都各有各的体会和感悟。视觉的娱乐性固然重要，但刻意的娱乐效果，作品的艺术品质就容易流于表面。视觉娱乐性效果的作品至多属于浅层次的审美品味。所以，一部经典的动画作品优劣关键在于是否经得起长久的审美品味。这就需要通过独具魅力的艺术手段把戏剧性的情感真实地共鸣到每个观众的心里去。有以下三种艺术手段：
物体形态转换
“通常对物体运动状态的夸张表现是对运动趋势或结果的视觉理解和心理预期，所以即使它与现实不完全相符，也能让观众产生共鸣。”例如动画片《大力士》中，一个包裹从空中掉了下来，在和地面撞击的一瞬间，包裹的形态变形，变成了一个帐篷，有一设计出乎意料但又富有趣味性。
视觉节奏
动画影片应与观众达到真正意义上的心灵沟通，让观众在欣赏的过程中通过动画所传达的视觉节奏的变化进行情感体验，激发审美情感，以达到情感的共鸣和升华。节奏感的表现是多种多样的，有的整齐平均排列，形成一种机械性的节奏感，也有的不整齐、凌乱的排列，但有规律的节奏感，也有的通过灵活而又自由组合而成的节奏感。比如在蓝色的天空中如果有一只鸟在飞翔，只给人以突出醒目之感，如果有数只鸟疏密相间地排列着，就能给人以强烈的视觉节奏感。
色彩心理效应
通过敏锐的美感，用颜色来触动人的情感因素以此强化渲染剧情。在动画影片制作过程中对于情感互动因素的挖掘和灵活运用，会使动画影片具有生命力和感染力。美国木偶动画《僵尸新娘》一片中，故事里的人间世界基本上只有黑白灰三个层次，充满着刻意营造的压抑、灰暗的气氛，只有在象征男女感情的小花上面，才使用了一些粉色。而在地狱，则完全是另一幅景象，各种光怪陆离的角色造型与场景充溢其间，穿着各式彩色服装的骷髅海盗，灯光闪烁的地下舞场，正好表现了两种极端，观众的心情也因剧情由压抑转为欢快。
2.2创造性思维使原画设计具有引领性
二维动画中原画设计使用多元的艺术手段，使动画片具有一定的审美性，要使这种审美性更有持久性，原画设计就要具有引领性。它不仅反映了真正的审美情趣而且反映审美理想。在创作过程中常常会遇到同一个角色，同一种情况下有很多种可供选择的、正确合理的而又与众不同动作设计。而怎样的动作设计才具备这样的特质呢？这就需要在创作者头脑中对多种动作设计来进行筛选，通过准确的判断力，丰富的经验和想象力来辅助。如：动作设计具有协调、互动性。具体表现在：动作与时间、动作与环境、动作与角色。首先是动作与时间，它影响着环境与角色的展示与表达。一些动画公司在制作动画片时，没有重视动作设计与时间的关系，影响了影片的质量。比如镜头间的动作设计与时间分配过于平均，这就导致动作节奏感的缺失；动作中某个关键帧被分配到错误时间中，破坏了整套动作的流畅性；角色的口型与字幕对白不协调、对不上号等。动作设计要与时间安排得当。在动画片中，每一个动作设计都要被时间控制，同时剧本因素又影响着动作时间的设定。动作设计和时间的关系犹如左右手，缺一不可。动作时间也多接近生活中的时间，接近真实的生活状态，展示人物的细腻感情。如果忽视人物说话所需时间，将会给配音带来同步麻烦。安排合理的动作设计和时间，就会更好地展示角色特性和衬托环境气氛，使角色内在性格外化，凸显剧情的节奏感，画面流畅性和感染力，烘托主题，达到语言所不能达到的那种厚重的特质，让观众持久的从心理上认同、喜爱这部影片。
结语
二维动画中原画设计需要个性化发展。个性的设计可能是来自扎跟于本民族悠久的文化传统和富有民族文化本色的设计思想。未来的动画设计师不再是狭隘的民族主义者，而每个民族的标志更多的体现在民族精神层面，民族和传统也将成为一种图式或者设计元素。拥有扎实的制作二维动画的功底对创造三维动画具有重要的奠基作用。在二维动画中，原画设计打破常规思维，创造性的动作与表情设计，使动画片具有审美性、引领性，在吸纳外来先进的技术、艺术手法的同时，对民族本源有更有深刻的思考和挖掘，创造具有现代意义的民族符号的优秀动画作品。
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一、《影视动画分镜头设计》课程教学现状
伴随着政府对动画产业的扶持，以及自身的快速发展，动画专业纷纷在各大高校组建。由于该专业在设计专业中的特殊性，以及初期动画人才稀少，因此众多高校出现了注重软件技术，轻视思维创新的情况，加之动画专业中必不可少的专业基础课以及理论基础课，由此导致大学四年中留给学生自主创作的实践课程少之又少。同时理论课、软件课、实践课相对独立，几个课程的知识点无法串联起来。众多高校在讲解、《影视动画分镜头设计》课程时相对独立，仅仅画几套分镜头台本，并没有将剧本创作、分镜头台本，以及后续的制作工序连接在一起，做出一套完整的动画片。
二、研究意义
将分镜头设计课程脱离原有枯燥单一的理论教学形式，与实践相结合，让该课程真正起到承前启后的作用，可以激发学生的创作积极性以及创意思维，从而认识到分镜头设计在动画影片制作中的重要性，让学生从剧本创作到分镜头设计，再到逐帧绘制，最终渲染出片，将整个动画制作真正落到实践中去，让他们真正了解动画制作流程，不再拘泥于书本理论，为以后走出校门，走上工作岗位，提供宝贵的实践经验。同时也为动画专业学生的毕业论文提供理论依据，为其毕业创作夯实基础。
三、《影视动画分镜头设计》课程改革探析
（一）加强对课程教学教师的素质培养
在动画制作中，分镜设计直接影响影片的最终效果，所以要求该课程的教学教师有较高的素质，不仅要对学生的理论知识进行培养，同时也要提高他们的鉴赏能力和实践经验。但是，目前我国动画专业的教师比较缺乏，教学水平普遍不高。若要提高教师素质水平，首先要更正旧的教学方法和教学模式，摆脱单个课程单独教授的孤立模式，以实践为重，同时将整个教学课程串联在一起，要求教师根据学生特点定制教学实践，让学生学会自主学习，独立解决问题，更好地掌握动画相关知识和应用能力。
（二）对课程安排予以改进并加强实践
动画行业与新媒体技术息息相关，在当今信息时代，媒体技术平均每两年到三年就会革新一次，不论是国内高校还是国外高校都很难做到技术的时时更新，但是动画专业要求的技术储配依然庞大。正是由于它的这种特殊性，以及动画产业的迅猛发展，导致各大高校动画专业忽略了思维创新，逐渐转化为干涩的计算机软件教学，在教学安排中大量的软件教学，加之动画创作需较长的制作流程，致使学生很难有时间创作完整的动画短片，而且软件教学与动画制作相对脱节，难以将新学的软件知识运用到动画制作中去。
目前高校大学生已经具备了自我学习的能力和独立解决问题的能力，他们通过各种途径都可以找到自己所需的知识。在学生仅有的大学四年时间里，高校教师应将重点放在影视动画分镜头设计等思路创新课程中，以及引导学生参加实践活动，通过影视动画分镜头设计指导学生多制作动画影片，而不是把大量的教学资源放在软件培训上。
（三）在教学中强调分镜头设计的重要意义
在长期的教学中，笔者发现，有非常多学生不注重分镜头设计，不了解分镜头设计的意义，甚至很多学生在制作影视动画的时候，直接跨过了分镜头设计这个步骤，只有一份单独的剧本就展开制作。为了避免这种情况的发生，教师要在课堂中强调分镜头设计的重要意义。
四、结语
《影视动画分镜头设计》不应该仅是动画专业单独的一门课程，而应该贯穿整个大学的专业教学中，以引导学生创意思维为重点，《影视动画分镜头设计》的教学成果不应该仅是一份手绘的分镜头台本，一份纸质作业，而应该是一部完整的优秀的影视动画。
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【关键词】卡通角色；动画；造型设计；构思
前言
动画作为一种文化产品，其包含的文化属性很大程度上依赖于其中生动形象、风格独特的动画角色，而这些动画角色的造型都对影片起着至关重要的作用。角色的特点是由创作者赋予的，并且为动画的主题服务，一个成功的动画角色因其形象设计的生动性，不仅可以满足创作者与观赏者的审美要求，同时也可以折射出审美情趣和科学技术的发展情况。
一、卡通角色造型设计与构思的产生
卡通角色造型设计是创作者在创作一部影片时最先遇到的一个环节，它具体指对动画片中角色的外形及性格进行造型设计，包括角色的形态特征、服装、道具及动作等。角色的造型同时也是创作者对剧本中整体人物形象的构思，是镜头视觉表象创作的重要任务之一。在动画片中，人物指人与物共同组成的具型环境中具有特殊个性的典型角色形象，包括人物化的植物、动物，这些角色形象多具有可爱、滑稽、性情、诙谐等艺术特点，往往令人过目不忘。
二、卡通角色造型设计与构思的主要依据
（一）生活原型与素材观摩
在创造卡通角色时，我们常常需要从生活中寻找素材，在生活中学会积累，甚至从其他艺术门类当中吸取营养增加知识，然后才能创作出一个成功的卡通角色。例如，通过民间艺术“皮影”，从里面一些人物动作、人物造型以及色彩、一些很诙谐的对话中吸取营养。在美国动画片―《玩具总动员》以及真人与动画实拍的《空中大灌篮》，人物造型都带有非常鲜明的个性特征，使我们一看到他的形象就会对他有一个联想。
（二）动画主题与风格
人物造型不是一成不变的，而是千变万化的。卡通角色造型设计不是完全以观众和创作者自己的喜好为中心，而是根据整个动画片的主题、风格，根据剧中人物的特征来进行创造。在商业片中，卡通角色特征明显，而在纯艺术片当中，造型艺术往往比较淡化，角色造型甚至不是贯穿始终的，时有时无，是创作者在即兴创作过程中迸发出来的灵感，所以像这一类的动画片，我们关注的往往是影片的特殊含义，特殊形式以及特殊情绪。
（三）导演的总体艺术构思及编剧提供的文字形象
在卡通角色造型设计中，由于创作者个人情况的原因，创作的人物造型往往带有一些明显的个人色彩。当听取导演对影片的阐诉以后，才会产生一些新的想法。在水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》当中，我们看到齐白石先生的国画艺术在动画片当中活了起来，虽然仅仅是几笔勾抹的黑白画，但让我们看到了小蝌蚪的可爱，青蛙的善良。
（四）开发、市场调研
卡通角色是动画片的灵魂,观众对一个卡通角色的价值判断不单纯停留在其外在的造型层面,还包括对角色性格内涵的认同。伴随着动画的产业化进程,卡通角色形象的价值逐渐被提升到商务运作的高度。拥有独特性格魅力的卡通角色不仅具有深远的艺术价值,而且蕴涵着巨大的市场与利润。
三、多个卡通角色造型的特点
卡通角色造型设计多种多样，总共可分为以下几个方面，一为写实类造型设计，二为拟人化造型设计，三为写意类造型设计。
（一）写实类造型设计
写实类人物造型设计，多以生活中现有的人物为基础，经过适当加工变化、夸张变形形成个性鲜明的卡通角色。写实类造型设计在动画片中极富逼真感，由于在动画片中经常会有一些特写镜头，甚至面部肌肉的颤动，恐慌的眼睛等细节，都会通过镜头画面展现到观众眼前。因此，对造型的设计往往精细入微。
（二）拟人化造型设计
拟人化造型设计，通常指的是那些以动物题材为主的动画影片，它是根据动物的一些主要特征打它赋予一些人的性格甚至人的行为、表情，比较有代表性的有《狮子王》的狮子，《美女与野兽》的野兽等。所谓拟人就是把一些不是人的东西或动物给它人性化。这一类的影片大多是以儿童为主要对象进行创造的。
（三）写意类造型设计
写意类造型设计，我们主要是指那些个性化比较强的动画片当中所出现的一些造型，这一类动画片称为艺术片。在这一类的造型方面我们不强求它必须像什么，我们只是通过影片的形象转换以及在影片放映过程当中给观众的一些联想。这一类的造型因素往往是融合到动画影片当中的，它的造型往往是带有即兴色彩带有随意性。
四、卡通角色造型设计的意义
在动画片创作环节中，角色造型设计是整个影片的前提和基础，它们主导着整个动画片的情节、风格等。动画片中角色的意义不仅仅局限于动画影片本身，优秀的动画角色造型同样有着独立于影片之外的意义和价值。角色造型设计不仅是动画创作的基础和前提,而且决定了影片的艺术风格和艺术质量。
一部动画作品的灵魂就是动画角色形象，优秀的动画角色凭借夸张的造型设计，机智的性格特征，丰富的内涵而赢得了人们的喜爱，从而构成巨大的商业价值。一部影片的成功首先必须是角色塑造的成功，随着记忆的流逝，片中的情节会渐渐模糊和淡去。但是，造型生动有趣、性格独特的动画角色却能够牢牢地留在我们的记忆中。
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