（一）俄国古典主义的形成古典主义是一个文学流派和创作方法，其形成在18世纪初期，在迅速发展的民族意识和理性主义思想的影响下，开始在欧洲国家普及。国家的中央集权制要求对法律进行理想的解释，才能得以确立和巩固，从而让人们尊重国家的权威，以国家权益为主，让卑微的情感听命于高尚的理智。古典主义的创作方法和文学流派应运而生。18世纪彼得一世时期严格执行各种改革，倡导科学，简化俄文字母，出版报刊，还提倡翻译西欧著作，在俄国文学的发展中有着卓越的功勋。不过在当时，俄国文学正在古代文学迈向新的内容和形式，处于一个尚未稳定的过渡阶段，因此，产生了俄国古典主义的萌芽，逐渐出现了探讨古典主义的美学问题的理论著作。18世纪三十年代末四十年代初期，专制制度日益得到巩固，同时受到法国古典主义的影响，形成了俄国古典主义，一直持续了一个世纪。
（二）俄国古典主义的特点在古典主义文学思潮下，所倡导的思想是商业资本主义和理性主义。古典主义的创作是以古希腊罗马的文学艺术为典范，因此，俄国古典主义崇尚古希腊罗马文化的艺术创作风格，排挤斥逐情感、想象及个性特点，其在一定的程度上体现了当时社会的生活现象，包含了现实主义因素。欧洲古典主义传入俄国时，俄国文学并没有对其排斥，而是将欧洲古典主义思想与自身持有的民族意识进行融合，因此，俄国古典主义既有欧洲古典主义的特征，又有着属于自身的文学特点。俄国古典主义继承了大部分欧洲古典主义文学的大部分特点，特别是法国文学。比如严格遵守逻辑、体裁规范，提倡理性，突显人物性格的某一特征等等。俄国古典主义文学一开始就饱含战斗性，体现了强烈的社会激情及公民精神。俄国古典主义的第一批代表人物安季奥赫•德米特里耶维奇•康捷米尔，其并没有对古希腊罗马文化给予关注，而是将重点放在了严酷的现实本身，在他的笔下，充满了肆无忌惮的愚昧势力对安分守己的进步人士的扼压。同时他还申饬俄国文学要勇于揭露社会的弊端。俄国古典主义文源于现实生活，揭示当时的社会状态。俄国古典主义有着很大的进步精神，其同情自食其力的劳动者，抨击不劳而获的剥削者，其将人的尊严和价值放在了阶层之上。此外，俄国古典主义文学与其之前的民间口头创作有着很大的关联，取材也多为本国历史，与法国古典主义主要取材于古希腊罗马大不相同。
二．俄国古典主义的体裁模式及代表人物
（一）俄国古典主义体裁模式古典主义兴趣和发展于法国，因此，通常认定法国古典主义是标准模式，俄国古典主义也采取了这种模式。其严格按照体裁把全部作品进行归类，同时任何一种体裁都具备自身恒定的标准。从古典主义的作品内容上来看，抽象和概括性的思想是最有价值的，而具体的和详尽性的则是没有价值的。古典主义的体裁主要有三个层面，同时也被分为三个等级，包括国家纪事题材的高级体裁、思想与追求冲突题材的中级体裁以及滑稽式的生活事件的低级体裁。高级体裁是针对特定的哲学问题或者是国家大事来表达高尚情怀的颂诗和史诗；中级体裁涉及的范围相对多一些，有悲剧、有情感与义务的斗争和“高雅”抒情诗等多种形式，比如田园诗、牧歌等等。个人情感的表现形式是暴君的横行霸道，义务的表现形式是爱国者的明德惟馨，因此，古典主义的悲剧大部分都涵盖了爱国主义，向往自由甚至是革命倾向；低级体裁主要是反映社会公民日常生活的长篇小说、寓言等等。
（二）俄国古典主义第一批代表人物俄国古典主义的第一批代表人物是康捷米尔、罗蒙诺索夫、特列季亚科夫斯基。他们效仿古希腊罗马文化题材、思想、语言结构等等，与本民族的文学创作融合，对诗学和体裁进行改革。他们构建了文学体裁体系，探讨了公民道德理想和英雄主义的思想观念，繁荣了诗学文化，善于展示人的精神世界。俄国古典主义呈现了两种创作倾向，一种是揭露性，一种是颂扬性。
三．结语
关键词:艺术史分期；原始艺术；古典艺术；现代艺术
中图分类号：J110.9文献标识码：A
三段论本为古典逻辑学术语，指大前提、小前提、结论三段论式，此处借用来阐发艺术史，“段”已变为时间概念，原所指意义不再。就是说，在宏观上可将迄今人类艺术的发展视为原始艺术、古典艺术、现代艺术三个阶段，简称为艺术史三段论。在此基础上还可以进一步细分为不同的发展时期，从而有助于对人类艺术发展脉络的科学把握。
一
人类艺术的历史发展总体上可分为前后三阶段，此设想在理论界由来已久。19世纪德国古典哲学的代表黑格尔在其《美学》演讲中即已将人类艺术发展分为象征艺术、古典艺术和浪漫艺术三大块。20世纪英国美学家科林伍德《艺术原理》一书又将人类艺术经历巫术艺术、娱乐艺术和真正的艺术（表现、想象）三大发展阶段纳入自己的理论视野。
然而，随着艺术史的持续发展和人们认识的不断深入，既有三段论无论是指导思想还是判断标准皆已显示出种种局限，有重新思考之必要。
众所周知，黑格尔的艺术史三段论是从他的“理念的感性显现”正反合辩证历程展开的，所谓“理念和形象的三种关系”“始而追求，继而到达，终于超越”[注:参见G.W. F.黑格尔著，朱光潜译《美学》（第3卷上册），商务印书馆，1981年版，第103页。]。而科林伍德呢，他是英国现代著名的哲学家、历史学家兼考古学家，却偏偏不是一个艺术史家，他将为了功利性目的（巫术、娱乐、设计等）的艺术以及伴随着众多技巧的再现型艺术完全排除出真正艺术的殿堂之外，甚至断言艺术与材料无关，宣称“只要是真正艺术的作品，它们就不是为了达到某种目的的手段而制作的，它们并不是按照任何预想的计划而制作的，而且它们也不是把某种新形式赋予特定材料而制作的。”[注:参见罗宾・乔治・科林伍德著，王至元等译《艺术原理》，中国社会科学出版社，1985年版，第133页。]在他看来，现代艺术产生之前数千年的人类艺术不是真正的艺术，这就陷入了误区。而事实上，完全排除物质技巧和功利色彩，纯而又纯的所谓“真正艺术”只能存在于哲学家的脑海中，现实中很难出现。正如学术界已有多人已指出过的，黑格尔也好，科林伍德也好，尽管其理论思路有许多不同，但却有一个共同特点，这就是将艺术史纳入了自己的哲学视野，是从一般推向特殊，而并非从艺术自身发展看问题，从特殊上升为一般，属于科林伍德自己所划分的“具有艺术趣味的哲学家”一类。不同在于黑格尔的分期标准是“理念和形象”之间关系的“分合论”，科林伍德则是围绕服务于表现论哲学目的的“功能论”。
今天看来，艺术史分期的指导思想和判断标准应当来自艺术的发展自身，即以艺术观和艺术的表现手法发生根本性改变为度。艺术观的核心在于认清艺术的精神和本质，艺术表现手法更是艺术诸形式（种类、类型、材质、风格）之总和。现代美学认为，艺术是一个集合概念，灵魂（精神）是创造，本质是表现，前者集中在艺术观，包括内容，也包括形式，后者是前者的具体展开，更集中于形式，即表现手法[注:自然，断言艺术的本质在于表现并不排除再现，可以承认艺术史上存在着大量从再现过程中获得表现的艺术家和艺术品，而非科林伍德所言绝对排除再现的“纯表现”。]。艺术史既为艺术发展和演化的历史，其分期标准无疑由其精神和本质所决定表现形式的创新始终应该是其发展的中心。基于艺术概念的集合性和特殊性，艺术史的原则必须以两点论作基础，一为合主流性，主流艺术观念和表现手法的根本性变革无疑在艺术史发展和转型过程中起关键之关键作用。二是合规律性，艺术史毕竟属于历史，归根结底，它也必须受历史规律的支配。以此作为指导思想，根据主流艺术观念和表现手法的变革趋向，对应史前及文明社会初期、古代、现代，就可以对人类艺术的发展做出基本判断：这就是由原始艺术向古典艺术，再由古典艺术向现代艺术的过渡。作为一般概念，“原始”、“古典”和“现代”对我们来说并不陌生，但作为我们认识人类艺术发展的三大支柱，却需要重新加以定位和思考（这一点下面还将具体论及）。以此为基础还可以再进一步细分，最终建立起完整的艺术史分期构架。
显然，指导思想和判断标准的不同使得本文所阐述的艺术史三段论与前人成说继承中有发展，且最终拉开了距离。当然，这只是问题的开始。
二
明确了指导思想和判断标准之后，紧接而来便是如何思考和定位我们所说的原始、古典和现代概念。为了说明问题方便起见，我们先从现代艺术的概念谈起。
艺术理论界已认识到，在概念上，现代艺术是与古典艺术相对应中确立自己的存在的[注:北京大学艺术学院朱青生教授即曾明确宣示：“今天我们谈论的艺术应该包括两样东西：古典的艺术和古典艺术以后出现的一种反传统现象，即随之产生的，并成为艺术主流的现代艺术。”参见《实验的艺术和实践的艺术》一文，《美苑》，2000年第4期。]。这一点符合艺术史实际。首先，就其表现手法和创作风格来看，20世纪以来以变形、抽象乃至纯形式、纯观念为主要特征的现代派艺术。其具体表现（风格、流派、思潮等）尽管很多，以至给人以眼花缭乱之感，但亦有共同倾向，这就是反传统（反理性、发求真、反技法乃至反艺术等），反抗19世纪以前追求再现的真实、以美为尚且重技法训练的艺术传统，而以表现自我（情感、心态、观念）为最终目的，求新、求异取代了求真、求美，具体做法则以变形、抽象乃至纯形式、纯观念为主。这些特点与传统艺术史不断追求的创新精神相合拍，其发展最终导致了时代主流艺术观念发生了根本性变化。正如阿诺德・豪塞尔所言：“事实上，他们（现代派）创造了迄今为止最畸形的习规之一―新奇高于一切的原则。从此以后，一切前辈所取得的成就均为青年艺术家所不齿。他们通过自己的巨大努力仅仅去摆脱前辈所创造的一切，以此来表达他们自己的艺术个性。”[注:参见阿诺德・豪塞尔著，陈朝南、刘天华译《艺术史的哲学》，中国社会科学出版社，1992年版，第387页。]这一论述道出了现代艺术的本质。
当然，现代主义艺术并没有建立起永久的权威统治，20世纪中期以后出现的后现代主义艺术即不遗余力地对其进行了反思和批判，以图确立自己在艺术史上的地位。但是必须看到，在本质上，后现代主义并没有要回到更早的过去，要脱离反传统这个认识和创新轨迹，相反，在这方面他们走得更远，或者竟可以看作以反传统为标志的现代主义艺术的进一步继续和发展。如德国哲学家哈贝马斯所言，后现代只是现代性的一部分：“从康德开始,现代性的哲学话语中一直就存在着一种哲学的反话语,从反面揭示了作为现代性的主体性”[注:参见J.哈贝马斯著，曹卫东等译《现代性的哲学话语》，译林出版社，2004年版，第346页。]。康德被公认为是后现代主义的哲学鼻祖，哈贝马斯这段话的意思就是说，所谓后现代性话语仅仅作为从反面揭示现代性的主体性而存在，并没有从本质上开辟一个新时代。如果说现代艺术的最大特征是极度张扬主体性的话，则后现代艺术创作中的主体性张扬与之相较毫不逊色，艺术家将观念和材质运用得应是更随心所欲。从这个意义上考虑，也是为了更为深入地理解和把握问题起见，可以在现代艺术的框架内进一步细分为现代主义和后现代主义两个时期。在更广泛的意义上说，本时期不属于这些风格流派的艺术家、艺术作品或多或少、或隐或显、或正或反地受到了他们的影响，从而使之由风格层面上升到了时代主流艺术思潮的层面。故20世纪以后的艺术也可看作更富时代意义的现代艺术，而与时代的概念（现代社会）获得了两两对应的效果。
正因为20世纪以后产生并盛行的现代艺术有这么多反传统精神，则20世纪以前的传统艺术也就有着比较明显的共同特征：重理性、重再现、重真实、重技法，追求自然、以美为尚且重完整的技法效果。站在这个角度考虑，相对于现代艺术的传统艺术（汉斯・贝尔廷称作“前现代艺术（pre-modern art）”）也可以看作广义上的古典艺术。也就是说，理解了现代艺术的概念，古典艺术的概念亦可由之得到确立。
还必须说明的是，长期以来，艺术史界关于古典艺术的认识有一个明确的所指对象和概念范围。“古典”即“古代”和“典范”之合称。前者是时间概念，后者属于价值评判的范畴。简言之，古典就是具有典范意义的古代作品。考察公元16世纪以来瓦萨利、温克尔曼、黑格尔等人的艺术史思想我们知道，狭义的古典艺术概念来自欧洲，亦称古代艺术，原特指古代希腊艺术，特别是古希腊雕塑。今天看来这样理解太狭隘，原因在于持这种观点的诸位哲人皆有着无法摆脱的历史局限，除了将目光仅盯住造型艺术而忽视音乐舞蹈戏剧等非视觉艺术等历史性局限以外，还无法看到和理解包括东方艺术在内的非西方艺术，缺乏应有的比较和鉴别。另一方面，更未能看到今天的现代艺术，自然无法解决我们今天遇到的问题。不能苛求古人，但也不能为古人所限，好像他们已经界定了古典艺术的定义和范围，作为后人就应该无条件遵守，这不是科学的态度。古典艺术的概念应当扩大，就艺术史而言，“古代”一次的时间概念所指应由古希腊扩展到20世纪之前。前面已经说过，20世纪以前的人类艺术，如今人评介以瓦萨利、温克尔曼、黑格尔、贡布里希为代表的传统艺术史学理论一样，其主流倾向是追求再现的真实，求真、求美，重理性，重技法训练，讲究完整的艺术效果，并且除了少数种类如表演艺术之外，古典艺术大多不像现代艺术那样“需要接受者的参与才能最终完成”（朱青生语）。如此理解，古典艺术即由狭义变成了广义。根据时代对应的原则，古典艺术所对应的时代亦应延伸到19世纪。正如广义上的人类古代史可以延伸到19世纪一样，广义上的古代艺术史下限亦应延伸到20世纪以前。从这个意义上可以说，古典艺术亦可称之为古代艺术。假如再进一步细分，古代艺术同样可以分为上古、中古和近古。当然，这是下面所要论述的话题了。
同样非常明显的是，广义的古典艺术无法包括原始艺术。原始艺术是人类史前时期的艺术，时间上包括整个氏族公社时代。“原始”一词在今天大多带有较强的价值评判意义。列维・布留尔说：“‘原始’一词纯粹是个有条件的术语，对它不应当从字面上来理解。……‘原始’之意是极为相对的。”[注:参见列维・布留尔著，丁由译《原始思维》，商务印书馆，1981年版，第1页。]考虑到艺术的特殊性，“原始”一词放在艺术史整体上可能只具有时间的概念，价值评判的意义即使尚未完全消失也已变得很淡了。贡布里希曾将原始艺术归纳为三种类型：“身处伟大文明中心直接影响之外的人们”（如撒哈拉南部的非洲黑人、欧洲爱斯基摩人等）创作的艺术；欧洲各国的绘画和雕刻发展史上的早期阶段；“未接受或未吸收专业训练班的画法”。[注:参见F.H.贡布里希著，范景中译，林夕校《艺术发展史》，天津人民美术出版社，2001年版，第454－455页。]简言之就是现代未开化地区艺术、人类早期艺术以及非专业艺术三种。他所说的虽然系就一般意义而言，而且多少带有一点欧洲中心论的色彩，但对我们这里的思考仍具有一定的启发作用。从主导性的创造风格上看，原始艺术的美学追求和创造特征并不符合我们前面对古典艺术（广义、狭义）的理解，它们从本质上说不重再现，抑或可以说原始艺术家的技能也很难真实地再现客观世界和人类社会，更多的是建立在感性基础之上的抽象和象征。这一点黑格尔、科林伍德等人都已阐释过了，借用他们的话说，原始艺术是一种象征艺术或巫术艺术。这一点下面还将详细论及。
三
在从新的角度提出原始、古典、现代的概念基础上，我们对它们即可以进行较为详细的论列了。
首先界定原始艺术的定义范围和基本特征。
原始艺术概念在空间上它是包括非欧洲艺术在内的人类早期艺术，时间上它也不是一般意义上的人类早期，而是从能够打制工具的旧石器时代开始，经过中石器时代和新石器时代及至某种程度上的铜器时代，在一定意义上甚至可以延伸到当代。从观念、材质和表现手法上的发展演变角度衡量，原始艺术主要为岩画、洞窟壁画、石雕、玉雕和骨雕、挂饰、纹身以及巨石建筑、原始歌舞等。从地域角度看，原始艺术的遗存遍布世界各地，东方、西方皆曾发现存在。时间上最早的为著名的西班牙阿尔塔米拉、法国拉科斯等地的山地岩洞动物图，中间经过欧洲其他地方，并伊朗、亚美尼亚、土耳其、中国浙江河姆渡、西安半坡以及非洲、美洲、澳洲等地的原始艺术遗迹，最迟的竟至当代原始部落。时间跨度之长，完全可以居人类艺术史诸阶段之最。但这不影响我们从整体上将原始艺术作为人类艺术史上第一个发展时期的结论。再进一步划分，可以人类进入旧石器时代晚期（约五万年前至一万五千年前）开始定居为标志分为前后两个阶段。之前主要是旧石器时代的早期和中期，其时人类尚未定居，过着游荡和半游荡的生活，打制的实用器具十分粗糙，谈不上艺术性。装饰及巫术等观念也很单薄，主要表现为纹身、挂饰和图腾等形式，可以看作艺术史的第一阶段“蒙昧阶段”。进入旧石器时代晚期后，由于定居，原始农业和畜牧业取代了采摘和狩猎，人们的爱美装饰以及巫术等精神活动也大大增强，岩画、建筑、音乐、歌舞等艺术形式先后产生，可以看作艺术史的第二阶段“巫术阶段”。
很显然，原始艺术的创作动力来自巫术和原始宗教、生殖以及生产和娱乐等。从技法上看，正如学者们已经指出的那样，原始艺术作品缺乏比例、立体、透视等概念，即兴创作，主观性随意性强。对现有大部分人类早期遗存的考察结果表明，原始艺术的美学追求和创造特征并不符合我们今天对古典艺术（广义、狭义）的理解，它们从本质上说不重再现[注:在这一点上我们又和科林伍德的观点有异。他在《艺术原理》第三章第四节中将再现艺术分为三个等级，原始艺术即为第一等级，这“是一种朴素的或几乎无所取舍的再现，力求（或仿佛力求）达到几乎不可能的完全逼真地再现。”（第55页）无疑，这种“朴素的或几乎无所取舍的再现”在原始艺术中存在着，我们在欧洲远古洞穴动物画以及古埃及人池塘画图中都可以看到。问题在于它们并不占据原始艺术的主流，因为更多的原始作品没有这种趋向。与神秘符号相联系的原始岩画、器皿刻纹以及巨石排列固不必说，从金字塔、神庙到中国的青铜器这些具有时代表征意义的人类艺术同样不具有上述特点。]，抑或原始艺术家的技能也很难真实地再现客观世界和人类社会，更多的是建立在感性基础之上的抽象和象征。
造成这个现象的根本原因在于，史前阶段人类思维尚不十分发达，成系统的书面文字尚未出现，看待世界多直观、多具象、多感性，而缺乏抽象和理性，比附和联想能力强。关于这一点，黑格尔、科林伍德等人都已阐释过了，借用他们的话说，这是一种巫术艺术或象征艺术。所不同的是，我们不接受他们将原始艺术仅仅归结为象征艺术或巫术艺术的做法，前者依附于理念论的框架，后者的理解太过狭隘，因为除了巫术艺术外，史前艺术还包括与巫术无关的娱乐、装饰艺术和生产、生活实用艺术，将此二者排除出原始艺术之外只能是哲学家的体系营造法，不适合艺术史实际。
其次来谈古典艺术的概念、范围和基本特征。
前面说过，本文所说的古典艺术是广义上的古典艺术，即文明社会产生以后的人类艺术。狭义的古典艺术概念来自欧洲，亦称古代艺术，原特指古代希腊艺术，特别是古希腊雕塑。今天看来这样理解太狭隘。即使从西方学者的角度看，机械理解古典艺术也会产生悖论。美国人H.W.詹森就曾指出：“相信古典的完美已经歪曲了我们对艺术传统进化的看法，这个传统与希腊的遗产完全（或假定）无关。”[注:参见迈耶尔・夏皮罗/ H.W.詹森/F.H.贡布里希《关于欧洲艺术史的分期标准》，常宁生编译《艺术史的终结？》，中国人民大学出版社，2004年版，第51页。]今天看来，第一，古典艺术无疑应当包括文艺复兴时期诸大师创作的古典音乐，不能仅局限于古希腊看问题。第二，从人类艺术发展的高度来考量，情况又有更大不同。古典艺术不会一夜之间在古希腊涌现，而是有着一个由低到高，最终完满的发展过程。撇开概念之争不谈，将古代东方艺术（以古埃及、美索不达米亚乃至古代印度和中国艺术）排除出古典艺术之外的做法是不合理的。原因很简单，尽管这些地域艺术在审美观念、形式技巧等方面仍带有原始艺术的痕迹，但其再现和求真方面已经达到了相当高的水准，具有一定的典范意义，亦即具备了古典艺术的基本特征，总体上应属于古典艺术的范畴。非但如此，古典艺术的时间下限还应进一步扩大，即由古希腊扩展到20世纪之前。地域上，除了传统艺术史经常提及的中世纪基督教艺术和文艺复兴时期美术、古典音乐舞蹈和古典主义戏剧外，佛教艺术、伊斯兰教艺术和中国、日本等国艺术也应归入世界古典艺术的范畴。也只有这样，狭义的古典艺术才真正拓展成为广义。
20世纪以前的人类艺术，尽管具体表现形态五花八门，总体倾向也有西方讲再现，重形（形似）、东方讲表现，重神（神似）之分，但彼此之间并非绝对排斥，并且都有一个共同倾向，即皆求“似”，“似”的本质还是真，真又与美密切相关。如前所言，古典艺术的主流倾向是追求再现的真实，求真、求美，重理性，重技法训练，从西方的油画、写实雕塑、教堂建筑、交响乐、芭蕾、“三一律”戏剧到东方中国的国画、佛教造像、宫殿神庙、戏曲歌舞、古琴音乐等等，无不讲究基本功训练和完整的艺术效果。对于“再现”也应正确理解，如果是真实无误地反映，即“神似”也未尝不可理解为再现。传统理论界将东方人的所谓“表现”与西方人的“再现”对立起来的看法需要重新认识，因为“表现”在现代美学和艺术理论中已经有了特定的涵义，绝非“神似”可以相通。
古典艺术还可以进一步细分。借用历史学界的名词，古典艺术可以分为上古、中古和近古三个发展期。
上古艺术是指人类进入文明社会以后至公元4世纪古罗马艺术衰微之前的人类艺术，首先当然是古代埃及、巴比伦、古代印度和古代中国为代表古代东方艺术。我们知道，古代东方艺术除了“物质大于精神”（黑格尔语）的神庙、金字塔和青铜祭器等外，还有写实性很强的绘画、雕塑、音乐、歌舞等，以此为标志，人类古典艺术迈开了自己的脚步。随着时间的推移，这种求真和写实特点便愈来愈强，最终登上了古典艺术的第一座高峰――古希腊。毫无疑问，古典艺术发展的第一座高峰的完成应当归功于古希腊罗马艺术，包括柏拉图、亚里士多德着力描述的诗歌、戏剧、乐舞，也包括瓦萨利以来人们经常谈论的古希腊雕塑在内的古希腊造型艺术，均呈现着不断成熟的趋势。由于此时期的人类艺术皆有着体系神话的背景，且在内容和形式方面与神话密不可分，所以不妨将此时期艺术命名为“神话艺术”。
中古艺术是指公元4世纪古罗马艺术衰微以后直到公元13世纪文艺复兴运动之前的人类艺术，包括印度佛教艺术、欧洲中世纪基督教艺术和阿拉伯伊斯兰教艺术以及自魏晋到唐宋的中国艺术，此为古典艺术发展的第二期。应当表明这是一个东西方此盛彼衰的互逆发展过程，就是说当欧洲正经历中世纪艺术衰退的漫漫长夜时，东方艺术却显示了蓬勃发展的势头。尤其是中国，此时期奠定了其作为古典艺术繁盛时期的基础。由于此时期的人类艺术皆有着成熟宗教的背景，且在内容和形式方面与宗教密不可分（包括中国的“三教”），所以也可将此时期艺术命名为宗教艺术。
近古艺术是指公元13世纪欧洲文艺复兴运动兴起之后直到19世纪末现代派艺术诞生前的人类艺术，除了包括古典音乐和话剧在内的欧洲文艺复兴时期艺术外，还应包括几乎同一时期产生的以戏曲乐舞、文人画、装饰性雕塑、私家园林等代表的中国艺术和以浮世绘、歌舞伎为代表的日本艺术。应当表明这同样是一个此盛彼衰的互逆发展过程，只是方向颠倒过来了。就是说正当欧洲从中世纪的漫漫长夜复苏并进入一个新的艺术辉煌时代的时候，东方艺术正经历了一个转型和衰微的过程，这一过程至19世纪中叶即进入了表面化，西方艺术凭借其创作和理论成就加之殖民扩张所带来的政治经济文化方面的影响，在人类艺术的发展潮流中开始建立无可争辩的强势话语权。由于此时期的人类艺术皆有着面向人生回归世俗的背景，且在内容和形式方面与社会及人类自身密不可分，所以也可将此时期艺术命名为人生艺术。
神话、宗教、人生既代表了人类精神活动的不断深化和发展，也标志着古典艺术经历了同样的发展历程。这不是对人类社会思维发展的硬性比附，而是对象考察的必然结果。
最后谈谈现代艺术的概念、范围和基本特征。
前面说过，现代艺术在范围上也可分为狭义和广义两部分，狭义的现代艺术当然是指现代派艺术。学术界一般将公元19世纪末以莫奈、马内等人及其作品为代表的印象派绘画作为现代艺术的开端，其实并不确切，印象派画家在艺术史上充其量只是一个由古典到现代的过渡时期。谁都知道，现代艺术最突出的特征便是将艺术家的主体性强调到无以复加的地步。画家说：“重要的不是画你所看见的，而是画你所感觉的。”音乐家说：“作曲家力图达到的惟一的，最大的目标就是表现他自己。”以至于“谁在乎你听不听！”[注:参见蔡良玉、梁茂春著《世界艺术史・音乐卷》，东方出版社，2003年版，第238页。]而印象派呢，他们极力反对古希腊以来写实主义手法仅仅描摹“所知道的现实”，主张反映“所见到的现实”，认为只有如此才能算是再现了真实的世界。无论如何这样的艺术追求只能属于关注客体而与主体性无关，即使有论者将印象派重对光和彩的瞬间感知归入主体性的范畴，但就整体而言不符合印象主义艺术观的实际。正如贡布里希所言：“事实上，直到出现印象主义，才完全彻底地征服了自然，呈现在画家眼前的东西才样样可以作为绘画的母题，现实世界的各个方面才都成为值得艺术家研究的对象。”[注:参见F.H.贡布里希著，范景中译，林夕校《艺术发展史》，天津人民美术出版社，2001年版，第301页。]当然，事物是在不断变化着的，印象派亦不例外。后印象主义的代表人物如赛尚、凡高、高更等人在创作中已开始由关注主观感受向注重主体性方面演变，显示他们担负着由古典向现代过渡的一种继往开来的作用。而在他们之后的表现主义、原始主义、立体主义以及野兽派、达达主义、未来主义等等即完全走上现代艺术的创作道路了。他们和新古典主义作曲家、现代舞创始人、荒诞戏剧家以及摇滚歌手等一道反抗19世纪以前追求再现的真实、尚美且重技法训练的艺术传统，而以表现自我（情感、心态、观念）为最终目的，求新、求异取代了求真、求美，具体做法则以变形、抽象乃至纯形式、纯观念为主。用黑格尔的话来说，这是完全意义上的“主体艺术”。
如前所言，广义的现代艺术与古典艺术相对应，包括现代主义和后现代主义。表现形式除了传统已有的视觉艺术、音乐舞蹈和戏剧等以外，还包括影视和新媒体等新兴艺术。虽然，就发生学意义而言，现代、后现代艺术只是一些风格流派，但对于艺术史来说，它们的影响已远远超出了单纯艺术风格、艺术流派的范畴，从而上升到时代艺术主流的层面。后现代主义有“破碎的平面镜”之称，它以非完整、非本质、非理想、非主体为旗帜，对历史上存在过的自然主义、现实主义、浪漫主义乃至现代主义都进行了不遗余力的反抗，在反理性、反传统方面较之前辈有过之而无不及。正如有论者所言，如果说现代主义的反传统还保留了主体性这一块天地的话，则后现代主义连主体性都一并反掉了，传统真正被彻底打碎，化为“白茫茫一片大地真干净”。也正因为后现代主义的崛起和突进不仅没有从根本上改变现代派求新求异的反传统精神，反而把这种趋势向前推进更远，所以在这个意义上，我们将现代艺术进一步细分为现代和后现代两个发展时期。
从全球化的视野角度看，时代意义上的现代艺术还应有着地域性的考量。就是说，现代艺术亦不局限在传统意义上的西方，进入20世纪以后，随着欧美资本主义的迅猛发展以及在此以前就已经形成的西方殖民扩张，以西方艺术话语为中心的人类艺术发展趋势已经形成，尽管这并不意味着非西方艺术传统的中断，但就主流而言，非西方艺术在现代艺术的洪流中只能处于从属的地位。如果说19世纪后期已出现东、西方古典艺术此衰彼盛的互逆发展过程的话，20世纪以后这种局面的后果――建立在潜意识基础上的西方强势话语权便真正形成了，由此便导致了全球范围内的现代艺术的形成。
关键词：武术；美学；民族传统美学；西方美学
1运用民族传统美学研究武术
中国古典美学是以形象性、类比象征性的思维来阐发个人的直观感悟;以中国古典美学的诗性话语如“境界”、“气韵”等表达审美义理。在对武术进行美学研究的过程中，从中国古典美学思想的角度进行研究的有胡小明、弓云武、张均予、吴庆华、张林艳、李德元、张志勇等，其中以胡小明为代表。
胡小明在《中国古典美学与武术》一文中，从3个方面探讨了古典美学与武术的相互关系。第一，从历史的角度来看，文中指出:“先秦至两汉，是中国武术成为审美对象的萌芽时期。同时，这也是中国古典美学的发端时期。”“魏晋南北朝……是美学和艺术探索的自觉时代。这一时期的武术，……融摄了较丰富的文化因素，并显现出一些理论色彩。”“从中晚唐开始，中国美学发展呈现出儒、道、禅等三家合流的趋势，对武术美的本质产生了极其深远的影响。”“宋元时代是中国古典美学的成熟阶段。晚唐以后，美学思想倾向于抒情写意，强调平淡天然之美，更加不求形似，力求传神，在更高层次上抽象出审美活动的理性内容。”“宋代武术的强身自卫、娱乐健身的社会功能的高扬，也标志着它正在走向自身的成熟阶段。”元代在民间禁武，武术“潜人到元代最有特色的艺术形式—戏剧杂剧。使演练技巧程式化。……武术在这里从实用彻底地走向了审美。”“明清时期的中国古典美学，……将传统美学已提出的观点发挥得更为深人细致，呈现出总结性形态。明清时期的中国武术，也在这时完成了量上的积累，呈现出阶段性的总结形态。”在这里，胡小明把武术在先秦、两汉、魏晋南北朝、隋唐、宋元、明清时期的发展与中国美学在不同历史时期的发展相对应，用中国古典美学在不同时期的成果来说明武术具有的美也是在不断的随着古典美学的发展而发展的。从而使人们清晰的认识到武术的美在其历史发展过程中是深受中国古典美学影响的。第二，从古典美学的义理来看，文章运用中国古典美学诗性话语如气;韵; 意;形;神;阳刚、阴柔来探讨它们在武术美中的重要作用。第三，从审美特征上看，中国古典美学“强调美与善统一。”武术也强调“美善统一，德术并重。”中国古典美学“追求内在含蓄的表现”，有“言不尽意”之说。“武术之美表现出内在含蓄的趣味和神韵，……全凭审美主体的感性体验与心灵领悟。”中国古典美学“追求人生与自然的和谐”“总是从人与自然的统一中去寻求美。中国武术，也把追求和谐作为自己的审美特征。”在这里，胡小明把武术与中国古典美学的特征进行对比，寻找出了3个对应方面。可以说是从比较深的层次探讨武术的美。
中国武术的发展经历了一个漫长的历史过程，在这一过程中，它不可避免地受到中国传统文化包括中国古典美学的影响与渗透。因此，从中国古典美学的发展历史来看武术美的发展过程是有积极意义的。
在历史地看待武术与古典美学的发展过程这一点上，弓云武在《论武术的文化艺术特征与审美价值》一文中的第一部分“武术文化艺术美的产生与发展”的论述与胡小明的基本相同。吴庆华在《中华武术审美特性的根源》中认为“社会实践是武术成为审美对象的基础。”张均予在《试论先秦武术美学思想的产生与形成》中也认为“生产活动创造了武术，滋生了武术审美意识的萌芽。而人们对武术的审美，则产生于一定的物质生产活动和战争过程之中。
运用古典美学的诗性话语进行的研究，有李德元的《武术哲理中的和谐美》、吴庆华的《略论武术之美》、《中华武术审美特性的根源》、张林艳的《武术套路运动中的古典美学思想及其哲学基础》和张志勇的《论中国武术美学思想的内涵与特征》等。虽然论述的审美义理不尽相同，但基本上是在古典美学的范畴内进行的研究与探讨。
以上这些文章是从中国古典美学思想的角度进行的研究。文章的作者们抓住武术与中国古典美学的密切关系，运用中国古典美学与武术相关的理论，从不同的方面对武术进行了美学探讨。这些已有的研究成果把握住了武术的民族特点，为进一步研究武术美学指出了正确的方向。
2运用西方美学研究武术
在人们运用中华民族传统美学研究武术的同时，运用西方美学范畴尤其是从美的存在形式对武术进行美学研究的文章也不断涌出。
赵崇珍、王景连在《论中国武术美学特征》一文中认为:武术运动的形象美与动作和运动形式美是武术特有的美学特征，它们“是确定武术运动技术发展水平高低的确切指标。”
张茂于在《武术运动中的美学探讨》一文的第一部分“把套路运动的艺术美分为①优美的形态②鲜明的韵味③和谐的神韵。
弓云武的《论武术的文化艺术特性与审美价值》(续)也涉及了武术艺术美。文中第三部分认为“武术文化艺术美的基本特征分为①名称美②姿势美③劲力美④节奏美⑤传神美⑥造型美⑦结构美。”
以上4位作者在美的存在形式上着重论述了武术与艺术美的关系，尤其是对动作攻防含义的理解以及身体运动的特殊形式予以肯定，突出了武术的技艺美。
李豹、关佐恒在《纵谈武术运动美》中认为:“武术给人以美的享受是带有综合性的。武术运动员的形体美是动作美的基础，动作美是武术运动美的核心，造型美是武术运动美的艺术表现形式，而音乐服饰美是武术运动美的必要条件，精神美则是武术运动美的灵魂。”除了精神美以外其他几项都是从形式美的角度对武术运动的美进行研究。
关键词：门德尔松；钢琴作品；蕴含；艺术特点
0 前言
被誉为杰出浪漫主义的“抒情风景画大师”的门德尔松是德国浪漫乐派最具代表性的人物。门德尔松的钢琴音乐最为显著的特征就是从根本上结合了浪漫主义跟古典主义两个方面。也就是说，其音乐作品在具备非常丰富的古典主义逻辑性的同时还具备非常显著的浪漫主义幻想性，所以需要认真审视其作用。门德尔松是继莫扎特之后出现的最为完美的曲式大师，其作品具有非常显著的特殊性。他在作品中完美地结合了浪漫主义的志趣跟古典主义的传统，这样一来就直接赋予作品非常丰富的诗意典雅性，其主要擅长的就是在正规的古典曲式中纳入美妙的旋律，如《小提琴协奏曲》e小调就是非常典型的一个曲子，形成了非常丰富的“门德尔松风格”。[1]
1 完美地结合古典主义艺术跟浪漫主义
门德尔松的作品最为显著的特征就是含有非常丰富的抒情元素，同时门德尔松的作品还充满着非常丰富的浪漫主义幻想。通过分析其大部分作品我们可以发现，其还具有非常显著的严谨逻辑性，其从整体上表现出来的是一种均衡之美。门德尔松是浪漫主义代表性人物之一，在分析其作品的过程中我们会发现他的作品存在很多浪漫派系的元素。例如，其擅长的就是柔和以及幻想元素的使用，同时其还对那部分古典音乐给予足够的重视以及关注，其可以在原有的基础上促使传统与浪漫完美地交织在一起。门德尔松在重视以及关注古典音乐的过程中创作出的《马太受难乐》，这部作品得到了人们的重新认可。门德尔松的观点是：传统形式的音乐存在非常显著的价值，同时还存在明显的现实意义，所以在实际工作中，需要在原有的基础上将其传承下去。所以，在分析门德尔松作品的过程中，我们会发现其作品到处都有古典音乐所存在的逻辑性。在传统音乐方面，门德尔松在继承传统音乐的过程中发挥着不可或缺的重要作用。门德尔松在完成钢琴作品创作的过程中，首先，用以下几个方面的古典音乐体裁作为创作的标准要求：变奏曲、协奏曲、鸣奏曲、变奏曲、协奏曲、赋格曲等。其次，他这样做也是为了从根本上防止陷入古典主义模仿的泥潭中。所以，其主要的目的就是完成以下几种类型作品的创作：区别于古典主义，同时不丢弃古典主义的音乐。古典派门德尔松陆续写了15年的《无词歌》，分为8卷出版，每卷各6首，一共48首。同时，代表作《无词歌》也是和浪漫派的分水岭，是门德尔松独创的体裁形式。[2]上述提到的48首曲目篇幅都比较长，但是上述歌曲都存在非常丰富的歌唱性旋律以及歌唱性伴奏，同时全部都是属于完整的歌曲形式，非常精致，并且含有非常丰富的创意，这成为当时门德尔松生活的具体体现。
门德尔松在创新艺术的过程中认为艺术实质上有一个普遍和具有延续性的基本原则，不管其涉及的是哪一个方面的创新其都是在传统的基础上完成变动的，即使是贝多芬，在其创作过程中也会参照传统。例如，贝多芬的《第一奏鸣曲》，该作品享誉全球，分析其实际情况我们会发现，其也在一定程度上继承了莫扎特的音乐特征。所以，在序曲《仲夏夜之梦》出现的时候，有人认为门德尔松完全开辟了新道路。但是对于序曲《仲夏夜之梦》，门德尔松却认为这跟《菲德里奥》（贝多芬）使用的是一致的标准，其中最为显著的差异大概就是两人之间存在不一致的创作思想。在分析门德尔松钢琴音乐作品的过程中，我们发现门德尔松对这种艺术创新道路提出了几点见解。门德尔松在作品中坚持穿插传统艺术，有一部分人批评门德尔松保守以及传统。但其实在继承古典音乐的过程中，门德尔松不是依赖古典音乐或者是抄袭古典音乐，门德尔松保持以下的观点：要传承古典音乐，同时还不怎么喜欢只是旋律单一的创作方法。
2 独立性创作体裁表现
门德尔松的钢琴音乐作品不仅对古典主义模仿形成限制，同时还制定了古典音乐非常重要的一个标准。在协奏曲体裁上，门德尔松按照实际情况的需要并没有使用传统协奏曲所存在的双呈示部属性，其实质上使用的是联合演奏，同时联合演奏是在钢琴跟乐队两者之间实现融合的基础上完成的。在选择题材的过程中，我们分析门德尔松钢琴音乐作品之后了解到，其创作的首选均是有效地结合古典主义以及浪漫主义的风格特征题材。在上述基础上才可以促使其作品具备非常显著的古典主义特征以及浪漫主义风格特征。例如，1829年7月的《苏格兰交响曲》（门德尔松），门德尔松前往苏格兰爱丁堡霍里路德古堡，结合自己的所观所想，产生了《苏格兰交响曲》的创作灵感。《苏格兰交响曲》实质上就是在分析爱丁堡霍里路德古堡典故的基础上完成，它体现的是古典艺术与现代艺术的结合，以及两者之间的交织融合。其中存在非常轻快的行板，这是其最为重要的序奏部分，a小调部分的作曲题材表达哀婉的感情，其主要由双簧管跟中提琴两种乐器来实现，上述曲调像是在感叹古堡。在创作作品的过程中，门德尔松一般会将以下两位杰出人物作为楷模：巴赫、贝多芬。同时，需要以严肃的态度对待变奏曲的写作过程，因为这不是炫耀技巧，也不是玩弄声音。
3 内涵明确的音乐情感
门德尔松在分析实际情况的基础上提出关于音乐跟语言相关的美学观。门德尔松认为，在表达语言难以临摹的情感的过程中，相比语言音乐可以更为明确地表达出情感，在音乐中需要按照实际情况的需要实现感情方面的具体性。在上述的基础上，由于门德尔松对音乐保持的态度，因此在实际创作过程中，他一般都会使用音乐来表达思想感情的变化过程。因此，后人才可以很轻易地给他的《无词歌》中没有标题的曲子冠名。例如，《春之歌》《浮云》《狩猎》等。
4 结束语
我们在分析门德尔松音乐创作的过程中发现门德尔松非常重视诗意典雅，同时重视表达精确的情感，重视表达音乐的形式美。门德尔松的音乐作品具有非常浓烈的抒彩，其涉及的内容非常通俗，非常容易看懂，同时还具有非常显著和丰富的绘画性。门德尔松的作品不会侧重于伟大理想或者是伟大的社会意见，同时也不会侧重于磅礴气势或者壮丽景象。在打动别人的过程中，他抒发的是真挚的情感，所以具有非常典型的浪漫主义代表性。
参考文献：
就中国古代家具的历史分期和风格，方海曾提出“明显形成四种最重要的设计风格，即楚式家具（周代至南北朝）、宋式家具（隋唐至元代及明代早期）、明式家具（明中期至清早期）、清式家具（清中期以后）。”[2]对这种分段方式笔者并不赞成。且不说周代到南北朝超过1600年的历史跨度中，我国家具在风格和区域变迁上有很多变化，就隋唐至明代早期间，隋唐家具形制与两宋到明的家具形制差异就十分巨大。根据《中国通史》（白寿彝总主编）中对中古时期历史发展的描述，笔者认为我国传统家具的主要历史可划分为三个阶段――“古风”、“古典”以及两者当中的“过渡”时期，依据的是家具的使用方式、功能、形制、审美内涵等因素的同一性。我国中古时期在外来文化深刻影响前形成的建筑和室内家具，具有统一的本土原生文化内涵，这一时期家具系统发展不完整，笔者称之以“古风”。之后外来文化在六朝时期形成巨大的影响，由此生活起居和家具都进入一个长期的“过渡”阶段，生活风俗和家具形制表现出混杂融合的创新过程。直到“唐宋变革”社会发生巨变，进而在宋代高型家具由普及到成熟，才最终形成“古典”家具。这三个阶段中前面两个阶段都表现出“起居单中心”、强烈的等级象征等特点，与第三阶段间形成明显的区别。
笔者提出“起居单中心”的概念，是在由北宋墓葬考古发现的“起居双中心”特点的比照下产生的。“古风”到“过渡”阶段，生活起居围绕席或床榻完成，餐饮、议事、会客、睡眠可以都在一处，由一类家具支撑着各种不同行为和功能。而高型家具的普及过程中产生了明确的内外之别，北宋墓葬考古已经显示这种空间区别：内室以床榻、盆架等组合，承担休憩、睡眠等功能；而外室以一桌二椅标准配置为代表，服务于会客、餐饮等对外或家庭成员共同活动。另外“古风”和“过渡”阶段家具是以类型表现阶层象征性，由其“古风”时期屏风、几、案、俎、、箱等都根据等级的要求严格配置，座位高低也有明确的地位象征性，而“古典”时期家具则是以形制来表现阶层象征功能，各类型家具如靠背椅、屏风、几案等运用都很广泛。因此，高型家具的普及是“古典”家具发生的原因，而且“古典”家具的审美判断包含了世俗化的内容，表现出务实理性的特点。
所以，笔者认为古典家具的范畴大大超出“明式”，以大型的门家具为代表的“过渡”时期到以靠背椅为代表的“古典”时期，我国家具形制发生了革命性的演化，这当中应当有明确的“宋式”家具的地位。它是垂足坐起居普及和高型家具成熟的结果，是“过渡”时期的终结，是“古典”出现的界定。在此笔者需要设定“古典”家具在形制特征以外的几项核心特征：
1.类型发展完善。
2.服务于“起居双中心”和垂足劳作。
3.等级象征依赖家具的形制变化而非家具类型。
4.家具功能、技术、美学各要素协调统一，支持生活效能的提高，带有世俗化、商业化的倾向。
5.审美内涵以封建文人和士大夫阶层的思想观念与艺术情趣为主导。
根据以上对古典家具特征的界定，笔者认为我国古典家具的研究是始自对明代硬木家具的赏鉴。其先驱者，有在杨耀先生帮助下于20世纪40年代完成了《中国花梨家具图考》的德国学者古斯塔夫・艾克（Gustav Ecke），他从社会政治、思想、建筑、材料等不同方面分析了明式家具的成因。还有王世襄、杨耀、朱家、李宗山等诸位先生，他们以极大的热情，阅古览经，寻访实测，对明清家具进行了分类、断代及界定名辞、术语的大量工作。还有美国学者乔治・凯特于1948年出版了名为《中国家用家具》的专著，所收家具实例已超过硬木家具的范畴，包括许多漆木家具和柴木家具。20世纪80年代以后，在复兴祖国文化和古典家具收藏热的推动下，研究古家具的学者和研究文献迅速增多，研究侧重也各不相同：有按朝代全面阐述数千年家具流变的，如王富瑞、胡文彦、刘森林、阮长江、林东阳、李宗山、胡德生、蒋绿荷、朱方诚、娄军委、唐开军等；有详尽分析明式家具造型、结构、工艺、风格和文化内涵，以传承文化为己任的；如王世襄、杨耀、陈增弼、阎纪林、张帝树、许柏呜、余继明、刘曦卉、王叶等；有钻研中国传统家具的装饰图案和装饰手法并归纳整理其演变过程的，如吕九芳、林东阳，马涛，行淑敏，唐彩云等；有专注于清式家具的装饰风格与特征，分析区域风格成因、特征及发展过程的，如张炳晨、淮安国、侯林辉、陈立未等；有潜心研究少数民族的家具特点及其与明式家具关系的，如李德炳、蒋绿荷、张瑞、张远群、邹联付、袁哲等；有专门研究中国古典家具与西方家具历史关系的，如方海、周浩明、王美艳等；有追索中国早期古典家具特点和文化渊源的，如张十庆、邵晓峰、聂菲、张彬渊、薜坤、蒋正清、叶德辉等；有分析探究家具艺术与其他艺术相关性的，如李伟华、许柏鸣、徐永吉、刘颖睿、王树良等……可以说，中国传统家具和古典家具的研究在20世纪后期进入了十分活跃、成果倍出的时期。
被王世襄先生推崇为中国家具颠峰作品的明式硬木家具，具有造型简炼、线条勇毅、比例匀称、稳重挺拔、结构严谨、灵巧慧智、科学合理、坚固耐用、风采翩翩等优秀品质，其科学性和艺术性，已得到了众多专家的研究和认可。作为我国古典家具的典型和代表，明式家具的荣耀是无疑的。但这些中国古典家具最令人注目的品质，究竟是如何得来的呢？自王世襄、杨耀诸位先生起，就一直承认明式家具是继承宋代的优良传统，至于许多后来的学者也赞美宋代家具新颖、挺秀、雅洁，就如胡文彦、刘红伟、张十庆等学者都曾就宋代家具做过一些研究。但是“明式”和“宋代家具”的不同点始终还是模糊的。宋代家具的发展和特点是什么？这些特点如何演绎又对古典家具有什么影响？有哪些特点被“明式”所传承？ 这些问题大都因实物证据太少而鲜有研究。
如果我们执着于“以史带论”的研究方式，只能以考古史料证据来研究家具发展问题，则我国辉煌的古典家具文化恐怕难于更好地显化出来了。西方史学界对中国历史研究提出的质疑中常常涉及考古证据的问题，[3]我国对古代文献的质疑在以顾颉刚为代表的文献怀疑论推动下于20世纪后期达到高潮。不过考古证据显然也无法排除其历史的偶然性，各类文物也都只能代表古代物质文化的一部分，所以依赖可见证据的严谨度会让我们停止于问题前。因此，笔者认为可以借鉴法国年鉴学派的历史研究方法，关注的领域可以从纵向的思想观念演化、存在条件演化到横向的政治、经济、科技、文化、制度、对外交流等，进行更全面的审视。这种多层次、多视角地把握历史发展过程的方式，借助历史人类学关注观念、心态、欲望、习俗、风气、行为的视角来建构历史的真实，本着“整体史观”的原则，强调广泛研究而不是受限于历史文献资料的信息。[4]中国考古学之父、人类学家李济（1896-1979）先生也鼓励现代考古学的方法，认为应该将文献史料、实物史料与假说结合，才能做到尊重历史逻辑、摒弃主观臆断的整体史观。
宋代考古证据能够提供用于家具研究的是非常有限的。这一限制只有通过文献史料、实物史料与假说结合的方式才有可能突破。气候学和地理学意义上的南北差异、社会学意义上的“唐宋变革”、城市文化研究意义上的宋代开放型城市与建筑发展、政治经济学意义上的宋代改革与政策、文学意义上的宋文学语言、设计历史意义上的工具发展与家具制造，以上这些都必须与宋代考古和宋代文献研究结合，那么被陈寅恪、邓广铭、漆侠先生视为中国古代文化鼎盛期的宋朝，究竟如何演绎了古典家具的发生才能被认识。这样对古典家具进行建构是不容易的，所以笔者试图提出一些问题，作为对古典家具研究的启迪。
一、古典家具时间界定的前提问题
这一问题主要包含垂足坐普及、高型家具类型发展问题。对于垂足坐的发生，许多学者都将其归因于东汉“胡床”的传入，这种观点笔者不能同意。因为“胡床”基于8根直材的造型与结构，自传入直到今天并没有多少变化，史料显示胡床的普遍使用在于其便于携带，而对建筑和室内空间的布局都影响甚微。还有“太师椅”这种源于胡床和圈椅的组合形式，是“胡床”传入800年后的宋代才开始出现。如果说一个胡床就能改变传承已久的席坐起居，那岂不是建筑内部设计早就应该围绕胡床的特点来发展吗？与胡床影响相对的，是佛教传入时带入的高型家具与中国传统造物方式结合而产生的混合风格家具，这类家具的渐进式出现，显示源于宗教的影响更有可能改变中国礼制传统习俗。
在高型家具研究中也能经常看到学者以宋代以前的绘画为依据说明垂足坐的状态和家具的发展，笔者认为这样是不够严谨的。这些绘画更主要表现了一部分当时的贵族和上层的生活，是社会样态的局部，所以虽然能证明垂足坐的出现，但是并不能说明它的普及。绘画《韩熙载夜宴图》曾经被作为北宋初期垂足坐已经普及的重要证据，为此李宗山、朱家、王世襄等诸位先生都曾经下过北宋完全进入垂足高坐时期的论断。但对此画更深入的研究者如邵晓峰就著文质疑了《韩熙载夜宴图》的年代，举出严谨而充分的证据证明其不能作为北宋前研究的依据。所以家具研究以绘画为依据是有限的，年代确定的绘画作为文献证据时，也要考虑它的局限性。
所以说即便能确定我国“古风”家具开始改变是自六朝始，但是我们依然不能仅以某种高型坐具出现或绘画中贵族的某种生活场景的特点就来推测垂足坐的普及。垂足坐普及是古典家具发生时间界定的基本前提，笔者在论文《小议中的高型家具》和《从看北宋都市中高型家具的发展》[5]中讨论了垂足坐普及的问题，认为垂足坐在北宋得到大发展并于北宋中期以后渐渐普及。《清明上河图》提供了垂足坐普及的重要证据，但同时也表明了高型家具类型发展尚未完善，因此北宋晚期古典家具还没有出现。对高型家具类型发展的完善过程，还需要对南宋家具有深入研究并以此为基础阐发，这是在古典家具时间界定前必须得到澄清的。
二、高型家具形制的定制问题
高型家具形制的定制与古典家具出现时间是同一个问题，因此高型家具何时形成定制的问题应该成为古典家具研究的重点。
高型家具在宋代有长足的发展，当高型家具形制发展成熟并拥有明确的风格时，我们可以认为它的定制形成了，同时古典家具也就出现了。现存南宋文献证据（以绘画为主）显示家具的形制多样并且具有了确定性，但研究的难点在于更加明确的时间界定。以张十庆先生的《关于宋式弯腿带托泥供案》为例，文中提及的镰仓与京都（日本中世宋风禅寺的主要基地）禅寺建筑、家具形制都忠实摹仿南宋江南禅寺作法，其宋式供案皆为翘头案，都表现为整体圆浑饱满、弯腿用料大且腿面起线繁，雕饰精美且风格相同。[6]这是南宋高型家具发展成熟的案例，如果有更多这类案例与文献证据相呼应，就有可能证明高型家具定制出现的确切时间。
《太平御览》卷中关于家具的条目只有屏风、步障、承尘、囊、床、榻、胡床、几、案、箱等，而并未出现桌、椅，和高坐家具有关的只有“胡床”一项。如果对照《清明上河图》中的家具，则可以确定起居方式在北宋发生了革命性的变革。这一变革最核心的内容就是“起居双中心”的建立以及与此密切关联的家具成套配置的发展。《清明上河图》中出现最多的成套桌、凳，在市井生活起居中十分实用，是高型家具形制向定制化发展的不完整的表现。由此可见高型家具形制的定制研究与起居方式的转变是不可分割的，起居方式的转变既是家具发展的根本动力，又是家具发展的目的。所以对古典家具早期的研究，应当给予起居方式足够的重视。
高型家具形制的定制问题，还与高型家具的审美内涵发展息息相关。宋朝产生了文人组成的新型官僚集团管理体制，在思想和精神领域是以汉文化复兴为核心的，在社会经济领域是以发达的市场经济和农商共荣为核心的。在此背景下，造物的审美深刻地反映了宋代的社会伦理和风俗文化，因而高制家具既有豪放、率真、自然的审美内蕴，也有华丽、细腻、讲究法度的审美追求，这种矛盾的共生共荣，是古典家具审美特征的渊源。胡德生先生认为中华艺术有一种从未消失的抽象性和写意情结的混沌之美，华美、朴素两种美学理念，始终互相借鉴又保持其独有特质，交叉又平行发展。[7]这种古典家具的审美韵味，其显化的物质表象就是家具形制的确定性。因而早期古典家具研究需要把高型家具形制与审美的关系理清。
以上阐述的两方面问题，是因为笔者认为古典家具的发生与渊源与古典家具本身的特征研究同样重要，而且是我国古典家具研究最基本的问题。对宋代家具研究而言，可以依据的直接文献证据有宋代史料文献，以及我国仅存的民间木工营造专著《鲁班经》、明人编撰的《三才图会》、《古今事物考》、保存于《梦溪笔谈》的宋人喻皓所著《木经》中的少量资料、北宋聂崇义所撰《三礼图》20卷、金元间薛景石图文互释的《梓人遗制》、和宋代《燕几图》，都弥足珍贵。另有流传至今的宋代绘画文献可资研究。不过笔者始终认为这些文献不能仅做封闭的研究，而是要与其他的历史研究以及历史假说结合，才能到达古典家具演化的历史文脉间，才能突破古典家具历史研究的瓶颈。
注释：
[1] 吴山主编：《中国工艺美术大辞典》，江苏美术出版社1989年版，第439页。
[2] 方海：《从古典漆家具看中国家具的世界地位和作用》，载于《家具与室内装饰》2002年11期。
[3] 鲁惟一、夏含夷：《西方汉学的古史研究――〈剑桥中国古代史〉序言》，载于《中华文史论丛》2007年第2期。
[4] 李铁、张绪山《法国年鉴学派产生的历史条件及其评价》，载于《东北师大学报（哲学社会科学版）》1995年第1期。
[5] 《小议中的高型家具》，载于《装饰》2013年第2期；《从看北宋都市中高型家具的发展》，将发表于《都市文化研究》2013年上半年。
[6] 张十庆：《关于宋式弯腿带托泥供案》，载于《文物》2002年03期。
【关键词】 中国古典园林；象征性设计；艺术；实践
根据相关历史文献记载：建筑的搭建都有其特定的目的，而人们思想智慧的凝结也决定了建筑最终的成效。著名文化研究会副会长居阅时也是这样认为，就好像在原始社会时期，原始部落居民就对图腾情有独钟，由衷地萌发出对图腾的热爱，其中颇具深意。现我国仅存的古典园林设计更具有研究的意义，更加吸引专家的探索和世人的膜拜。其时期大多在明朝和清朝，苏州园林便是其中的典范。苏州的地理位置十分重要，作为文化中心，享誉“人文之首”的美誉；作为经济中心，被世人尊称为“丝绸之府”和“鱼米之乡”；自古便有“上有天堂，下有苏杭”的远古美名，传颂于今。
一、对象征性艺术的诠释
美国著名建筑学家这样说道：要想建筑设计能够充满思想，在进行设计时就应该考虑到具体的实践方式，才能使最终展现给人类的是精神，而不是物质。举个例子而言：园林设计的目的是让游客更加轻松愉悦的玩耍，在园林中更加放松自己，陶醉其中，那么园林设计就不能是古树冲天，或者松柏一身正气，给人一种严肃凝重的氛围。再者，若是想展现对战争的纪念，对逝去同胞的怀念，那么园林内部不应该是五颜六色，轻快愉悦的，更多的展现是肃穆沉重的。所进行设计的方案与园林设计的目的必须一致，才能使得游客有更好的体会和感悟，从中传达出的不仅仅是方案设计里面展现出来的思想，更多的是除此之外，还能够带给游客的与之相关的精神层面的感悟，这样一来，才会达到园林设计的真正目的。中国类型的古典园林艺术的意境不足以说明精神这一层面，是因为中国古典园林最喜写实，所有的构造均是跟生活息息相关，例如岩石、石柱、鲜花、假山等等，但不可否认的是，在这种环境下生活的人们更注重现实，园林展现的是精神，与现实融合在一起。就好像设计园林的目的是纪念某场战争，怀念亲人，这种精神层面展现的内容是根据实际的具体的事物探求出来的，根据园林内部一草一木感知出来的，不需要过多华丽的辞藻，只需要设计的园林目的明确即可。
二、古典园林中象征性艺术的表现形式
园林设计注重的是使得古典园林中的设计能够具有代表性，在园林设计中会遇到各种各样的代表形式，这些代表形式实际上是一个象征，这种形式我们称之为园林象征符号。在古典园林中一旦出现这类符号形式，代表着它是园林中的主要表现和象征，最终的指向是最初设计园林的目的，象征字符与园林设计主体息息相关。在这里将介绍一个词汇：社会约定。社会约定是符号文字以及园林设计目的的基础。想必大都听过这样一个词汇：一池三山。《郊祀志》中这样叙述到：在大规模的湖泊北方有一个高台，高台大约20多丈，被命名为太液，湖泊中央有三个小岛，分别为蓬莱、方丈和瀛洲，从水中挺拔而起，亭亭玉立。并且该主题园林的主题即为：寻仙。因此，设计师在设计过程中取用这一典故，命名为一池三山，在园林中也设置这样一个地方，一个大的湖泊和三个挺拔的小岛。他的意思是想说明，岛上是存在仙人的，但是从来没有人看见过，因此所有的游客都是奔着寻找仙人所以去游玩，这样一来，很好的切合了园林设计的目的。这种方式被日本借鉴了，设计几乎一样，但是设计的目的却是不相同的，这就是所谓的社会约定。日本设计的主题是水石庭，并且更改了三个小岛的名字，使其切合他自己的主题。由此可见，一池三山的实际意义已经改变，但是仍然被称为具体的象征符号。
三、在古典园林设计中象征性艺术的具体体现
园林符号属于园林艺术殊的符号，这与文章中描述的符号形式是不同的，根据不同的类型特征，也被划分为不同的方式，与传统文化中的符号象征的区别在于影响他的程度不同，作为古典园林中具体的符号文字，与周围的环境构成一个统一的整体，从古至今，没有大变化的是园林艺术的重要性，但是发生重大变化的是符号文字，时代的发展赋予这些符号文字新的内涵。
现今随着时代的变化，人们对这些园林艺术的理解也发生了重大的变化。大量极富有内涵文化的符号文字在人们的眼前，却不受重视。例如将铜门设置为“伸手即有钱”的意思，将石榴花窗设置为多子多福的美好寓意，但是现在人们对这些不再重视，看到这一切不能理所当然的想到寓意，更没办法猜出其中蕴含的深意。
发生着的一切，其原因是多方面的，综合而言，可以归纳为两个方面。其一是信息化、科技化和数据化时代的到来，使得人们无暇顾及古典园林艺术，只是过分追求金钱与名利，对这种需要闲情雅致的生活情调漠不关心，社会约定发生改变，理解也会发生改变；其二是因为中国传统文化的地位越来越低，人们对西方文化的热情高涨，大量文化全盘西化，对古典园林艺术的发展很是不利。正常的生活是勤俭节约的，与参观古典园林艺术的奢侈不相符合，因此人们对这方面的关注度越来越低。
上面提到，以前赋予的旧内涵逐渐不受人们的重视，无疑是一个悲哀，但是与此同时，符号记录方式也发生了新的变化，很多以前人们熟知的东西被赋予了新的内涵，更加吸引着现今节奏快的人们。在实际生活中不存在的事物，仍然可以用到园林设计中，并且对人们的吸引力不亚于真实存在的事物。举个例子而言，龙。日常生活中见不到龙，却经常在各种建筑中见到龙的身影。古代社会，龙是皇上的象征，象征着王权和皇权，随着时代的发展，封建专制已经不复存在，取而代之的是新的制度规则，现今龙已经转变成了中华民族的象征，时刻鼓励着中华儿女炎黄子孙奋发图强。
四、结语
古典园林艺术是我国经济建设和文化建设的重中之重，其承载着中华上下五千年的历史，人们与古典园林融为一体，和睦相处，其中磨合出的感情用两个字概括就是融洽。园林艺术的发展离不开人们对它的重视，也离不开设计师的精心设计，希望这种精神文化能够永远传承，象征着中国的发展。
【参考文献】
[1] 王鲁民.中国古典建筑文化探源[M].上海：同济大学出版社，1997.
[2] 丁山.移天缩地在君襟--皇家园林[M].北京：中国建筑工业出版社，2006.
[3] 计成，陈植注释.《园冶》注释[M].北京：中国建筑工业出版社，1998.
[4] 居阅时，瞿明安.中国象征文化[M].上海人民出版社，2001.
[5] R・巴特著.董学文，王葵.符号学美学[M].辽宁人民出版社，1987.
[6] 张|.象征艺术与中国古典园林[M].中国文联出版社，2012.
【关键词】近代油画作品；构图；古典主义；印象主义
中图分类号：J223 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）11-0188-01
一、西方流派对我国近代油画作品构图的影响
（一）古典主义的影响。西方古典主义画家比较注重传统和写实，在他们的心中，平衡的构图能够保证画面的和谐和稳定，能够体现出平衡美，为了使油画具有和谐和秩序的美感，在构图的时候，油画家多采用焦点透视法，完美融合透视和几何规律。我国近代许多油画家深受其影响，例如，为了充分展示人体美，徐悲鸿的人体油画在遵循西方古典主义构图的规范基础上，将古典主义构图的审美理想体现得淋漓尽致，利用西方传统的形式美法，使作品中的人体比例达到完美与和谐。亚里士多德认为，有秩序的东西才能呈现出真正的美，因此，在构图上，西方古典主义油画家将体现秩序美视为基本原则。在深入学习西方古典油画后，徐悲鸿从古典写实主义中寻找到了与中国国情相适应的艺术，创作了很多规模宏大的作品，如《田横五百士》等。
另外，西方古典主义油画的构图集中体现了韵律美。在我国近代风景油画中，颜文派钍芷溆跋欤他的作品充分体现了西方油画构图的韵律美，如《威尼斯圣马可教堂》在黄金分割点上集合了透视焦点，使画面形成了大块的分割，充分体现了古典主义的审美特征。
（二）印象主义的影响。印象主义时期，西方画家认为，色彩是由光线决定的，他们更加注重绘画语言的本身，在构图中，他们热衷于描绘、捕捉光色，通过色彩和笔触，通过运用科学的用色方法，打破了画面中形体的主要地位。在画面构图中，色彩的平衡、冷暖以及方向感发挥了原则性作用，作品的色彩成了主角，重新对色彩的配置和视觉效果进行定位。
我国近代画家李叔同、周碧初等深受其影响。周碧初创作的色彩风景油画，每一个色块都明亮鲜艳，光色的变化充满活力，画面具有平衡感和协调感，光色的变化通过参差不齐而有秩序的笔触得以体现，在光色朦胧的气氛中融入了多处景物。同时在创作油画的过程中，为了形成独特的油画风格，周碧初使用印象主义的表现手法，将中国传统的色彩元素和构图模式融入进去。
（三）后印象主x的影响。西方现代各个艺术流派的画家对作品的构图，不再受透视与传统构图比例的束缚，开始不依赖于表现客观事物上，而是从最大程度上追求主观认识的真实度。在创作油画的过程中，他们的构图审美注重构成点、线、面，注重色彩装饰性。通过合理运用点、线、面，使作品拥有更大的表现空间，提高了构图的自由度。
另外，20世纪初，西方一些油画家减少了对光影的利用，不再注重空间表现或透视，不再运用装饰性的风格或感性的色彩。我国近代油画家深受这种思想的影响，如苏天赐利用奔放而热烈的笔触，以表现主义风格为主，创作了《黑衣女郎》，画面构图饱满而稳定，人物曲线优美而舒展，大面积的红色与大衣的黑色形成强烈对比，充分体现了表现主义构图的审美特征。
二、中国画构图的传承
首先，中国画的构图非常讲究主次关系，在创作过程中，画家注重虚实相生，善于利用留白，虚实结合能够增强作品的意境，激发人们更多的遐想。如徐悲鸿利用西方照相技术，在中国画构图的基础上，创作的人物油画《箫声》中，少女的手部、头部是作品的主体，人物的头部与长箫形成的斜线产生顿挫、曲直的强烈对比，少女和长箫形成的斜线构成了一个斜向的三角形，和苍老的树干形成相互呼应的关系，远处隐约的地平线，在平静中蕴含了变化，生动展现了作品的画外之意，整个画面给人典雅、含蓄的感觉，并且充分表现了中国化的构图特征。
其次，中国水墨画以白色为底，在构图中，画家需要处理的主要问题是黑白关系是否得当。为了使作品更有节奏，中国画讲究疏密变化，增强了作品的韵味和灵性，突出了作品的重点。例如，画家林风眠创作的《人类的痛苦》，画面规模宏大，增强了作品悲天悯人的深刻内涵，他运用线条的疏密和黑白关系，采用了大面积的线条和黑块，充分将人类痛苦产生的本源表现出来，构图具有磅礴的气势，增强了画面的整体感，人物的构成不受空间、时间的束缚，通过块面和线条完成了画面的分割，将画家对人类痛苦根源的认识表现得淋漓尽致，真正融合了中西方的艺术特点，塑造了粗犷的人物形象。
参考文献：
[1]刘俊.浅谈中国近代油画作品构图审美的形成[J].赤峰学院学报（汉文哲学社会科学版），2012（5）.
[2]汤胜华.浅析中国乡土油画构图形式语言的审美特征[J].艺术教育，2016（1）.
[3]白羽.中国近代综合性油画技法演变和发展研究[J].美术大观，2014（11）.
的造型艺术。音乐与建筑按照各自的要求和规律发展,看似毫无关系的两种事物其实却有着千丝万缕的联系。
从公元前8世纪古希腊罗马时期开始,一直到20世纪初浪漫主义结束,在这漫长的历史演变中诞生了一大批世界上最伟大的艺术作品,尤其是音乐与建筑艺术,被公认为是人类文明中最纯粹的艺术作品。
2 古典各时期音乐与建筑的对比
古典时期按时间顺序分为古希腊罗马时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期和浪漫主义时期。在不同的时间段内,诞生了不同风格的音乐与建筑形式,接下来通过对这古典音乐与建筑的风格演变进行对比,找到音乐与建筑的内在联系。
2.1 古希腊罗马时期的音乐与建筑
2.1.1 音乐成就
(1)在古希腊神话中,重神之王宙斯的9个女儿是负责掌管音乐等艺术门类的“缪斯”女神。因此古希腊人就用女神的名字“Mousa”(缪斯)作为“音乐”的代称,这也就是流传至今“music”一词的来历。
(2)公元前6世纪,古希腊哲学家、数学家毕达哥拉斯首先提出纯律理论,他根据弦的长度计算出了当时所使用的一切音程,这是音乐理论方面的重大突破。
(3)大约在公元前5到公元前4世纪时,融戏剧、音乐、舞蹈、诗歌为一体的综合形式——古希腊悲剧与古希腊喜剧出现了。
(4)古罗马的音乐基本沿袭了古希腊音乐的形态。他们主要用于祭神仪式、婚宴典礼及军队凯旋仪式。
2.1.2 建筑成就
(1)希腊:雅典卫城建筑群、帕提农神庙、伊瑞克提翁神庙、胜利神庙、山门、雅典娜神像。
(2)罗马:万神庙、大角斗场、古罗马公共浴场、古罗马住宅、古罗马广场。
2.1.3 音乐与建筑的共同点
(1)音乐:固定的调式,如多里亚调式、弗里吉亚调式。
(2)建筑:固定的柱式,如多利克柱式、爱奥尼柱式、科林斯柱式。
(3)共同点:固定不变。
2.2 中世纪时期的音乐与建筑
2.2.1
音乐成就
(1)这一时期的音乐多以宗教目的为主,宗教类型的音乐泛指的是葛丽果圣歌,此为单音音乐的作品,一路发展下来就成了後来的弥散曲、安魂曲。
(2)世俗音乐也有了巨大的发展,大部分的作者都是一些没落的贵族阶级,其实内容大部分都是与宗教有关,但并不是在教堂里演出。
(3)连年的战争加上宗教的禁欲主义,音乐内容与形式以宗教为前提,在通俗音乐与宗教音乐夹杂抗争中发展。
(4)中世纪的音乐发展无疑是整个音乐史发展中禁锢最多、最灰暗的一段。
2.2.2 建筑成就
(1)罗马风:基督教堂、封建城堡、教会修道院。
(2)哥特:比萨主教堂建筑群、佛罗伦萨主教堂、威尼斯的总督府、阿尔罕布拉宫。
(3)拜占庭:圣索菲亚大教堂。
2.2.3 音乐与建筑的共同点
(1)音乐:多为教会音乐,单音节、无和声、无伴奏、清唱、齐唱。
(2)建筑:多为教堂建筑,理性、禁欲、有节制、朴素、多用厚重阴暗的半圆形拱门。
(3)共同点:朴素禁欲。
2.3 文艺复兴时期的音乐与建筑
2.3.1 音乐成就
(1)这个时期的结束比开始有更为明确的定义,不像其他的艺术类别。在15世纪初的音乐表现上没有明显变革,因此说文艺复兴时期的音乐特点是逐渐变化的。
(2)早期文艺复兴音乐作品主要是对第三间隔的依靠作为和音。从12世纪开始的复调音乐在整个14世纪变得更为细致而不依靠声音来表述。15世纪初的音乐趋向简单,声音致力于平滑。
(3)到15世纪末,复调宗教音乐又开始变得复杂起来,在某种意义上和当时发展极致的绘画有所关连;接下来到16世纪早期,音乐又开始简单化了。
(4)在16世纪晚期的音乐,尤其是小曲,趋向于更加复杂和半音音阶的趋奉。此时在佛罗伦斯,音乐家也开始转向古典流派,他们试图通过挽诗的形式恢复古希腊的梦幻化的音乐形 式。 2.3.2 建筑成就 (1)早期:弗洛伦萨大教堂、鲁奇兰府? ? (2)兴盛:圣彼得堡大教堂、法尔尼斯府? ? (3)晚期:维琴察的巴西利卡和圆厅别墅。 2.3.3 音乐与建筑的共同点 (1)音乐:提倡人文主义,描绘世俗生活情景、表现诗意的画面。
/> (2)建筑:批判神权、肯定人性、把人的比例融入建筑,多用线条轻快的尖拱、造型俊秀的小尖塔、飞扶壁、彩窗。
(3)共同点:人性解放。
2.4 巴洛克时期的音乐与建筑
2.4.1 音乐成就
(1)巴洛克是一个时期,而不是一种风格,这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐,1600到1750年这150年间就叫做巴洛克时期。
(2)巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩,当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。
(3)那个时期的器乐曲发展也很迅速,尤其是弦乐方面的发展,弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。
(4)代表人物有:巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是音乐之父,维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知,亨德尔是旋律大师,他的作品有一种优雅,他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富。
2.4.2 建筑成就
(1)早期:罗马耶稣会教堂。
(2)中期:罗马波罗广场、圣卡罗教堂。
(3)晚期:维也纳的舒伯鲁恩宫。
2.4.3 音乐与建筑的共同点
(1)音乐:多用装饰音符、分声部和声、节奏强力跳跃、华丽、强调起伏和速度、表现壮观场面。
(2)建筑:炫耀、多用贵重材料、追求新奇、装饰、色彩鲜丽。
(3)共同点:装饰华丽。
2.5 古典主义时期的音乐与建筑
2.5.1 音乐成就
(1)广义是指西洋古典音乐,狭义指古典主义音乐,是1750 -1820年这一段时间的欧洲主流音乐。
(2)因为这一时期的三位代表性人物:海顿,莫扎特,贝多芬的生活与创作主要都在维也纳,因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。
(3)“交响乐之父”海顿的小夜曲,“神童”莫扎特的奏鸣曲,以及“乐圣”贝多芬的小提琴协奏曲。音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐,逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐。
2.5.2 建筑成就
(1)早期:维康府邸。
(2)中期:卢浮宫东立面、凡尔赛宫。
(3)晚期:巴黎残废军人新教堂。
2.5.3 音乐与建筑的共同点
(1)音乐:严谨、典雅、端庄、像黑白电影和版画一样。
(2)建筑:以古典柱式构图为基础,突出轴线、强调对称、注重比例。
(3)共同点:理性主从。
2.6 浪漫主义时期的音乐与建筑
2.6.1 音乐成就
(1)这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚,对自然的热爱和对未来的幻想。
(2)强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合,提倡一种综合艺术。提倡标题音乐,强调个人主观感觉的表现,作品富于幻想性,描写大自然的作品很多,重视戏剧,作品具有民族特色。
(3)在音乐形式上,它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制,有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多,作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗,这是浪漫主义音乐的重要的形式。
(4)初期:舒伯特和柏辽兹。中期:门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第。巅峰:柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳。晚期:、理查德·施特劳斯和拉赫玛尼诺夫。
2.6.2 建筑成就
(1)前期:英国议会大厦、曼彻斯特市政厅。
(2)后期:威斯敏斯特宫、圣吉尔斯教堂。
2.6.3 音乐与建筑的共同点
(1)音乐:强调自由、奔放、像一幅水彩画和油画。
(2)建筑:强调个性、自然主义、追求超凡脱俗、趣味和异国风情。
(3)共同点:自然趣味。
3 古典时期音乐与建筑的内在联系
3.1 感性层面
在古典时期,往往是先出现新的建筑风格,然后再出现新的音乐风格,在一段时期内,音乐的风格与建筑的风格在表象特征上是基本一致的。
而在不同的历史阶段,古典音乐与建筑的风格
会发生很大的变化,但是风格不管怎样变化,调子总是灰色的,充满信仰,压抑而厚重。 古希腊罗马时期风格是固定不变,中世纪时期风格是朴素禁欲,文艺复兴时期风格是人性解放、巴洛克时期风格是装饰华丽,古典主义时期风格是理性主从,浪漫主义时期风格是自然趣味,整个古典时期的音乐与建筑的风格就是从理性到感性,再从感性到
理性,再从理性到感性的变化过程。
3.2 理性层面
先有建筑风格,后又音乐风格的原因不难理解,建筑往往是在创造一种生活,而音乐往往是在描绘一种生活。建筑师把对生活的理想用建筑语言的形式表现出来,当音乐家游走于一种新的视觉形象中时会有新的灵感来源,再通过音乐语言把这种灵感表现出来。
而在这么长的一段时间里的音乐与建筑的风格总是表现出厚重感的原因在于,西方文明一直处在一种宗教的氛围当中,不管是创作的起点还是终点,总有一端是与宗教联系在一起的,所以整体的风格不管怎么变化,仍然有很沉重的感受。文化或是文明是有惯性的,不可能从一个极端走向另一个极端,总体上虽有变化但仍是一种延续。
整个古典时期的音乐与建筑风格的转变呈现出这样一种特征的本质原因在于人性的变化。当人性过分的理性时,就需要一种解放,当人性过分的感性时,就需要一种束缚,人性的发展就是在两种变化之间徘徊前进。而音乐与建筑就是人性变化时的一种外在反应,人通过这些表象事物来抒发自己对新生活的理想。所以在整个古典时期,音乐和建筑会在一个时间段内,风格都极其相似,也可随着人性的变化而呈现出相反的特征。
结语
通过对古典时期音乐与建筑的特点进行对比,找到了它们在每一段时期内的共同特征和不同时期的变化规律,在同一时期内产生共同的特征是因为人们对生活共同的向往,在不同时期产生不同的甚至是相反的特征是因为人性的变化。不管是音乐还是建筑都是人的创造物,它是人在一段时期内内心愿望的外在表现,必然会在特征上表现出高度的相似性,这也就是为什么音乐和建筑在一定程度上可以相互转化,人性在其中扮演着重要的角色。
参考文献:
[1] (德)谢林.艺术哲学[M].北京:中国社会出版社,2005.
论文摘要：西方文学具有同源性，古希腊文学是其源头，也都受到东方基督教文化的深刻影响，这是其系统性的体现，其发生发展又有着非常清晰的逻辑传承关系。
纵观西方文学从古到今的发展历程，与中国在内的东方文学相比较，一个明显的特点就是西方文学具有系统性和内在逻辑性。所谓系统性，就是西方的文学与西方当时的政治经济文化哲学宗教民族性格等有着非常明显的同构关系，西方文虽然包括许多国家或民族的文学，有自己的民族特色，但从宏观上来看，它们具有统一性，都是属于古希腊罗马文化范畴内的文学，它们有共同的文化基础或基因，有共同的文化认同感。所谓逻辑性就是西方文学的发展过程有很强的传承影响关系，前期的文学或文学思潮、文学运动是后来的文学思潮或运动或继承或否定的依据。所以，西方文学史线索比较清晰，家族谱系容易搞清楚。
古希腊文学是西方文学的源头和基础，古希腊文学创造了伟大的奇迹，成就包含在各种文学体裁中，包括神话、戏剧、史诗、诗歌、寓言、文学理论等，几乎涵盖了现代所有文学体裁。而且，每一类题材都取得了非常高的艺术成就，无论在思想内容的深刻性、艺术的形式、美学效果等许多方面，对西方后来的文学产生了决定性的影响，成为西方各民族文学绕不过去典范文学。古希腊文学的这种高起点，也是一种高标，他的示范作用是非常显著的。在历史的不同时期，西方文学均受古希腊文学的熏染。所谓古典文学主要是指以古希腊为主的文学，当然也包括古罗马文学，但是古罗马文学是古希腊文学的直接继承者，古罗马人极度崇拜希腊文化，被古希腊文化的高贵、典雅、崇高所吸引，全面学习古希腊文化，尤其尊崇拜古希腊的文学艺术。文学艺术比较落后的古罗马，全盘接受了古希腊的衣钵，但是在模仿学习中，已逐渐形成了自己的特点。但总的来说，是古希腊文学的路数，在总的艺术成就方面远远落后于古希腊。所以一般把古希腊罗马作为西方古典文学的范本，在西方文学发展史上，尤其在文艺复兴、古典主义时期产生了重大影响。
古希腊文学除了文学形式方面的示范作用外（保证了西方文学的高起点），古希腊文学的一个思想特征非常重要，即文学中体现的以人为本的传统。高尔基说过：“文学即人学”，这是对西方文学的最好概括，这一人学传统源远流长，几乎没有在西方中断过。而开端就是古希腊文学。古希腊各种文学体裁，都是把人作为研究对象，探讨人的情感、理想、内心的欲求、命运等，即使神话英雄传奇，主人公也是按照人的样子来塑造的，他们具有人的形体，人的外貌，人的心理情感和行为方式，也有人的恶的本能。这充分证明了希腊人对于人的主体性的尊重，把人放在世界中心的位置，所以古希腊哲学家哲学家普洛泰戈拉说：“人是万物的尺度”。西方文学基本上是沿着这条人学路子走过来的，在不同阶段，加深着对人性的研究和表现，随着现代心理科学和主体哲学的发展，对人的认识深入到下意识、无意识的层面，现代文学也随之从这个层面上进行反映，使得文学的人学研究更加深入全面，但是以人为本的这一红线并没有中断。
古希腊文学表现出来的以人为本，把人作为世界中心的思想，造成希腊的原欲性文化特征。文学中的人物，就是现实的折射，古希腊人充满了对世界的好奇心，他们没有思想道德羁绊，充分的张扬自己，使自己探讨世界自然社会和人自身的社会实践达到极限，满足人的所有外在内在的需求，这种人性的极度膨胀，既有利于个体的发展，也利于社会的进步，每个人的主观能动性得到了发挥，所以出现了古希腊，尤其是雅典的物质、精神文化的全面进步。但是，这种发展模式是不可持续的，人欲的过分膨胀，是一把双刃剑，其负面就是可能导致享乐主义，极端个人主义，不健康的颓废心态。果不其然，到了古罗马中后期，出现了普遍的醉生梦死的人欲横流的状况，罗马城成为了糜烂富贵的欲望之城，最主要的特征之一就是罗马的色情业的畸形发达，人们以此为乐为荣，不以为耻，严重毒化了罗马人的进取心。终于导致古罗马公元476年的覆灭。基督教神学家圣·奥古斯丁指出：罗马的被毁灭应归罪于罗马人的不洁，归罪于活跃在古罗马艺术中的诸神：“你们的那些舞台剧，那些不洁的展览，那些的异教神，并非由于人们的败坏始而孕育于罗马，它们之所以被育成正是由于受到了你们这些神的直接命令。”罗马的毁灭意味着基督的胜利。
人们意识到，欲望的无限膨胀的恶果，开始自我反省，从而接受了禁欲的东方的基督教。在文学中，人的中心位置被神、天国占据，人成了上帝的奴从，人不是目的，而成了手段。人的欲望需求成为罪恶，人天生就有罪，因为他们的始祖亚当夏娃偷食了禁果。接下来的西方中世纪是人最受压抑的一个时期，人匍匐在上帝的脚下，是迷途的羔羊，人在俗世就应该不断的苦修，忏悔，摒弃世俗的巴比伦堕落之城，向往心灵的上帝之城。中世纪的神学统治，是一种西方的文化调整，但这种调整在当时有些过头。但是，这种调整是必要的，基督教成为西方文化的另一个生长点，或者是西方固有的原欲世俗文化的平衡，也可以说从更全面的对人、对人性进行了探讨。人不仅是生理物质层面的，人不同于动物在于人还有灵魂超越的需求。这种调整，在当时的确非常过激，人失却了自尊、权利，生命受到了严重的压抑。文艺复兴和宗教改革是这种过激调整的再调整。其实，这两个联系非常紧密的运动，并非完全要完全废除宗教，不是改变宗教的教义，矛头是对着世俗的教会及其神职人员，削弱他们的权利，使信教的门槛变低，宗教仪式简化，只要人们心中有上帝，不通过教会也可以进入天堂。文艺复兴是一场伟大的资产阶级思想解放运动，在研究古希腊罗马的文化历史艺术中，得到了文化启示，就是要恢复西方本来就有的人本传统，解放人性，强调人的理性，强调知识的重要性，是对人的中心位置的重新确立，对神的地位的降低，是对现实世界的确认，对天国来世的重新审视。通过这种人神关系、今生来世关系的调整，达成西方固有的原欲文化和基督教禁欲文化的平衡。文艺复兴时期的人文主义文学，成为表现早期资产阶级思想解放的先锋，对于西方文化的重建起到了不可磨灭的宣传和启蒙作用。这种文化调整非常成功，西方从此走向了比较和谐快速发展的道路。文艺复兴是个产生巨人的时代，出现了一大批伟大的文学家、艺术家、科学家，是人性解放的直接结果。从此，西方也就进入了资产阶级文化发展时期。但是，历史的进程往往不是一帆风顺的直线发展的，文艺复兴的资产阶级人文主义文学让位于带有浓厚封建主义王权色彩的古典主义文学。这是与文艺复兴人文主义文学有联系但有根本区别的文学，两者之间都强调古典，也就是古希腊罗马，但是人文主义文学更强调古希腊罗马文学中的以人为本的精神，进而张扬资产阶级人生观、世界观与价值观，强调个人主义，个性解放。而古典主义文学重从形式上学习古代，是一种强调统一君主意志、国家理念否定个性的文学，注重为政治服务，情感要服从理智。在文学语言和形式上有严格的要求，几乎成为法律。总的来说，要做到语言纯洁，文体纯洁，悲剧因素与喜剧因素不能混杂，悲、喜剧各有自己的取材范围、语言特征、性格特点，戏剧要符合三一律。古典主义的特征完全与当时的强大的王权政治相关联，是王权政治在文学中的体现，在美学上代表了封建宫廷贵族的趣味。启蒙主义文学是对古典主义文学的扬弃，是对文艺复兴人文主义文学的继承和发展。古典主义时期，是是新兴资产阶级与王权的暂时妥协，随着社会生产力的发展，资本主义势力强大起来，资产阶级已经不满足于无权的地位，掀起了声势浩大的发封建运动，此次运动不同于文艺复兴只是宣扬资产阶级人生观、世界观、价值观，而是从根本上要封建专制统治，以新理性为武器，从学理上否定封建政体的合理性，君权神授的迷信，建立人人普遍幸福的资产阶级政体即黄金国。启蒙主义文学正是时代精神的传声筒，在思想宣传方面起到了重要的作用。浪漫主义文学是对启蒙主义文学的否定，也是对法国大革命后现实的不满的体现。启蒙主义思想家（同时也是文学家）为人民描绘了未来自由平等博爱的社会理想，可是法国大革命以后，建立了资产阶级政权，社会现状令人大大失望，残酷的阶级斗争，动荡的流血政治，造成了全欧洲的恐慌。这是一种政治理想的破灭。现实是残酷而丑恶的，人们从精神世界中寻找理想的美，从中世纪中寻找文学的灵感源泉，在大自然中寻求安慰，浪漫主义本质上就是理想主义，这就是浪漫主义的社会基础。批判现实主义文学代替浪漫主义文学。从表面来看，两者非常不同，一个是表现非现实的理想，一个是直接展示资本主义的罪恶，但是从本质上看，都是对现实的否定，浪漫主义是不愿直面血淋淋的现实，从而回避现实，而批判现实主义却是直面残酷的现实人生，揭示其罪恶的金钱统治以及由此带来的政治道德人心的沦丧。
现当代的西方文学虽然表面上看与西方传统文学有很大的差异，但是与以上的文学的关系也是非常密切的。总之，西方文学的系统性逻辑性特征还是非常明显的。
参考文献：
购物车(0)